NUOART 新展 | 潘琳的10张画

2016/12/27-2017/10/29 

潘琳的10张画

2016/12/27-2017/10/29

10 Paintings by Pan Lin

2018.3.22 - 2018.5.20

策展人：史健

Curator : Shi Jian

NUOART与JC Project荣幸地宣布继17年联合推出12位艺术家群展“星丛”后，今年再次合作推出潘琳个展“2016/12/27- 2017/10/29 潘琳的10张画”。此次展览将呈现潘琳于2016年12月至2017年10月间创作的10幅油画作品。展览从2018年3月22日持续至2018年5月20日。

在这个阶段，潘琳使用了新的创作方式，制定了新的游戏规则：她对日常生活中收集的图片进行挑选后，将这些图片打印为黑白单色，并将其折叠、裁剪，在这个过程中，艺术家不断观察图像的变化，直至作品达到艺术家对它的设定才会被制成拼贴。重组图像，原有图像在一次次的操作中局部交替出现，传达的信息发生改变，这恰似电影中的蒙太奇（Montage）手法，将已有的事物打乱、分散，将空间和时间堆叠、重组达成艺术家想要表达的感觉。

红粉干戈 Whistle Stop_布面油画_100x80cm_2016-2017

沙滩和蛇 Beach and Snake_布面油画_100x80cm_2017

传统绘画经常强调画面的主体与构图之间的关系，或透视的关系，而潘琳的拼贴则是“散焦”的，图像分散在画面各处，不分主次。而这种“散焦”的方式，也恰是现今人们习惯观察事物的方式，在这个世界人与信息加速流动的社会，这种改变了我们审美的、碎片式阅读的观察方式早已成为社会的主流表现。而当这些不同图像传达的信息同时出现时，艺术家需要掌控的是画面节奏的变化、颜色的穿插及笔触的控制。所以观众们可以跟随她作品中的笔触变化去感受它的移动。对她来说，创作的过程使她得到启发，观察迹象，发现问题，从而再开始新的创作。如此往复，意味着那些尚未被创作出来的作品的潜在运动性对艺术家本人的呼唤。换句话说，潘琳的艺术的价值，除了她打破二度空间、制造空间虚实，其构型语汇所体现出的惊人视觉效果之外，还在于一种令人目不暇接干脆的果决。

交换时间 Time Exchange_布面油画_200x234cm_2017

绘画时，潘琳会将拼贴图像的形原封不动地复制在画布上，将买来的现成颜料标号、随机抽取，并将颜料不经调和的直接应用在画面中。这种随机挑选颜色的方式会迫使艺术家改变其惯用的绘画方式，为了能达到画面的统一性，艺术家只能尝试新的方法处理随机抽取到的颜色。因为图像和颜色都是确定的，从而使艺术家在绘画语言的表述达上达到高度的自由化。从潘琳的画面中可见笔触的丰富变化，以及区域间依稀流露的先后顺序，这都多少体现着艺术家的精心安排。例如，作品《交换时间》中，画面中心部分出现了高强度的对比色红色和绿色，然而在整幅作品中并不显得突兀，这也许是因为艺术家以极薄而平涂的方式处理了绿色，又以快速的近似于书写的方式处理了红色。绿色在这里仿佛退在红色之后，像一块远去的明亮空间。

 奥斯陆幻想 Oslo Imagination_布面油画_150x120cm_2017

保罗·梵乐希(Paul Valéry)曾说过：“思想可以被看作是一连串的转变”，“思想总是在变化，而它的存在也正是因为变化”。潘琳的绘画是劳动密集型的，绘画是她的生活的一部分，在这个过程中往往伴随着一系列的思想变化，察觉新的问题，发现新的挑战，从而诱发下一次创作。也正因如此，她的每一幅作品都具有唯一性。潘琳给自己设定的规则颇有些宿命感，这里其实有三重随机性，第一重是拼贴所产生的形的不确定，第二重是随机抽取的颜色的偶然，而第三重则是艺术家在面对已有的形与色的自我转化。艺术家努力减少绘画过程中有可能需要主观选择的次数。在动笔之前不再纠结于形与颜色，专注于最新鲜直接的感知，将其投放在画布上。

热身 Warm Up_布面油画_108x90cm_2017

这些作品的构图中，我们可以清晰的看到随着时间的推移，构图中的几何成分越来越强。从《红粉干戈》、《共鸣》到《奥斯陆幻想》和《热身》，我们可以看到潘琳有意识的加入几何化的形状，拼贴边缘逐渐清晰可见，每条斜线成为切换的边界，色块的区域性更为明显和明确。这是一个理性的、建立秩序的过程。艺术家将边缘线条将所构建的几何形状规定到一个二维平面中，并对这个平面进行有序的安排，每个 区域独立存在又与其相邻区域相互联系，使其达到画面的统一、和谐。画面的边框并没有限制几何形状在空间的延伸，画面只是广大空间中的“碎片”，几何形状将画面向外推，引发观众对边框外世界的想象。潘琳的作品在绘画之外不断地思考，不断地刺激自己产生陌生感，一次次用作品不断产生的变化证实自己的存在。

展览现场 installation view

展览现场 Installation view

 展览现场 Installation view

  - 评论节选 -  

碰巧遇上 Image Accident_布面油画_200x234cm_2017

正如《碰巧遇上》（ Image Accident）这幅作品，它由相互交织的色彩构成，这些色块由并不明显的线条区隔，但又相互越界。......潘琳最有趣的地方在于，大块的甚至张扬的色彩却不具攻击性，没有压迫感，因为这些对于生命之“力”的凸显并不是画作的核心，相反不断变形的线条，巧妙搭配的色彩以及精心处理的...细节才是画作的主要诉求，这些无不体现了潘琳独有的女性的细腻。而正是这种细腻的隐秘的力量，使那些看似板结的色彩之山活了起来，成为可以移动的“不可移动”。  

- 摘自《川流》史健 

交织  Twine_布面油画_100x80cm_2016

一幅尺寸并不大的油画，方正地挂在墙面上，既不会过分抢眼也不会被人遗忘，色彩、比例跟画面的分割，一切都恰如其分的稳妥，莫名给人一种安心的感觉。

不论以何种角度何种身份，潘琳作品中呈现的对颜色的痴迷总是观者不能避开的线索。如果说记忆单词系列作品中的颜色们是安静而腼腆，朦胧地在记忆的某处用温柔含蓄的笔端一小块一小块地触碰你可能尘封的记忆的话，那以Adolescence （青春期，2015）为代表的大幅作品好比是颜色们各个大方得体地热情聚拢，千姿百媚却不争高低。在单词系列作品创作结束的时候，潘琳意识到自己对于颜色的选取与使用似乎太主观自由了。多年的绘画实践让她清楚地知道哪些颜色搭配在一起更好看，哪些颜色只是由于个人喜好就不会在创作中有意使用。于是艺术家大胆采用抽取颜色而非选取颜色的方式来进行色彩的搭配实验，试图挑战自己多年创作实践得出的颜色使用经验，客观地将尽可能多的颜色进行排列组合，突显不同颜色的特征，达到色彩的共通。

- 摘自 《潘琳：孰是孰非》王璐卿（蓬皮杜艺术中心策展人助理）

  Tobacco Vanille_布面油画_215x170cm_2017

而作品命名也是艺术家创作时心理活动的直接体现。作品名称与绘画本身并不是从属关系，而是并列的关系。作品《Tobacco Vanille》的名字（意为香草香烟的味道），是一款香水的名字，当潘琳创作这幅作品时，画面的感觉与她记忆深处似曾相识的气味相契合，这个味道可能来自于某个曾经擦肩而过的人或经历过的场景。而作品《奥斯陆幻想》名称的初衷更为简单，仅是因为在创作的那段时间，她正憧憬着去挪威旅行。如果说作品名称是她一个人独处时思想上的碰撞，那绘画就像她记录的心灵笔记，真实的还原了一切。

- 摘自《用绘画思考》梁霄

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潘琳，1986年出生于北京，2005年毕业于中央美术学院附中，2010年毕业于中央美术学院油画系三工作室，2014年毕业于中央美术学院油画系三工作室研究生，2016年毕业于波士顿大学绘画系研究生，现生活工作于北京。潘琳曾在西五艺术中心（2017）和尤伦斯当代艺术中心（2010）举办过双个展。作品曾在中央美术学院美术馆，筑中美术馆，泰康空间（2017），美国波士顿大学联邦画廊，美国波士顿菲奥里画廊（2016），美国波士顿科普利艺术学会，美国波士顿808画廊（2015）和英国伦敦WART@GoldenSquare艺术空间（2012）展出。

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