“千人计划”舞美班丨于海勃谈《西方舞台与场景设计纵横》
由中华人民共和国文化和旅游部主办，文化和旅游部艺术司、中国戏曲学院承办的2018年戏曲艺术人才培养“千人计划”高级研修班7月16日在中国戏曲学院正式开课。高级研修班自2016年开始到2020年，将连续五年，每年举办一期戏曲编剧、导演、作曲、舞美高级研修班（第二期开始增设评论班），共培养1000名戏曲创作人才。
这一期的专业教学以“戏曲舞台美术设计”为重心，力图广泛探索和解决舞台美术创作和体现过程中的多方面问题。在专家组合和课程设置方面体现了行业分布全面、专业成果优秀、学术研究高端、技术解决创新的课程体系。专家们将以戏剧为本谈舞美价值；以导演调度谈空间布局；以演出目的谈戏剧构建；以完整统一谈舞美的追求。既要完美的体现设计方案，又要强调技术解决中的安全管理意识等，专业课题多维全面，精彩纷呈。
授课方式有“集中授课”、“远程辅导”、“集中讲评”、“评优推优”等多种模式。
8月9日下午，场景设计师、现任美国加州大学河滨分校戏剧电影系设计教授于海勃举办了以“西方舞台与场景设计纵横”为主题的讲座。
中国戏曲学院舞美系精心整理出讲座实录，今天通过学会微信平台与全国戏剧同仁分享。
授课专家介绍
场景设计师，现任美国加州大学河滨分校戏剧电影系设计教授，美国演艺工会注册设计师，英国舞台美术协会会员。
先后毕业于中央戏剧学院，英国利兹大学，伦敦圣马丁艺术设计学院。曾为舞台、电影、电视、景观、博物馆、实景演出与大型活动等多领域创作作品二百多部，其中包括舞剧《卡萨布拉卡》（美国华纳），电影《鸦片战争》（谢晋恒通）《月满英伦》（香港寰亚），歌剧《张骞》（陕西歌舞剧院），大型实景演出《盛世峡江》（三峡总公司），希腊奥运博物馆，南京大屠杀纪念馆等。作品曾连续三次（每四年一次）被选入全英场景设计全集；布拉格场景设计四年展（1991年）金奖团队成员；2002美国USITT最佳设计等。
授课内容：西方舞台与场景设计纵横
在信息爆炸、信息消费过剩的时代，今日获取的绝大部分信息明日定会变成垃圾。因此定向获取有价值的信息，首先需要精准的定位，本讲的内容即试图用“纵与横”的坐标体系，帮助我们找出在今日世界舞美专业中所处的位置。让我们透过一扇世界舞美之窗，以科学的方法，客观地审视它（舞美专业）的过去与现状，搭建一个舞美发展的基本轮廓，这有助于我们在一浪又一浪的所谓“新潮”的冲击下能够保持独立见解，冷静鉴别真正具有艺术价值的原创和昙花一现的山寨假货。
纵向——剧场与舞美历史演进的重要节点
▲于海勃教授在讲座现场
一、古希腊
西方剧场史一直以来都是以古希腊作为起点， 而古希腊的戏剧演出是由“酒神祭祀”等活动演变而来，并不像现在这种有剧本的演出，它是从举办各种仪式演化而成。古希腊戏剧演出的表现形式具有鲜明的特点，就是舞台上的人物分为两拨——主角与歌队，歌队负责情节的铺垫、叙述和解说，然后主要人物来表演戏剧冲突的部分，这种歌队的形式，现在也能经常见到。
▲19世纪的油画复原了古希腊的歌队形式
▲现代的希腊戏剧节上再现古代的歌队表演形式
▲雅典卫城鸟瞰图，前景为狄奥尼索斯剧场（Dionysos）
▲古希腊德尔菲剧场（Delphi theatre）
古希腊剧场都是依山而建，是特别聪明的建筑形式。
▲后台仓（Skene）原意为棚屋或帐篷
后台仓出现于剧场还未出现时的流动演出，因为在最早的巡回演出时需要有一个供演员们休息与更换服装并可以存放道具的地方，剧场的后台既由此演化而来。我们都知道，现在的剧场没有后台是不行的。
▲布景与三棱柱
后台仓面向观众的一面也可作为背景墙使用，挂在墙面上的景片表示不同的戏剧场景。
▲最早的换景装置：三棱柱布景装置结构示意
三棱柱与吊臂是最早的舞台机械，可以用来吊空中飞人。
▲假面具
面具是古希腊戏剧最重要的表现手段。在拥有几千观众的庞大剧场中，如何让后排远处的观众也能看清演员的表情，面具这个“放大”工具就应运而生了。
二、古罗马
古罗马剧场基本延续了古希腊剧场的传统，但歌队已不存在。古罗马戏剧以喜剧为主，它更加平民化，后台仓建筑更加精美完善，舞台上的上下场门代表不同的房屋或宫殿。三棱柱布景仍被广泛应用，同时舞台机械不断发展与提高。古罗马剧场搭建于平地，不再依山坡而建。观众席更注重建筑细节，舞台表演区为半圆形。
▲好莱坞的电影画面
好莱坞的《宾虚》《角斗士》等电影误导了人们对古罗马戏剧的认识，其实它是以喜剧为主。
▲古代罗马的陶罐
在古代，罗马的民间戏剧特别流行，其中一般多为表现一些滑稽可笑的乡间生活。古罗马陶罐记录下来的一些演剧的场景，后来逐渐演化成意大利的假面喜剧，成为非常有名的戏剧剧种，相当于我们的戏曲，而且欧洲的现代大歌剧和它也是有渊源的。
▲坐落在法国南部的奥朗日古罗马剧场
剧场建筑方面，后台仓建筑更加精美完善，舞台上的上下场门代表不同的房屋或宫殿。
▲奥朗日古罗马剧场复原图，舞台上加建了屋顶
▲古罗马剧场
和古希腊相比，古罗马剧场是拔地而起，不再是依山而建。
▲古罗马剧场的地下通道
在舞台建筑方面也同时注重实用性，比如我们看到的地下通道，（图中的地道是敞开的，这是因为木制的台板因时间久远没有保留下来），如果你有机会去看罗马斗兽场，底下也是空的，上面搭的是台板。
▲与古希腊比较：剧场形制的变化
古罗马的剧场与古希腊剧场的主要区别：古希腊剧场是圆形的场地，被多于一半的观众席包围着。到了古罗马剧场它是一个规整的半圆形，舞台也是一半的。
三、中世纪
中世纪的教会对所有世俗文化都采取鄙视的态度，其造成的结果之一就是所有戏剧活动被禁止。对戏剧而言，这是一段黑暗时期，戏剧演出在这段时期内销声匿迹。但在一些宗教势力控制较弱的地区，却依然存在一些小型娱乐活动，如歌唱、舞蹈和杂耍等，但无论是内容还是形式已经完全不能称为戏剧演出了。
▲小型娱乐活动现场
教会禁止了戏剧活动，但同样又是教会使戏剧活动复苏，因为，为了宣扬圣经，为了让那些目不识丁的平民百姓了解圣经里的故事，戏剧表演竟被创造性的拿来成为有效的传教手段。
▲由教堂移到室外广场，出现了最早的车台
当时这些所谓戏剧故事都是由神父表演的，最初是在教堂里面，但是随着观众人群越来越大，就移到了场外进行，围绕的三面甚至四面都是观众，而且这个时候已经出现了最早的流动舞台，车台甚至可以被马车拉到另一个城镇去演出。
▲神秘剧的同台多景
中世纪神秘剧的同台多景，在剧中反复出现的场景如天堂、地狱、神殿等在舞台上（表演区）一字排开。
▲圆形舞台
圆形舞台类似于现代的体育场，布景围成一圈，与观众席交织在一起，场地中间的表演区也有一些布景设置。
▲古典版画
这幅古典版画，看上去是剧场围起来的，就不像是一字排开。这里面有天使、吹鼓手、牛鬼蛇神、面具、观众，演出在场地中间进行，展示了中世纪神秘剧演出非常生动的一个场景。
四、文艺复兴
文艺复兴主要指的是人文意识的复兴，是人性的觉醒。在这一时期，意大利的戏剧最具代表性。人文主义戏剧取代了陈旧的宗教神秘剧。然而除了著名的即兴喜剧来自民间并为大众喜闻乐见外，意大利的悲剧、喜剧、田园剧开始在宫廷上演。尤其是田园剧，以诗化的语言、华丽的服装与背景见长。这种戏剧形式对后来的古典歌剧产生了极大的影响。
文艺复兴为欧洲带来了一场新的戏剧运动，在舞台美术方面也出现了一系列重要变化，如透视技法与边檐幕系统，方形舞台与马蹄形观众席，塞尔利奥的标准化布景，独特的英国伊丽莎白式剧场等等。
▲透视布景
▲奥林匹克剧场（方形舞台与马蹄形观众席）
建于1580-1585年的奥林匹克剧场是最具有代表性的文艺复兴剧场。这个剧场以古罗马剧场为范本，但其中做了几处重要改动，观众席不再是罗马剧场的半圆形，而是马蹄形，以改进大部分观众的观赏视线；舞台上根据透视学原理加建了一个倾斜的台面，舞台背景不再是单一的建筑装饰墙，而是多组建筑拱门，拱门内是精细搭建的永久性的具有逼真视觉效果的街道。
▲标准化的舞台布景
塞巴斯蒂安·塞尔利奥的标准化舞台设计，从左至右分别是悲剧舞台布景、田园剧（牧羊剧）舞台布景、喜剧舞台布景。
▲边檐幕系统
塞巴斯蒂安·塞尔利奥另一个伟大的贡献是发明了边檐幕，我们今天仍然在沿用，而且是我国的主要舞台形式，包括近年来广泛使用的LED边檐幕，其实也仍未突破这种古老的舞台样式。
▲天鹅剧场速写
与此同时，在欧洲的西面出现了一种与欧洲大陆完全不同的戏剧表现形式——英国伊丽莎白式戏剧，其代表人物就是我们熟知的莎士比亚。荷兰人维特1596年画的天鹅剧场速写，是世上仅存的记录伊丽莎白剧场的形象资料。
▲环球剧场
▲在环球剧场上演的《罗密欧与朱丽叶》（电影场景）
位于泰晤士河南岸的环球剧场，就是根据荷兰人维特的速写和后来的种种考古推测，复原了一个当年的莎士比亚环球剧场，这个环球剧场完全不同于欧洲的马蹄形观众席和方形剧场，它为我们展示了一种新鲜的剧场样式——庭院式剧场。
五、古典时期
法国古典主义戏剧在这一时期写下了光辉篇章。其它西欧各国的古典戏剧创作在它的影响下也得到不同程度的发展，如英国、西班牙与德国的戏剧。
剧场建筑与舞台越来越趋于豪华，体量越来越大，不论剧场的建筑风格还是布景形式都遵循了几乎相同的标准模式。为了提高布景迁换的速度与效率，舞台设备与舞台机械方面也进行了多方面的创新。吊杆系统，车台，升降系统，转台等都是这一时期的产物与成果。
▲伦敦朱瑞巷大剧院
对透视与视觉效果的偏重在16世纪的意大利逐渐成为主流，并迅速向北蔓延。在随后的一百年里，整个欧洲都受到影响，剧场建筑与舞台越来越趋于豪华，体量越来越大，不论剧场的建筑风格还是布景形式都遵循了几乎相同的标准模式。
▲可通过舞台机械进行换景的边幕系统
上面展示的两套标准布景，一套表现室内沙龙，一套表现室外花园，室内和室外的环境可以随意切换。
▲滑轨系统
台板下面的机械仓，它由人工操作。中间的鼓型装置，是一个双向的滑轮系统。
▲更为复杂的舞台机械
到了19世纪，马、火车、飞人等炫目的舞台技术陆续出现在舞台上，随着工业化的发展，带有复杂舞台装置的新型镜框舞台剧场相继出现在西方各大城市。
▲成角透视法则的布景
舞台布景突破平行透视的限制，开始使用成角透视法则。舞台更具立体感，布景、道具的摆放更加自然，舞台调度也更为丰富生动。
▲电灯被引进剧场
电灯的发明与引入剧场具有划时代的意义。
六、二十世纪
二十世纪初是古典与现代剧场艺术的转折点，它基本与其它文学艺术同步（文化与科技的发展结果）。现代舞台美术运动始于二十世纪初叶，最为重要的两位舞台美术先驱分别是瑞士的阿道夫·阿皮亚与英国的戈登·克雷。
▲瓦格纳《女武神》
阿皮亚率先向古典视觉传统发起挑战。他认为，当舞台上立体的（三维）演员与平面的布景（二维）触碰在一起时，视觉上的和谐立即被戳破，与演员出现在同一舞台空间中的布景因此也应该是立体（三维）的。他尝试着在设计中大量使用了立体的阶梯与平台。
▲《韵律舞台》
阿皮亚在舞台灯光方面也极有建树，他认为灯光和光影能将演员与三维的布景元素融合在一个统一的空间。他通过改变光的强度，色彩与投射角度，创造出一种崭新的舞美风格。阿皮亚的设计简练完整，摒弃一切琐碎的细节，开创了一个全新的时代。
▲庆典剧场
阿皮亚亲自设计的庆典剧场的舞台完全打破了传统剧场的格局，没有台框，并在舞台上搭建了永久性的中性平台与阶梯，试图满足所有演出的基本空间需求。
▲《哈姆雷特》
戈登·克雷强调整体的舞台氛围，将演员的表演、调度与布景融合为一个整体。他善于在舞台上使用抽象的组合式立柱营造不同的戏剧空间，而且经常一景到底，演出中没有换景。
横向：现代舞美之窗
刚刚讲过面对海量信息筛选的重要，这里，我仅以我的个人经验向大家推荐几个舞美的热点作为观测点，让我们透过这扇世界舞美之窗，以科学的方法，客观地审视它（舞美专业）的现状与发展轨迹，搭建一个当代舞美的基本轮廓。或许它们可以作为你们今后业务学习的充电桩。
一、百老汇与伦敦西区
世界商演的重镇。区分商演与非商演主要在于两点：1.单一剧目与演出季；2.演出场次不定与固定。前者是商演必备条件，后者为非商演。百老汇与伦敦西区的商演剧目必须经过外围（除这两地之外的任何城市或国家）的首轮公演成功后才可进入。
在百老汇，辉煌的发展时期始于20世纪20年代，聚集着40多所剧院，但这个数目不是一成不变的，在最火的二战后，曾达到将近70多所剧院，后来随着电影、电视的冲击，数量有所减少，但也一直保持在40多所剧院。
伦敦西区也同样聚集了将近40多所剧院，但这主要指市中心的剧院区，如果扩展到整个纽约或伦敦市区那剧院就多了，都是100多座。
▲百老汇剧院分布图
▲ 伦敦西区剧院分布图
二、历年托尼奖最佳舞台设计
托尼奖主要为这两处的戏剧而设，因此托尼奖的评选结果可以视为对商演世界的总检阅。百老汇与伦敦西区吸引了大量才华横溢与充满创作激情的世界级戏剧精英，当然也汇集了最顶级的舞台设计。最佳设计奖分为最佳音乐剧设计奖与最佳话剧设计奖。我们可以通过每年托尼奖的颁奖信息来了解最新的舞美动态与发展趋势。
下面为大家介绍几部历年获奖作品：
▲《悲惨世界》1987年最佳音乐剧设计
《悲惨世界》中有许多舞美亮点，譬如舞台空间的快速转换，其中仅车台的运用就多达六十三次。
▲《歌剧魅影》1988年最佳音乐剧设计
著名的水晶大吊灯创造了史上最经典的舞美动作——时空的转换。从落魄的拍卖场瞬间回到昔日的辉煌。随着拍卖员喊出——这就是那个曾悬于剧院天顶的水晶大吊灯时，苫布魔幻般被揭开，水晶吊灯旋即出现在观众眼前，随即缓慢起飞并加速向观众飞来，随着音乐骤起，全场灯光大放光明，此时水晶吊灯稳稳地吊悬于观众厅中央。这一气呵成的舞美动作形象地寓意着从现在时到过去时的转换，这个水晶大吊灯成为舞美的点睛之笔，也成为戏剧转场的灵魂。
▲《狮子王》1998年最佳音乐剧设计
伴随着非洲的音乐，太阳冉冉升起，它就像东方的竹帘一样，从台板上被提了起来，慢慢地形成一个圆。给人惊喜的是随着空气的流动，金色的布料颤动着，像极了太阳的熠熠光晕。导演与设计采用了完全不同于电影的写实手法，以一种写意的方式开场，给人的感觉是既新奇又震撼。其它巧妙处理还包括那座山峰：平面的舞台突然裂开了一个口子，然后这个转台开始旋转，转出了一座小山。
▲《阿依达》2000年最佳音乐剧奖
游泳池是俯视的，人在水里面游泳是立着游的，用威亚悬吊着，视觉上给剧场里的观众一个新奇的视角。整个设计手法极为简练老道。
▲《昏昏欲睡的陪护》2001年最佳音乐剧设计
《昏昏欲睡的陪护》是20年代风格的音乐喜剧，孤僻的中年音乐剧粉丝，录制了一部剧时的歪评，竟使这部剧意外的成功。一个完全复古（传统百老汇风格）的设计。也许是为了换换口味吧？
▲《玛丽鲍萍》2007年最佳音乐剧设计
《玛丽鲍萍》是迪斯尼戏剧制作的音乐剧，基于类似标题的系列儿童图书和1964年的迪斯尼电影，已经从电影省略了书籍的某些元素被恢复，如散步雕像和通向星星的天梯。整个设计就是一个儿童模型屋。
▲话剧《八月风暴》2008年最佳话剧设计
话剧《八月风暴》拆除了原汁原味的第四堵墙，如《推销员之死》的设计一样，充满了细节，为戏剧动作提供了所有行为依据，是反极简主义设计的复古。
▲ 话剧《33变奏曲》2009年最佳话剧设计
《33变奏曲》是贝多芬作曲（迪亚贝利变奏曲）的过程和一个学者的音乐研究。凯瑟琳·勃兰特在创作过程中，她得了肌肉萎缩症，以及她与女儿关系都对应着贝多芬的耳聋等音乐以外的生活。这一过程来回切换，强调这两组人物的相似之处。许多面小镜子强化了这种对应。
▲《美国白痴》2010年最佳音乐剧设计
《美国白痴》表现911事件后美国年轻一代的困惑，振奋的追求，三个朋友的道路不同：当兵、回归家庭、追求梦想。表现性的设计风格，体现出了杂乱、无序、动荡与开放。
▲《战马》2011年最佳话剧设计
这是一出中国观众都熟悉的剧目，我们也都知道《战马》的设计亮点不在布景，而是那几匹马。
▲ 《深夜小狗神秘事件》2015年最佳话剧设计
十五岁的克里斯托弗有一个非凡的大脑，但不能解释日常生活。他因涉嫌杀害邻居的狗而被怀疑时，他就着手找出真正的罪犯，这将永远改变他一生的旅程。天衣无缝的视频设计为此剧的贡献极大。
三、拉斯维加斯的“秀”
▲ 拉斯维加斯夜景
最喧嚣的花花世界，它已经不光代表赌城的概念。尤其近二十年的发展，已成为设计、时尚、会展、演艺、美食的世界中心。每天会同时上演100多场规模不同的各类演出，规模甚至超过百老汇。这里汇集了最著名的秀场，最先进的舞台设施，最高级别的技术体现。面对浩大的规模与组织，许多团队朝圣之后感叹，我们做不了这样的演出。尤其是庞大的演出管理体系，令人赞叹。
▲《KA》秀中的舞台
完全没有传统意义上的“舞台”，它由七座多功能升降台组成，最大的一块重达70吨，可实行全方位360度旋转。
▲《KA》秀中的海沙
众多精彩之一的场面——主舞台竖起，成吨的海沙（软木屑）像瀑布一样直泻台底。
▲《O》秀的舞台
▲《梦》的舞台
继《O》之后的第二台水秀，环形舞台。严密的水下组织工作，氧气站，安全员：要让演员感到舒适。
四、顶级院团演出季
商业演出的设计一般来说相对保守，而非商演剧目却经常会出现顶级的舞台设计！如英国国家剧院、英国皇家莎士比亚剧院、皇家歌剧院，在美国有五大旗舰剧院，都是经常会出现惊喜。此外，英国与美国的一些地区保留剧院，从那里的演出剧目中也可以看到大量十分具有水准的设计。尤其是具有探索精神或年轻设计师的作品。
▲《科学怪人》
英国国家话剧院的《科学怪人》的设计非常前卫，你能感觉到它是吸收了很多现代装置艺术的设计理念，上面吊装了各种各样的灯，全是老式的灯泡，给人一种工业革命的时代感。这些灯组成了奇妙的演出空间，它们不停地闪烁，如满天的繁星，非常震撼。
▲《督察员的来访》
走进剧场，观众看到的是伦敦最古老的铺满石头路面的街道，在一个从弹坑中升起来的房子。此剧的设计被奉为表现主义设计的经典。这是一个反腐剧，故事讲的是一个贪腐之家，它的每一个成员都是不干净的，他们正面临着政府的调查。房子在最后结尾的时候向观众打开，如同向公众公示他们的黑暗，舞台一角的红色电话亭不时响起，隐喻着公众对他们的揭露。此剧是进入伦敦西区演出的为数不多的话剧之一。
五、戏剧节
具有世界声望的戏剧节数目众多，耳熟能详的有法国阿维尼翁戏剧节、伦敦爱丁堡戏剧节和德国的柏林戏剧节等等。但从研究舞美的角度出发，由于大部分戏剧节偏重于实验，舞美上的投入不大，缺少刺激（个人偏见），我一般不太关注。但奥地利的布雷根茨歌剧节却是一个例外。这个歌剧节在舞美上的名气是很响亮的，每一个剧目连续演出两年，对于设计师的要求非常高，它要求布景在两年之内要能经风雨，要结实，还要注意环保，不能污染水面等等，要求特别的苛刻。它所邀请的设计师几乎都是清一色的世界级大腕。
▲《安德烈·谢尼埃》布雷根茨(奥地利)歌剧节
▲《假面舞会》安东尼·麦克唐纳设计
▲《托斯卡》搭建布景
六、奥斯卡颁奖典礼
奥斯卡颁奖礼的设计不同于一般演出：名利场的豪华、新奇的时尚、漂亮的装饰、视觉的撞击。奥斯卡的组委会们每一年都对他们委任的天才舞台设计师们提出“独一无二”的要求，试图每年都向世界各地的观众们展示出乎意料的新面貌，当然，不负众望的设计师们在经过长达六个月的折磨和300多次的反复修改之后，也总是能打造出一个无与伦比的舞台。
▲奥斯卡颁奖典礼
在2014年的设计中，学院与施华洛世奇再次合作，为这次庆典打造了六幅由耀眼仿水晶组成的“缀帘”。自2007年以来 ，奥斯卡奖的舞台设计师与施华洛世奇携手为这项全球最受瞩目的电视直播盛会打造了令人叹为观止的仿水晶装饰。迄今为止，已有超过58万颗施华洛世奇仿水晶运用于舞台设计，并有超过100万颗仿水晶用于表演服装设计。
▲ 黑金红的色彩搭配
珠光宝气，其实是很容易弄俗的。要做到艳而不俗，重要的是色彩的搭配！
▲金色调
▲精致的细节
▲ “幕帘”的设计
整个舞台由3个圆形旋转舞台、一个LED大屏幕和若干金属投影银幕组成，和沿用去年的“幕帘”设计，无数银白、青黄、青绿色的水晶片串成的幕帘唤起了人们既古典又现代的感受。
七、奥运会开闭幕式（体育赛事）
进入21世纪后，越来越多的体育赛事，尤其是开闭幕式加入了越来越多的表演与舞台元素，最令人瞩目的莫过于奥运会开幕式。这一盛典点燃了每一个主办国的表现欲，它聚集了国家的艺术精英，试图在这几十分钟的表演中向世界讲述自己民族的故事与文化。但除了各自文化展示外，奥组委同时又要求在整个庆典过程中必须完成若干规定内容，如升旗、五环展示、点燃火炬等，如何创造性地呈现这些环节于是就成为对各国团队艺术智商的考验，也为我们提供了一个观察与学习的机会。下面是面对同一命题——“五环展示”，不同团队交出的不同答卷。
▲2000年悉尼奥运会开幕式，马队跑出五环队形
▲2004年雅典奥运会开幕式，火箭射在在水面上燃起五个火圈
▲2008年北京奥运会开幕式的“五环星空”
▲2012年伦敦奥运会开幕式，象征工业革命的钢花组成的五环
八、超级碗半场秀（体育赛事）
超级碗（美国橄榄球决赛）也是一个非常具有挑战性的盛事，它是世界上观众最多的演出，仅次于奥运会，演出时长为二十分钟左右，每届挑选一名世界上最流行的、最有名的歌星演唱。
▲2015半场秀凯蒂佩里的霸气入场
▲2013年半场秀为碧昂丝搭建的舞台
▲舞台搭建进行时
最为不可思议的是它的整个舞台搭建必须在7分钟内完成！舞台全部划分为预制模块，严格按照预定程序在7分钟之内完成进场、拼接、调试、对光等一系列工作。演出结束后这个庞大的舞台也同样要在7分钟之内消失，以便下半场比赛继续进行。这一整套流程的设计、管理与实施的难度可想而知。
九、PQ与WSD
布拉格四年展（PQ）与世界舞美展（WSD）代表了最高规格的世界舞美展，每年都有不同的主题，尽管它们被公认为世界舞美的全面巡礼，但坦率地说，从这两个展览里面你很难真正领略到舞台美术的全貌。因为所展示的作品基本上以静态（模型与平面媒介）的方式展出，我希望大家在欣赏的同时也应对此种展出的局限性保持清醒的认识。
最好的设计作品不会陈列在美术馆的展厅，而应该存活于剧场的舞台。舞美设计无法在演出之外成为独立的作品，所有曾经让我动容的舞美作品无不与演出连在一起，它们都发生在戏剧的进行当中。
（注：由于篇幅所限，讲课内容与图片均有删节）
提问环节
学员：外国人是怎样通过元素表达设计理念的？
于海勃：这一点与我们国内的理念很相似，如他们在设计中经常强调的“视觉符号”、“视觉隐喻”等等，都与你说的元素基本上属于一个意思，都是试图通过提炼最清晰简练的视像语言帮助揭示文本内容的。
学员：现在国外年轻观众对戏剧热情程度怎么样？
于海勃：在国外几乎每个人都有自己的业余爱好，体育活动明显地是一块最大的市场，例如美国有三大球，英国人玩足球、板球，周六是他们的足球日，踢一天的球，晚上酒吧里再聊一晚上球，这是他们的欢乐所在。美国人到周日看各种球赛，除了三大球外还有冰球，赛车等等一大堆对年轻人充满刺激的运动，大部分人都被各种体育运动吸引走啦。进剧场的人，进博物馆的人数属于小众，走到哪说都是小众，在年轻人中更是小众。这对我们在座的从事剧场艺术的人来说有点泄气，但不幸，这是事实。
学员：您说的基金就是民间募集的吗？
于海勃：我讲课中提到的基金主要指西方国家的各种艺术基金，如有名的福特基金会，洛克菲勒基金会等等，它们分别来源于大机构，大公司，富有的人群，但有的也包括并不富有的人群的捐赠（可能只有区区几块钱），例如癌症基金，残疾儿童基金等，基金与捐赠是西方社会的一种普遍现象，有许多基金是专门对艺术进行资助的。对于个体艺术家来说，假如你的工作很有意义，通过申请，你完全有可能拿到一笔资助；对许多演出团体来说，每年都会有数目可观的赞助注入演出事业。例如著名的纽约大都会中心就是由洛克菲勒财团资助的。
▲于海勃教授与师生们合影留念
未经授权，请勿转载图文、盗用图片。
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所有图文内容仅作教学用途。
图片来自于海勃教授，
如有版权问题请联系我们。
来源：国戏舞美
图文整理：李亚南 王荣荣 张馨
排版校对：李亚南
责编：卫荣
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