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巴塞尔作品赏析：劳娜·辛普逊《省略》2019

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豪瑟沃斯荣幸参展瑞士巴塞尔艺术展，推出当代艺术家顶级之作及出自艺术家基金会与显赫国际收藏的二十世纪早期大师杰作。群展涵括画廊强劲艺术家阵容，呈献劳娜·辛普逊（Lorna Simpson）精选作品。

▲ 劳娜·辛普逊（Lorna Simpson）肖像，? 劳娜·辛普逊，图片：劳娜·辛普逊，豪瑟沃斯

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巴塞尔艺术展
Art Basel
Hall 2 展位 D11
贵宾预览：6月11至12日
上午11时至晚上8时
开幕日：6月12日
下午4时至晚上8时
公众开放：6月13至16日
上午11时至晚上7时
展会地点：Messe Basel，Messeplatz 10
4058 Basel，Switzerland

▲ 劳娜·辛普逊（Lorna Simpson），《省略》（Ellipsis），2019，墨水丝网印刷石膏玻璃纤维，274.3 x 243.8 x 3.2 厘米 / 108 x 96 x 1 1/4英寸，? 劳娜·辛普逊，图片：劳娜·辛普逊，豪瑟沃斯，摄影：Thomas Barratt

劳娜·辛普逊（Lorna Simpson）于1960年出生于纽约布鲁克林。上世纪七十年代后期，她穿梭于美国、欧洲和非洲之间从事纪实摄影（documentary photograph），这一经历对她日后的创作产生了重大影响。之后，辛普逊于纽约视觉艺术学院和加州大学圣地亚哥分校深造，并取得艺术硕士学位。在读研期间，她开始思考纪实摄影的客观性和真实性。于是，在受到珍妮·霍尔泽（Jenny Holzer）和玛莎·罗斯勒（Martha Rosler）等艺术家的启发后，辛普逊逐渐转向观念艺术的创作。

自上世纪八十年代晚期起，辛普逊具有突破性的摄影手法即使她成为了该领域的关键艺术家。在作品中，辛普逊常以非裔美国女性为模特，偶尔会融入非裔美国男性，并熟练运用复制图像和边框创造的技巧，来表现对于历史意义中性别和种族的挑战。在过去的三十年中，辛普逊用艺术来质疑被构造的社会历史以及身份建构的表演性。除了摄影，辛普逊还运用绘画和影像，创作神秘且具有震撼力的作品。她敏锐地观察到了“表现”与“含义”的不确定性，揭示了性别和文化对人们日常生活的巨大影响。

时值此城中盛事，豪瑟沃斯纽约空间总监杰奎琳·西斯齐（Jacqueline Sischy）与艺术家本人进行了对谈，探索其创作风格与艺术实践。杰奎琳·西斯齐（下简称JS）自画廊于2017年代理劳娜·辛普逊（下简称LS）后便与辛普逊展开了紧密的合作，并帮助筹备了艺术家近期于豪瑟沃斯22街艺术空间的展览。

▲ 劳娜·辛普逊与杰奎琳·西斯齐在劳娜·辛普逊于纽约布鲁克林的工作室，图片：豪瑟沃斯，摄影：Sim Canetty-Clarke

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之前你在豪瑟沃斯纽约22街空间的展览「暗化」（Darkening）包括了新创作的雕塑、拼贴与绘画，而此次在巴塞尔艺术展上呈现的作品就来自这个展览。你怎么看待自己创作中的不同形式？它们是各不相同的么？你会认为不同的媒介是在相互对话么？

▲ 豪瑟沃斯于2019年巴塞尔艺术展现场图片，2019年6月11至16日，瑞士巴塞尔，图片：豪瑟沃斯，摄影：Stefan Altenburger Photography Zürich

我认为绘画与拼贴以及雕塑性的元素是相互对话的：它们不是孤立执行的想法。这些作品由过程所塑造，拼贴给绘画提供了内容，然后它们又以一种超现实的方式反转了图像与语境的关系。

你能分享一下你如何为你的画作寻找素材吗？

数年前，我在工作室里发现了祖母的几本《Ebony》杂志。结果我就被其中来自不同时代的图像给迷住了——我觉得那是来自六十年代的——不管内容是编辑性的还是广告和娱乐。我试图以一种非回顾式的方法来重看这本杂志里的内容，并尝试理解它的镜头是如何针对性地去适应它的读者——美国的非裔美国人的。从那时起，这就成了拓展我艺术实践的一种练习。因此我总有机会进行意料之外的实验。

所以你会去回顾图像并重新使用它们？

《Ebony》是最早在全国范围内展开广告宣传的杂志之一，并针对黑人读者重新设计了它们的广告。这也成为了一个有趣的视角，因为它提示我们广告在过去的几十年里是如何构成的——在某个特定的时间点上正在发生着怎样的野心、恐惧与政治。作为一个被广告和女性形象（不管是假发小广告或美发产品广告，还是大型的全国性广告）吸引的艺术家，我认为广告通过政治与自决的表达记录了不同的时代特征。

你受到工作室里堆叠起来的《Ebony》和《Jet》杂志的启发，开始重新去思考雕塑。在豪瑟沃斯纽约即将举办的展览中，你有一个雕塑是把《Ebony》杂志堆成了一个超过11英尺高的结构。从形式上讲，这是一个非常壮观的堆叠物，但是在观念上，它也回应了使用图像来记述文化历史的档案的语言。你认为这件雕塑是对档案的一次观念探索么？

我会说，作为一名艺术家，我对档案感兴趣，但也喜欢以某种方式改变档案的意义，或者让它们的功能与重要性随着时间和视角的变化，而发生改变或变得更加重要。我把它视作一种雕塑性的元素，对那些曾经拥有《Ebony》杂志或者定期清理杂志的人来说，这种独特的堆叠方式像是某种图腾，在我看来是非常适合这个主题的。

我回想起了在2017年的纽约弗里兹艺博会上你和豪瑟沃斯的首次合作，当时你展示了一批非常棒的女性人物绘画。我在这批新的作品中看到了一种对具象的回归。是什么启发了你在绘画中回到了对女性的表现？

其实我从来都没有放弃这一点。我觉得我的工作方式可能是循环式的。新的东西进入我的工作轨道，就成了我实践的一部分。但长期以来，女性形象一直是我工作的一部分。随着时间的推移，素描与拼贴也让我与这一主题的关系变得更加超现实。

你在2015年由奥奎·恩维佐（Okwui Enwezor）策划的威尼斯双年展上首次展出了绘画作品。你能告诉我们是什么最开始启发你转向绘画以及你和奥奎有过怎样的交流么？

我在之前三四年的时间里，一直在做素描、小幅的素描，而我一直想要把它们放大。我不太确定这在技术上应该如何实现——如何继续使用墨水并在更大的尺度上产生与这一媒介的关系，同时又可以与我之前在做的事情保持紧密的联系。接着，帕梅拉·乔伊纳（Pamela Joyner）邀请我去她在索诺玛的住处休息一下。我去了，同时我也需要开始实验。令我意外的是，在这种的隔绝的环境中，伴随着地震和在索诺玛的外出，作品却开始变得非常有趣。奥奎和我很熟，像家人一样，但我还是需要向他提出一个方案。我记得当时我好像完成了两幅绘画，而我的方案则提出要完成一共五幅作品。从他的角度来说，这既是对我的信任，也是因为他看到了这个项目发展的方向。我总是会以不同的创作环境来挑战我自己，所以我的实验也常常是公开进行的。我认为这是因为我有一定的信心，然后是过程，不管过程产生了什么，那结果就会是那样。我的自尊心并不会因为害怕失败而对作品多加保护。我总是随遇而安——无论过程给了我什么，也不管结果怎样。

能听到这些作品的起源实在是太有趣了。从很多方面来说，超大型的、彩色的以及富有表现力的绘画都是根植于拼贴与摄影的语言之中的。你如何看待自己早期的摄影作品对现在这批新作的影响？

我对摄影仍然保有兴趣和欲望，但是这并不一定意味着要创作摄影作品。对摄影创作的理解将永远是我语言中的一部分。我与摄影的关系是多方面的。我的兴趣在于摄影在档案中的作用，以及被记录为真实或不真实的摄影。我现在正在进行的创作，这些构建出来的图像、这些风景以及这些超现实的、相互堆叠的脸孔，都不是静态的，而是超现实的肖像。它们在视觉上有所差异，但是在观念上却是相互关联的。

你展览的标题叫「暗化」。这有什么特别的含义吗?

这是其中一幅绘画的题目。这些风景比之前的一些作品表现了更多的夜间场景。在我创作它们的时候，它们似乎变得越来越暗，但随后我又觉得我们所处的时代似乎也正在变得越来越暗。