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2019文旅部高研舞美班丨谭泽恩:《从舞台美术设计到舞台美术展》

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本文转自:国戏舞美


2019年戏曲艺术人才培养项目高级研修班(原戏曲艺术人才培养“千人计划”高级研修班),由中华人民共和国文化和旅游部主办,文化和旅游部艺术司与中国戏曲学院联合承办。


2019年戏曲艺术人才培养高级研修班为高研班第四期,其中“舞美班”的教学以“舞美设计与体现,工程与管理”为重心,探索戏曲舞台美术创作和体现过程中的多方面课题。


学期为2019年7月至2020年7月。课程围绕着戏曲艺术的创作,广泛学习舞美多岗位的设计与制作体现的方法和理念;赏析优秀戏曲艺术创作成果、探索戏曲舞美传承与弘扬的学术研究方法。教学理念以戏剧目的谈舞美价值;以导演调度谈空间布局;以文旅发展谈特色构建。既要完美的体现设计方案,更要强调技术解决中的安全管理意识观念等。教学模式为集中授课、远程辅导、汇报演讲、评优推优等多种模式。


7月16日下午,中国传媒大学 艺术学部副教授、舞美设计谭泽恩举办了以“从舞台美术设计到舞台美术展”为主题的讲座。


中国戏曲学院舞美系精心整理出讲座实录,今天通过学会微信平台与全国戏剧同仁分享。


授课专家介绍

谭泽恩
舞美设计

中国传媒大学艺术学部副教授


毕业于中央戏剧学院舞台美术系,舞台设计专业本科及研究生。任教于中国传媒大学戏剧影视学院,曾主持舞台美术工作室。自1997年以来,担任近百个舞台及影视作品的舞美设计、美术指导和联合创作工作。


作品曾经参加WSD2009国际舞美展,2011、2015北京舞台美术邀请展,2014-2016中国先锋戏剧青年设计师邀请展,2015第三届全国舞美展,PQ15布拉格国际舞美展中国馆设计,2016釜山双年展,2017WSD国际舞美展,2017中国先锋戏剧青年设计师邀请展策展人,PQ2019中国国家展策展人。


两个舞美作品被中国国家大剧院收藏。作品曾获得国际、国内系列奖项,其中包括WSD2017国际舞美展“演出设计银奖”。


授课内容

《从舞台美术设计到舞台美术展》

主持人:


同学们好!今天来为我们授课的是中国传媒大学教授谭泽恩老师,谭老师本硕均毕业于中央戏剧学院舞美系,这些年完成了近百个戏剧及影视作品的舞美设计创作。作品多次参加WSD、PQ等国际舞美重要展览,曾获得WSD2017国际舞美展“演出设计银奖”等多个国内外重要奖项,有多个舞美作品被国家大剧院收藏。


他在舞美创作应用领域里面的收获比比皆是,在舞美设计展览展示方面的创新创意也做了很多的尝试,今年布拉格四年展中国国家展区和中国院校展区的展陈设计,都是谭泽恩老师带领他的研究生团队完成的,获得了国内外行业专家广泛的关注和好评。今天我们可以听到谭泽恩老师对戏剧舞美设计方面的独到理解,还可以听他介绍在国际交流各演出团队中的多角度联合,多方位创意的新理念,希望能在同学们学习成长的道路上开启多扇门窗,看见更多的创作创新道路,希望大家欢迎。


 ▲中国戏曲学院舞美系主任马路教授给谭泽恩教授颁发“文旅部高研班专家讲师”聘书


▲谭泽恩教授在讲座现场


大家好,我今天给大家带来的一个主题是“从舞台美术设计到舞台美术展览”,拿舞美展览作为主题,也许会有人对此表示疑惑:我们平时更多关注的是剧本、导演手法,从剧本、导演手法到我们舞台设计方案,怎样去找资料、怎样在模型上推进思路、怎样从某个概念出发找到具体的方式方法到最后的舞台呈现……,很少有人会把舞台美术展览当做创作的一部分,给予特别的关注。然而,这种认识是有局限的,尤其在多年参加布拉格四年展的过程中发现,我们可以从舞台美术展览的展陈方式中,感受到舞台美术内在的发展变化,甚至,从舞台美术展览中得见戏剧整体可能的发展趋势。我也正因为有了一些很详细的、很具体的、很直接的感触,才试图把舞台美术展览作为一个单独的课题,与大家一起分享。



布拉格四年展


▲PQ2019策展手册封面


这是这一届PQ展的策展手册封面,很讲究的平面设计,底下那个三角图形,是PQ2019的策展主题:想象、转变、记忆。这个构思来自布拉格国家剧院屋顶上金色三驾马车的雕像,也对应设计师的三个人生阶段:“想象”专注于青年设计师和学生展部分;“转变”是对应国家展部分的;“记忆”对应的是碎片展单元,要求每个国家和地区推选一个有专业建树的,尤其对本国戏剧和舞台美术设计产生阶段性影响的、在世的老艺术家。我们最后如果有时间,可以谈谈2019年PQ展的一些情况。


▲PQ1999


PQ2003


PQ2011


第一届PQ展是在1967年,已经走过五十多年的历程,这个展不但在舞台美术界,在戏剧界、艺术界都非常有影响,2015年就有18万人次的观众参与,曾获得欧洲时尚艺术EFFE奖——欧洲艺术界非常重要的奖项,它的历史与成就都足够引起我们在座的每一个人的重视。


特别有意思的一点是,在布拉格四年展的历程上,展览的全称有过好几次改变,正是这个改变从侧面提示我们“舞台美术是什么?”,对这个问题的回答也在改变之中,提示我们对专业属性的思考。


1967年的宣传材料上,舞台美术叫theatre design,这个词,以及舞台设计、剧场设计、戏剧设计都是我们经常所能听到的。1995年招贴还是theatre design,叫做theatre design and architecture(它包括了剧场建筑设计的展出内容)。1999年的stage design and theatre architecture,表述基本是一样的。第十届布拉格展它的名字发生非常有意思的变化,它使用了一个词scenography,不再使用以前的舞台设计或者剧场设计,2003年、2007年都是使用scenography这个词。到了2011年的时候全称继续改变,叫做performance design,意为演出设计,这个词一直延续到今年PQ2019。


2011年开始使用的performance design强调演出设计是视觉艺术和表演艺术之间的一个学科种类。它把自己跟绘画、雕塑、建筑以及装饰性的设计艺术进行了区分,它不再局限为视觉艺术重的一个类别。演出设计把自己的学科属性和表演艺术关联到了一起,更准确地界定了自己,值得注意的是,这里谈及的表演艺术不是我们之前常说的drama或者theatre,performance涉及的范围更大,让我想起彼德·布鲁克在《空的空间》里面说过一句话:“什么是戏剧?给出一个特定的空间,在大家的注视下,一个人从这边走到那边,就已经是‘戏剧’了。我觉得performance把“表演”这个概念扩展了,让戏剧的表演不再拘泥于“装扮”。


这些词的改变看似一个很小、很表面的转变,实际上,它对应了具体的艺术作品和戏剧现象中所发生的一些根本性的转变,我们可以从下面的一些例子中找到线索。


我们传统概念中舞美作品的展出,无非就是把你舞美作品的设计图、剧照、模型,放在展台展墙上展示给观众看,让大家了解舞美作品怎么一步一步完成的。这些展出的内容无非是设计稿、效果图、模型,或者播放演出的记录视频,演出服装倒是可以把服装原件直接展示,除了这些好像也没有其他的可能了,但是,我们怎么才能在展厅重新制造一个已经逝去的演出现场的时刻,让其他人去体验?我们才能不回到表面的、只展出“难以捕捉的演出片刻”的旧时代?观众应该看到作品还是作品的影子呢?在布拉格四年展上,我们得见完全和之前认为的完全不一样的形式。我展示部分往届PQ展的资料,提供给大家作为思考的依据。

一、PQ2007与PQ2011冰岛展区

▲PQ2007冰岛展区

▲PQ2011冰岛展区


这是冰岛在2011年布拉格四年展的展厅,它在划定的区域里面建了一座小房子,那个小房子取自冰岛当地的建筑风格,造型上有一些概括和简化。房间里面布置成了一个能用餐的厨房,颜色上进行了适当的艺术处理,白颜色耀眼夺目。房子的水池子还有水滴凝结成的冰块。展厅里面安排了一个演员,这个演员在阅读,走动,跟观众攀谈交流,她的装扮、举止行为完全是戏剧状态。


房间的墙上有一些显示屏,播放着几个戏剧作品的视频,也给舞台美术设计作品的展示提供了平台。


它好像和我们以前看到的展览不一样,具体的用意在哪?想必这是跟具体的某个戏剧情境、跟特定的文本有关联。


我们再看一下冰岛在2007年冰岛的展厅,一样类似的尖顶,造型很概括的房间,很有制作感的玻璃材质,更多讲究纯视觉的表达,制作很精细,材质处理几乎完全与它的舞台美术技术匹配。


我们进了这个房间以后才发现在这个房间里面有很多的视频,播放着他们国家各个设计师作品演出的视频,视频旁边还放着舞台作品一部分,我们看到一个设计作品就是跟展厅一样的房子,原来他们把房间里展示的一个戏剧作品的场景,放大成了展厅,也是一个比较有意思的方法。


这是我们见到的2007年和2011年两届四年展上,同一个国家所采取的不同的展出方式。

二、PQ2007俄罗斯展区

▲PQ2007俄罗斯展区


2007年俄罗斯的展厅,是由俄罗斯著名的导演、演出设计师克里莫夫,带领他的学生团队完成的,以 “我们的契科夫”为展览主题,所有舞台作品都是根据契科夫的剧本完成的。整个展厅设计成了一个漏雨渗水的房间,地面湿漉漉的,一堆雨伞可以给观众取用,观众还能穿上俄罗斯特有的雨鞋走进展厅。雨伞雨鞋不单单是为了防雨这种功能性的,观众还被装扮起来,举着伞,穿着雨靴,小心地走动……,特定的道具指定了观众特定的行为方式。


同时它也展示了很多舞台设计模型,我们会发现所有的模型和正常的摆放有些不同,模型不是安放在桌上,而是放在那些特别危险的底座上面,好像随时会倾倒。有的作品是放在鸟笼子上面,有的放在一摞瓷盘子上,有的放在倒扣的椅子上,还有的干脆放在一件乐器上,岌岌可危,随时可能被碰倒,其中有展览设计很清晰的表达。


首先它有对契科夫作品的理解,以此为基础的展厅设计。另外很重要的方面,展厅的面貌与当时俄罗斯的国家境遇紧密相关,苏联解体不久,这个展览形式作品是对当时整个俄罗斯社会、经济、文化、甚至整个国家命运的隐喻。


房间的墙壁墙角处理了水渍的效果,制作也非常到位。契科夫是我们熟知的剧作家,它的展陈方式以及对观众行为方式的设计,与契科夫剧本里传达出来的特定情绪是息息相关的,PQ07俄罗斯国家展的方案得到了现场最多的关注与认可。

三、PQ2011白盒子展区

▲PQ2011白盒子展区


2011年的PQ展,有一个非常特别的展区,由以色列建筑师Oren Sagiv设计,在布拉格国家剧院(National Theater)和“新舞台(New Stage)”之间的公共空间举办,展览被定位成一个建筑迷宫,由30个3米见方的立方体组成,其中有不同领域和背景的艺术家们创造的表演环境,包括舞台设计师Anna Viebrock、编舞和舞蹈演员Josef Nadj、视觉艺术家Nathanial Mellors,以及拉斐尔剧团(Societas Raffaello Sanzio)导演和共同创始人Romeo Castellucci,这个展区集中了很多当代艺术家的作品,他们不是单纯舞台设计师,这些艺术家是跨界的,不仅做着舞台作品,也做着其他的艺术创作。它给我们提供了一些非常重要的信息。


四、PQ2011哥伦比亚展区

▲PQ2011哥伦比亚展区


2011年在主展场哥伦比亚的展出,令人印象深刻。在一块陡峭的斜平台上站立着一个人,男扮女装极富表演性,从他的一招一式可见他是一个表演经验丰富的、肢体控制特别好的演员。他拿着皮鞭不停抽打脚下的台板,表演过程中,他无论对肢体的控制,还是对节奏的把握都堪称一流。整个展场都可以听到鞭子抽打台板的声音,像开枪一样惊心动魄,声音元素也赋予其独特的艺术表现力。台板后面挂着琳琅满目女性的服装。它的介绍写到:每年的十二月28号都是the holy innocents庆典的日子:男人会带着诡异的面具,着女人的服装和饰品,拿着一根长鞭子到街上抽打挡住他们的路人。大家四处逃跑,但是有一些人,很奇怪的会故意躺在地上接受惩戒。这个仪式如同一个庆典,但是对于其他人,也许会看成惩戒、噩梦……等等。根据这个真实事件,Mapa Teatro这个艺术团体据此创造了一个奇特的戏剧事件,但是又无法用哪种类别来标记它。现实与虚构,困惑的事件和空间都以这个节日庆典的形式展现给观众,也同时作为展览的一部分。

五、PQ2011巴西展区


▲PQ2011巴西展区


PQ2011巴西的国家展,都得到了极大的关注。


巴西国家展的观点是,剧场艺术是一个创建了不确定性性语言边界的激进的艺术,并强调剧场设计师是一个舞台的研究者。这里有来自巴西文化领域的各种不同角色,展览内容有来自传统戏剧的部分,有来自后戏剧文学的部分,有来自混合自然的叙事的部分,还有来自日常场景叙事中的部分。展览空间是一个艺术装置,在这里剧场艺术,视觉艺术还有流行文化之间的互动展现了巴西人民的面貌。一进巴西展馆夺目的桃红色迅速抓住了观众,展厅散发着热情洋溢的巴西文化。展馆内布置充满了不同的元素:画像、工艺品、舞台设计、玩具、模型、人偶、服装、道具……,作品皆呈现出巴西的戏剧文化和强烈的民族意识。

六、PQ2015波兰展区

▲PQ2015波兰展区


2015年值得一提的场馆——波兰场馆,特别有意思,波兰展馆四面白色的墙面,树林里的枯树干,杵在展厅中,上下部分用钢筋连接起来,仿佛死去行将朽掉的标本,每个木桩子上面探出来一个小小的装置,是通过骨头传导声音的音频设备。只要观众身体的某部分和它接触在一起,它的声音就能够通过骨头传递而被听到,所以很多观众在观看展览的时候,身体的形态都相对于日常有所改变。


这个就施展了戏剧人的特长,让观众瞬间进入到了仪式的某个环节里,通过组织他们的肢体形态,引导观众进入一种仪式化的状态,观众成了景观的一部分,匪夷所思。他们把世界各地的空气状况汇总,把空气数据转化成音频,让观众来“听”气候的“讲述”。它采集气候数据的这些地点,也是跟他们提交的演出设计作品相关的。

七、PQ2015拉脱维亚展区

▲PQ2015拉脱维亚展区


拉脱维亚一直在布拉格四年展上有不凡的表现, 2015年布拉格四年展拉脱维亚的展厅,他们直接把《朱莉小姐》的演出,整个搬到了展厅里,展现了特定的表演与特定的舞台装置的不可分割。

八、PQ2015爱沙尼亚展区

政党进行选举演说会场

PQ2015爱沙尼亚展区


PQ2015爱沙尼亚的展厅作品来自一个引人注目的政治事件,他们国家出现了一个新的政党,叫做统一爱沙尼亚,这个新成立的政党,在短短几个月时间内,拿到了国家选民不菲的支持率,意味着他们政党可能会赢得选举,但是几个月以后,突然宣布这个政党的一切,仅仅是塔林99剧院组织的一个戏剧事件。这个作品在2015年布拉格四年展引起极大关注。这就是 “戏剧对当代社会生活的介入”。


爱沙尼亚展区的设计也很有意思,展厅设计成选举办公室,漂亮的女公关向观众介绍他们的政治主张,希望你投他们一票。隔壁房间里播放的影像,全程记录了他们创作和戏剧活动的整个过程。


塔林99剧院的创始人Ene-liis Semper毕业于爱沙尼亚艺术学校的舞台专业,之后在当代戏剧和歌剧领域工作,除了演出艺术的工作,他同时也是国际著名的视频艺术家,并且在代表过爱沙尼亚参展。她的跨学科经验对作品有重要的作用。她和剧院的另一个创始人Tiit Ojasoo会进行大部分的剧本创作。


有一些问题值得提出来让我们来思考一下:

1.为什么说展览会成为一个话题?像这样的作品本来应该去参加戏剧节,而不是一个舞台美术的展览,然而为什么会在舞美展出现,并且还引起极大的关注呢?

2.这些戏剧跟传统意义上的戏剧相比,有什么样的不同呢?

3.舞台设计师对自己的对这个职业的定位跟以前相比有什么样的转变吗?



威尼斯双年展 


一、《浮士德》

▲安妮·因霍夫作品《浮士德》


2017年威尼斯双年展最引人注目的作品,是德国女艺术家安妮·因霍夫的《浮士德》,是把本该在剧场里面的《浮士德》,做成一个展厅里的作品。来自展览现场的这张照片可见清晰的空间关系和观演关系。


当代艺术以绘画为起点,以视觉艺术为源起,直到眼下这些这些作品——逐渐开始以人作为作品的元素,甚至只用人作为作品的元素。


提诺·赛格尔,是非常有影响力的当代艺术家,曾经来北京的798做过展览。他的作品基本靠人的表演——舞蹈或者行为,甚至依靠提问和对聊来完成他的整个作品。


二、《太阳与海洋》

▲《太阳与海洋》


今年威尼斯双年展,立陶宛三个艺术家的作品《太阳与海洋》同样是这种有人的表演参与的作品。越来越多从视觉艺术起步的当代艺术家、当代艺术作品、当代艺术展览,开始把人和人的表演,人与观众的互动作为自己作品的重要元素,来完成自己的表达。



一些独立的艺术作品

另外一方面还有很多舞台设计师在开始做自己独立的偏重视觉的戏剧作品或艺术作品,下面有一些范例。


这些现象不是近些年才出现的,早在包豪斯时代,奥斯卡·施莱默开始做自己的视觉戏剧,他把视觉作为他戏剧唯一的元素,用视觉逻辑推动他的演出进行,留下了很多宝贵的资料。


一、《死亡课堂》

▲康铎作品《死亡课堂》

波兰导演康铎,影响了当代戏剧很多人。中国戏剧出版社出版的《邂逅康铎》,采访中的一段他就说到“当前戏剧的危机主要是因为面对艺术的创造性缺乏积极、勇敢的担当,例如,戏剧无法吸纳杜尚的各种思想,他打破了艺术品的禁区……”。他敦促戏剧界回应当代艺术的新发展与新思想。康铎重要的作品之一是他的《死亡课堂》。


二、《建筑会说真话》

2019年布拉格四年展的热捧作品《建筑会说真话》,它的创作者Filip Jovanovski是视觉艺术家出身。Filip Jovanovski是一名建筑师和视觉艺术家,他热衷于跨学科的探索,其作品涉及设计、戏剧、录像视频、电影、装置艺术等。


如果建筑物可以说话(IBCT)是一个合作项目,展现了当地历史集体记忆擦除中微妙的,内部的痕迹,通过具体的城市空间,建筑物及其周围环境,在一个城市的地标性区域完成。这种擦除导致的消失,使得整个社区和各种社会阶层以及整个城市组织的变化无法识别。


IBCT试图在所有合作城市中创造性地和跨学科地谈论当地的城市问题,有时涉及单一建筑或街区。通过对这一建筑/街区组成部分的详细分析,与其周围和历史发展背景,显示了那些建筑物/街区中的冲突,在一般社会结构中的人与人之间的割裂。将焦点置于所谓的“过渡”时期清除前一时期的所有意识形态,包括了政治、社会、文化和道德成分。在对欧盟的“狂野”和天真的渴望中,为了跟上最新的资本主义经济模式,这些政策对社区以及个人的日常生活产生的严重影响。


该项目,建立了一个完整的多重的演出行为框架,例如包含以下:剧院,电影,讲座和公共研讨会,以及徒步旅行“戏剧”,等元素的表演性操作结构,但是全部以建筑作为参考点(历史、建筑、政治、艺术),他们利用这样的社会现象导致的空间改造做出了他们的演出作品。


三、《祝您好运》

▲高广健作品《祝您好运》


高广健老师在2017年深圳双城双年建筑展上的一个作品叫做《祝您好运》。


深圳是中国经济快速发展的奇迹,而南头古城既是千年历史古城,又是近三十年城市化进程中快速形成的城中村,聚集着高密度的外来打工人员,成为现代城市中的一块飞地,这个独特的当代景观中,呈现出不同人群、空间、功能与文化的共生。


2017年12月15日,在第七届深港城市建筑双城双年展中,行为&装置作品《祝您好运》在南头古城制造了一个公共事件。在主展场打造的专属彩票站,完整地拷贝了政府授权的博彩运营机制。然而,所进行的却是以彩票为名,以商品兑换为实的联合惠民活动。中国南头彩票站员工向古城居民发放装有中国南头彩票的红包,并定期进行抽奖活动,获奖居民持彩票前来兑奖。设计师通过 “彩票站”这样一个幽默的充满戏剧性的方式,与古城居民和商家发生链接、产生互动。希望能用小小彩票的温情,给艰辛生活中的每一个人最真切的实惠,带去一点点欢乐,唤起对美好生活的一种梦想。


《祝您好运》中,舞台设计师不仅主导了整个作品,更重要的是,舞台设计师走出剧场,融入当代艺术语境,把他在剧场里的艺术经验,转换为一个当代艺术事件,展现出了独特的创造性价值与思维活力。作品对中国当代社会问题的介入,亦是重点所在。


马路教授总结

谢谢谭泽恩分享的这些体会,创作手段、创新理念,包括给我们介绍这些设计家的作品,我们看到了熟悉的帕梅拉老师的作品,也又一次领会了她们的创作思路。这些对于我们将来的感悟戏剧结构、体会导演与表现、探索设计创新、研究民族艺术的传承等都有很多有用的价值,让我们发现了一些特殊的戏剧视角,发现了一些有意思的创作手段,这些都对我们有很重要的启发。再次以热烈的掌声感谢谭泽恩老师给了我们这么好的一个下午。


课后问答


学员:


谭泽恩老师你好,我有一个问题请教您。今年布拉格四年展是您一起策划完成的,明年也到了第四届中国舞美展了,您能不能给大家介绍一下布拉格中国展从策划到完成的过程?

谭泽恩教授:



这是中国展国家馆的效果图,我们的展览首先有一个策展主题,叫做“在别处”。这个主题是有多重含义的。它的起因是20多年前,中国舞美代表团一行耗时九天,搭乘国际列车,穿越欧亚大陆,第一次到布拉格参加PQ展。从此为中国舞美界打开了一个国际交流的窗口,为中国舞美的发展带来极其深远的影响。为了纪念中国舞台美术家和国际舞美同仁进行交流所经历的艰辛历程,和祥和之间的艺术影响,我们选择“在别处”这样的主题。纵观历史,人类总是试图突破可见的极限,从别处寻找新的手段、新的视角,从而实现内在的转变。


 “在别处”还有其它层面的一些含义,比如说我们经常找资料找到宋代、唐代某个图案,这是一种穿过历史的“在别处”。创作者的视野,得益于时间和空间的跨度,远“在别处”的材料,让我们在更深远的文脉与更广袤的语境中完成自己的创作构想;


艺术家执着于另外一种更完美的秩序,一种超然的理想,“在别处”则向公众释疑了艺术家的偏执、好奇心和疯狂……“在别处”还有另一面的意思,还有对艺术作品中的批判精神的提醒,当作品丧失了存在的质感,丧失了经验的直接性,则是另外一种“在别处”,是想象和虚构。


它提醒我们,在艺术作品和我们真实存在的样子之间的区别。


2019年,我们策展团队再次搭乘火车,重走28年前的旅程,将沿途采集的视频资料带到展厅,比如我自己,当年是画画出身的,不懂什么是舞台设计?直到有一天我的老师带回来很多图片资料,都是布拉格舞美展拍到的图片,原来舞台设计的可能性如此多,可以做成这样,可以做成那样,这样才激发了自己对这个专业的兴趣,我觉得这一种“在别处”影响了一大批人。这也是我们这个策展方案的出发点。


以前艺术家拿自己的效果图、模型、剧照去参加展览,而这次我们选用另外一个方式,让每一个设计师提供自己用过一段时间的手机进行参展。


PQ19首次各国平均分配面积,每个国家都是5X5平米,学生展馆只有4X4平米,而且强调了这种均分的意义。国际策展人解释:“……我们看重的是在局限性中深入探索更多可能。因为,往往正是其局限性,而决定了新的风格、引发了新的形式、给创新予动力。”


基于多方面原因,我们想到用数字媒介,来造就一个足够“大”的 “容器”,装进我们所有的作品。而手机就是我们最最常见、常用的 “现成的”数字媒介。手机深入到日常工作和生活的各个细节,无处不在,似乎也无所不能……而艺术家本人的手机因为其个体属性,则更具质感。它带来的“个体与公共空间的边界”问题、“虚拟与现实的边界”问题,就足以引发一场文化讨论。


可见,我们把一个舞美作品的任何一个局部拿到展厅都是欠缺的,都是让人质疑的,与戏剧的本体特性不符(特定现场的、演员和观众参与的、针对特定观众群的……)。我们期待的办法是进行一次兑换,把一个整体性的演出兑换成另一个具有整体性的形式。这个兑换过程即“转变”(国际策展人提出的关键词)。这种“兑换”,与我们在舞台创作中,从现实资料到舞台艺术作品的创作历程同出一辙。即:我们把一个舞美设计作品,兑换成一台设计师本人的手机中能展现的方方面面。当一台手机与观众形成的交流,超越了之前的效果图模型和剧照,我们期待的东西就能实现。


确实有一些手机还是非常值得一提的,杭州的设计师倪放的手机安装了一个实时监控系统,他的手机可以看到此时此刻在他的老家温州古戏台的一个演出的装台演出的全过程。在布拉格展厅,我们看到他的手机可以和那边人互动,可以看那边装台演出,这是一种横跨半个地球的“在别处”。而温州的古戏台对于他本人亦是一种“在别处”:他是温州出生长大的,而温州是中国南戏之乡,几乎每过一个村庄就有一个几百年的老戏台,可以想象当时的戏剧和戏曲的繁荣兴盛,而他的作品我们不能否认有这样一种“在别处”来自自己的童年时代,自己出生地的影响,这是对策展主题一个特别好的回应。


这次还有很多有意思的手机展示方式,比如季乔和熊春红的、刘科栋的、张武的,都是我们的重要收获。


谢谢。




学员提问现场

▲谭泽恩教授与学员合影




未经授权,请勿转载图文、盗用图片。

授权转载和引用图文请注明出处。

所有图文内容仅作教学用途。

图片来自谭泽恩教授,

如有版权问题请联系我们



摄影:曾雅琦

图片整理:葛艺芯 杨洺畅 樊子贤 马晨栩

文字整理:陈瑶

排版:陈瑶

责编:佳佳



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