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H&W展览：豪瑟沃斯伦敦呈献拉兹洛·莫霍利-纳吉作品展及基斯·泰森新作展

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六月的伦敦艺讯不断，除了近日拉开帷幕的「巨匠臻藏」（Masterpiece）艺博会，豪瑟沃斯伦敦艺术空间亦呈献两场精彩展览：拉兹洛·莫霍利-纳吉（László Moholy-Nagy）的作品展及基斯·泰森（Keith Tyson）绘画新作展「物静」（Life Still），两场展览皆持续至9月7日，诚邀观览。

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拉兹洛·莫霍利-纳吉
László Moholy-Nagy
展览时间：即日起至9月7日
展览地点：豪瑟沃斯伦敦
23 Savile Row, London W1S 2ET
联系方式：london@hauserwirth.com
开放时间：星期二至星期六
早10时至晚6时

在包豪斯百周年纪念之际，豪瑟沃斯荣幸呈现艺术家拉兹洛·莫霍利-纳吉（László Moholy-Nagy）的作品展。莫霍利-纳吉被认为是前卫艺术最重要的人物之一，而此次在伦敦空间举办的展览，将带领观众深入了解这位孜孜不倦的创造者、艺术家、教育家与写作者的故事。

▲ 拉兹洛·莫霍利-纳吉（László Moholy-Nagy）,《有手的自拍照》[Selbstportrait mit Hand (Self-Portrait with Hand)]，1925 - 1929，银胶印刷，23.7 x 17.7厘米，? 拉兹洛·莫霍利-纳吉艺术资产 / 纽约艺术家版权协会 (ARS) / 波恩 VG Bild-Kunst，图片：拉兹洛·莫霍利-纳吉艺术资产

此次展览由艺术家的孙子丹尼尔·哈格（Daniel Hug）策划，展出艺术家创作于1920年代初至1940年代之间的多件作品，体现了艺术家不拘一格的艺术实践，并包括了摄影、绘画、雕塑、电影与设计等不同领域的作品。作为最早一批的观念艺术家，莫霍利-纳吉的作品审问了艺术品以及艺术在社会中的作用，并引领了后代艺术家的持续追问。

▲ 拉兹洛·莫霍利-纳吉（László Moholy-Nagy）展览现场图，豪瑟沃斯伦敦，2019年5月22日至9月7日，? 拉兹洛·莫霍利-纳吉艺术资产 / 纽约艺术家版权协会 (ARS) / 波恩 VG Bild-Kunst，图片：拉兹洛·莫霍利-纳吉艺术资产，摄影：Alex Delfanne

拉兹洛·莫霍利-纳吉1895年出生于匈牙利，在一战参军之前，曾学习过法律。他于1918年因伤复员后，于1920年定居柏林，并逐渐成为一名富有创造性的艺术家和深具洞察力的理论家。受沃尔特·格罗皮乌斯（Walter Gropius）之邀，莫霍利-纳吉在1923至1928年间曾任教于魏玛和德绍的包豪斯艺术与设计学院，而他积极拥抱新技术与现代材料的工作方法以及对设计与社会未来的乐观态度，也深刻地影响了包豪斯的精神特质。然而，纳粹的肆虐让他不得不离开了德国，先落脚阿姆斯特丹，然后又在伦敦与家人团聚。1937年，他移居美国，以包豪斯的模式创建了芝加哥设计学院。

莫霍利-纳吉乐于研究工业器具与材料，并借此将艺术家的“触摸”替换为机械的过程，并认为艺术应该与时俱进，深入观众，并反映不断变化的技术。此次展览中的早期作品《排印组合》（Typographic Compositions，1922）与《蓝碟拼贴》（Blue Disc collage，1926）都是大胆的抽象拼贴。而艺术家对几何图形、喷漆、摄影蒙太奇以及排印版式的使用，则反映了现代生活不断变化的体验，呼唤着一种新的视觉语言。

▲ 拉兹洛·莫霍利-纳吉（László Moholy-Nagy），《排印组合》(Typographic Compositions),1922，纸本拼贴，27.5 x 38 厘米 / 10 7/8 x 15 英寸，? 拉兹洛·莫霍利-纳吉艺术资产 / 纽约艺术家版权协会 (ARS) / 波恩 VG Bild-Kunst，图片：拉兹洛·莫霍利-纳吉艺术资产

莫霍利-纳吉对摄影与电影非常着迷，并把它们称作”光的文化“。他在写作中将它们视作未来的材料，可以超越即使是最先进的绘画。”对传统方法不带任何偏见地“，沃尔特·格罗皮乌斯写道，”他以一位科学家的好奇心不断尝试新的实验“。莫霍利-纳吉对光、视觉、运动以及时空关系的兴趣让他创作了被称作”电动舞台的光道具“（Light Prop for an Electric Stage）的第一件机动雕塑，也就是后来的《光空间调制器》（Light Space Modulator， 1930），其复制品也将于此次展览中展出。这件机器通过在不同的移动组件上投射光线来生成光影结构。作为二十世纪地标性的艺术作品，”光道具“反应了莫霍利-纳吉将艺术及设计与科学及技术结合的实验方法。

▲ 拉兹洛·莫霍利-纳吉（László Moholy-Nagy），《电动舞台的光道具》（Light Prop for an Electric Stage），1930，金属塑料玻璃油漆木材带电动马达，展览复制品建于2006年，151 x 70 x 70 厘米 / 59 1/2 x 27 1/2 x 27 1/2英寸，? 拉兹洛·莫霍利-纳吉艺术资产 / 纽约艺术家版权协会 (ARS) / 波恩 VG Bild-Kunst，图片：拉兹洛·莫霍利-纳吉艺术资产

《电动舞台的光道具》（1930）最早是为了捕捉艺术家的电影《黑白灰的光影剧场》（A Lightplay black white gray）中的效果，而艺术家则把这部电影视作一种”移动绘画“。这部电影近距离地描绘了机器的动态运动，在抽象表面、反射、光线与戏剧性的阴影之间创造出一种迷人的交互。在这里，莫霍利-纳吉不仅试图重新塑造艺术家的角色，也阐述了感知的概念和视觉的行为，同时不同的光效、叠印、加速与反转的图像舞蹈也带来了不同的视角。

摄影在莫霍利-纳吉的实践中处于核心位置，他认为“摄影的知识如字母般重要。对未来的无知就如不知如何使用相机和钢笔一样”。艺术家在作品中探索了这一媒介的形式可能性，也成了被他称为“物影照片”（photogram）的无相机摄影的前驱。物件被放置在感光相纸上，再进行曝光，产生负片阴影与鬼魅般的印记。他甚至会拍摄这些物影照片再将其放大，并借此模糊原版与复制版之间的区别。在短暂的中断之后，莫霍利-纳吉于1930年代回归了绘画。与他的早期绘画类似，他的后期绘画也常常会在他实验不同效果的过程中融入浮动而重叠的形状，以创造深度的感觉。

基斯·泰森：物静
Keith Tyson: Life Still
展览时间：即日起至9月7日
展览地点：豪瑟沃斯伦敦
23 Savile Row, London W1S 2ET
联系方式：london@hauserwirth.com
开放时间：星期二至星期六
早10时至晚6时

豪瑟沃斯伦敦荣幸呈现基斯·泰森的绘画新作展「物静」。展出的这一系列作品拥有某种共同的题材——它们都是花卉绘画。透过单一类型，泰森在哲学、数学与神话学之间游走，创造出了此次展览中的25件作品。同时，泰森通过各种不同的路径，利用我们身边无处不在的信息系统来创作绘画，反映了我们在当代世界的共同经验。如此观之，此次展览的内容，在其所表现的题材之外，也探讨了绘画一直以来对其创作条件及语境的回应。

▲ 基斯·泰森（Keith Tyson）肖像，? 基斯·泰森，图片：基斯·泰森、豪瑟沃斯

泰森认为颜料是一种“可编程的材料”，并一直对电子计算机、编程与数据抱有极大的兴趣。艺术家从青少年时便喜欢拆卸主板，后又在职业初期开始建造“艺术机器”。泰森用多种媒介来呈现由算法生成的文字与观念组合，并使用绘画丰富的形式语言表达了自己对系统与数据消费影响的迷恋。在这里，时代的相互关联性及其对社会与个人的影响与艺术家对题材的选择形成了一种有趣的对比。如泰森所说，“我不相信永恒的自我，也不相信对艺术风格的发展。我们的世界充满了错综复杂的系统与事件。我只是试图通过与它们合作来创作作品。”

▲ 基斯·泰森（Keith Tyson）「物静」展览现场图，豪瑟沃斯伦敦，2019年5月22日至9月7日，? 基斯·泰森，图片：基斯·泰森、豪瑟沃斯，摄影：Alex Delfanne

混合的概念以及观念的异化授粉是贯穿此次展览的一个重要主题。正如花匠出于纯粹的美学考虑来选择并组合来自不同地区的花朵那样，泰森选择了各种不同的绘画风格与相关的参考，这反过来又为艺术家提供了一个观念的框架，而作品的题目则提示了其创作过程中的文化坐标。《花道——瀑布舞台（Boss Level）》［Ikebana – Waterfall Stage (Boss Level)，2018］同时引用了不同的想法，包括崇尚自然之美的日式插画技术以及令人想到早期现代主义绘画的抽象背景。泰森让来自不同地方的材料相互碰撞，在画面中创造出一种宇宙学，并通过生活在作品中的游戏小人，来指涉中国的寓言故事。纵观此次展览，艺术家对讲故事及神话的兴趣与他对技术及其可能性的热情相得益彰。

▲ 基斯·泰森（Keith Tyson），《花道——瀑布舞台（Boss Level）》［Ikebana – Waterfall Stage (Boss Level)］，2018，油彩铝，247.7 x 171.5 厘米 / 97 1/2 x 67 1/2 英寸（带框），? 基斯·泰森，图片：基斯·泰森、豪瑟沃斯

泰森的作品效仿了计算机编程的法则，并认为观念作品可以在某种插入语中被创造出来。对他来说，每件作品中充满层次的引用就像和弦与交响乐一样。在很多情况下，机缘巧合和无法预测的事件成为了作品的起点。在《这是我们一生中最伟大的时刻》（These are the Greatest Times of our Lives，2019）中，泰森偶遇到的蜡烛、花瓶以及空vessel演变成了一种死亡警示。虽然这些物件可以被“解读”为对人生三个阶段的象征，但其实绘画的形式属性才是它的主题。泰森经常以系列作品的形式进行创作，重复的图样（花卉、花瓶与支撑物）所累积的影响，让人们留意到每幅绘画的不同美学风格。而这些独立的作品的形式属性则变成了作品的主题，引发观者内心的共鸣。如此观之，此次展览既是对绘画本质的一次哲学与美学沉思，也是对技术时代下当代生活复杂性的一次庆祝。