你应该知道的声音艺术的代表作品（一）

通过几十年的艺术实践，与当下录音技术和网络媒体带来的革新，关于声音的创作和基于声音的主题，早已不能从当代艺术语境中分割出来。声音作为艺术媒介从达达主义和未来主义开始，直到二战后美国的激浪派、观念艺术，才被艺术家们更多地运用。其内在的动因与声音本身的特性有关，声音没有物质的形态，其“生而抽象”的特质，尤其符合观念艺术家“去美学化”的追求：即在创作时避免过多地将审美性掺入作品，而影响艺术家观念表达的纯粹性。

詹内特?卡迪夫（Janet Cardiff）

詹内特?卡迪夫（Janet Cardiff）

在最近众多的声音艺术展览中，不得不提的是詹内特?卡迪夫（Janet Cardiff）在大都会美术馆修道院分馆展出的声音装置《四十份圣歌》（The Forty Part Motet）。走进展厅，观众们被40部扬声器环绕。大约三分钟的低声“交谈与准备”之后，整个装置开始播放长十一分钟的无伴奏合唱。男低音、男中音、女低音、男高音，与童声高音——每一台扬声器中都是一位演唱者的独唱。曲目是由都铎王朝作曲家汤玛斯?塔利斯（Thomas Tallis，1505-1585）创作的《希望唯在我心》（Spem in alium）。40条音轨在空间中无形地交织、混合，人们不由自主地在声场中游走，明知道没有所谓“正确”的落脚点，又好像可以找到更恰当的位置。

《四十份圣歌》（The Forty Part Motet）

在传统的音乐表演中，即使是乐队现场演奏，也全部是观众面向舞台或乐池，接收来自同一个方向的音响。我们平时熟悉的音乐播放装置，通常也是将数条音轨混入同一个或几个扬声器之中播放。而《四十份圣歌》利用空间中交织的声场，让听众游移在40条音轨之间，其带来的体验，让人明明知道只是录音，却远超出我们对音乐“真实感”的成见。

强烈的舞台真实感与明显的虚无感同时呈现，通过打破表演中约定俗成的空间关系，被詹内特?卡迪夫推向了极致。这件作品曾于2012年在MoMA PS1展出，也是第一件进入大都会修道院分馆的当代艺术作品。圣歌声脱离了展览空间而在修道院中回响，其效果更加撼人心魄。

大卫·伯恩（David Byrne）

大卫·伯恩（David Byrne）

《Playing The Building演奏这个建筑》

大卫·伯恩在2008年的装置作品《Playing The Building演奏这个建筑》是声音艺术模糊性的典范。这件作品被安置在曼哈顿下城的一个船渡等候厅的废旧休息室里。参观者被鼓励演奏一个小而破旧的管风琴。管风琴的每个琴键通过长线都连接着老建筑的管道、水管设施、大梁和其他内置的金属构件。当琴键被按下时，表面会被敲击而发出金属碰撞声，笛子的鸣哨声，发动机积压在大梁上的隆隆生。整个房间被变成一个巨大的声音雕塑，管风琴变成一种采样键盘。作品的完成更多的需要观众的参与，才能让整座建筑发出不同的‘声音’，所以这个作品也是典型的交互性装置艺术。

声音被空间化，更多地是为了效果而不是为了表达或者勾勒声音空间，管风琴同时作为一个控制器和一个指代符号的使用，使得这件装置作品部分是声音雕塑，部分是机型音乐会。

劳伦斯·阿布·哈姆登(Lawrence Abu Hamdan)

劳伦斯·阿布·哈姆登(Lawrence Abu Hamdan)

在贝鲁特从事创作的艺术家劳伦斯·阿布·哈姆登将声音作为反监视的工具，并且挪用声音调查的方法来引起大家对于更广泛的政治问题的关注。关于国家主权、人权和司法的讨论经常会出现在他的声音作品中，他声音美学实践技术成为很多法律调查案件中，对音频取证分析的基础。

《橡胶包裹的钢铁》(Rubber Coated Steel)是一件使用声音来探讨以色列军方在西岸杀害两位少年的作品，是艺术家完成对该事件的分析报告的一年后完成的作品，是在原有证据的基础上展开，是包括声音、照片和视频为一体的装置作品。

《橡胶包裹的钢铁》(Rubber Coated Steel)

2014年5月，在被占领的约旦河西岸（巴勒斯坦）的以色列士兵开枪打死两名青少年。艺术家参与了相关机构对此事件的调查工作。艺术家对录制的枪声进行音频及弹道分析，以确定士兵是否使用了橡皮子弹。为此，艺术家通过详细的声学分析，设计了可视化的音频工艺，证实他们确实发射的是实弹，而且并曾试图掩盖真相。这些数据后来也成为CNN对此事件报道的关键证据。

弗洛里安·海克(Florian Hecker)

弗洛里安·海克(Florian Hecker)

弗洛里安·海克创作的是雕塑声音装置，比如2010年在法兰克福现代艺术博物馆(Frankfurt's Museum für Moderne Kunst ，MMK)展出的声音项目。带着球面镜的八个扬声器从天花板悬挂下来，不仅仅映射出音源的外观，更改变了环境的声场。

这是一件通过计算机生成的八声道声音作品，每个单独的扬声器都会播放一系列事先配置给它的声音。每个声道因其频率和音量不同，构成这个复杂声音场域/整体的一部分。扬声器前面弯曲的反射器用来说明声音在空气中反弹和转向的方式，从而增加了声音装置的复杂性。作品戏剧化地解释了声源在空中通过分离后到达它应该到达的位置。这种对听觉过程的生动再现，强调了我们不可能描述相同的声音——何时、何地以及由谁听到的。

弗洛里安·海克创作的是雕塑声音装置

装置本身调动的是主观经验，作品根据观众在房间中的位置呈现出不同的部分。而且，每一次播放的声音都是独一无二的，因为在空间组成中有一种随机新，因此声音在这里是具有不可预知性。

苏珊·菲利普斯(Susan Philipsz)

苏珊·菲利普斯(Susan Philipsz)

苏珊·菲利普斯是获得特纳奖的第一位声音艺术家。她把自己的声音与包括从爱尔兰民乐到大卫·鲍伊( David Bowie)在内的各种各样的音乐素材进行声音的拼贴。这位来自格拉斯哥的艺术家的作品很多是根据场地条件创作的，会与公共的建筑空间进行互动。她对声音的心理效果十分有兴趣，并通过作品引发观众的深思。

她与伦敦艺术机构Artangel合作的作品《围绕我：为伦敦所生的循环之歌》（Surround Me: A Song Cycle for the City of London）曾经在伦敦市中心几个定点以广播方式播放，其中包括知名地标伦敦桥、诸多默默无闻的巷弄、以及与金融办公大楼比邻的历史建筑杜肯豪斯之屋（Tokenhouse Yard）。

《围绕我：为伦敦所生的循环之歌》（Surround Me: A Song Cycle for the City of London）

作为一件「看不见但依旧存在」的艺术作品，菲利普斯创作此件作品的缘由也与城市空间里的静音状态有关。她发现这些位处闹区内的小巷，一到周末就显得极度安静而奇异，这些沉默的角落驱使她将特属于现代城市的音场去除，而得以自在地从声音的角度来想象不同世纪的伦敦。面对这些别具历史厚度的空间，艺术家选择以16世纪伊丽莎白时期的伦敦为出发点，以自己的清唱录音来呼应当年市井小巷里的人们总是大声呼喊、叫卖的鼎沸状态。菲利普斯以市区广播的形式，将自己的吟唱安插于容易被人们忽略的巷弄之中，可以说是将传统定义中的广播延伸为一种地志性的存在。