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H&W展览:豪瑟沃斯苏黎世呈献松谷武判及玛利亚·拉斯尼格个展

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今日,两场精彩展览于豪瑟沃斯苏黎世展览空间揭幕:松谷武判(Takesada Matsutani)个展「留白」(Yohaku)及玛利亚·拉斯尼格(Maria Lassnig)个展「精致的中心」(Delicate Centre),展览将持续至12月21日,诚邀阁下莅临观展。

松谷武判:留白
Takesada Matsutani:Yohaku
展览时间:即日起至12月21日
展览地点:豪瑟沃斯苏黎世
苏黎世Limmatstrasse大街270号
Hauser & Wirth Zu?rich
Limmatstrasse 270, 8005 Zürich
开放时间:周一至周六,上午11时至下午6时
(周六于下午5时闭馆)
 松谷武判(Takesada Matsutani)于工作室,巴黎,2019年1月27日,图片:松谷武判、豪瑟沃斯,摄影:? Michel Lunardelli

继巴黎蓬皮杜艺术中心为艺术家松谷武判举办了大型研究性展览之后,豪瑟沃斯苏黎世也荣幸为这位生于大阪、现居巴黎的艺术家举办一场题为「留白」(Yohaku)的个展,呈献松谷自1970年代至今对单色画的探索。此次展览由奥利维尔·雷纳德-克莱门特(Olivier Renaud-Clément)组织,包括了许多首次展出的重要纸本作品、混合媒材绘画以及素描。


▲ 松谷武判(Takesada Matsutani ),《十字》(Cross),2001,乙烯基浮雕,石墨,布面,162 x 130 厘米 / 63 3/4 x 51 1/8 英寸,? 松谷武判,图片:艺术家、豪瑟沃斯,摄影:Marc Domage

此次展览的题目取自中国与日本画中的一个概念,所谓“留白”指的是画面中故意留出空白的地方,可以起到平衡构图的作用。中国自十世纪起,就有山水画家用墨捕捉山水之“神”,而那些无墨的地方则被用来表现云雾、天空和水域。日本的禅画家也会用画面中的留白来代表“空无”的份量。而这种介于见与不见之间的做法也是松谷许多作品(特别是那些墨水实验)的核心。松谷还特别受到了十六世纪日本绘画大师長谷川等伯(Tōhaku Hasegawa)的影响,后者的松树水墨画也是“留白”最为精妙的案例之一。

▲ 松谷武判(Takesada Matsutani ),《圈 17-11-11》(Circle 17-11-11),2017,乙烯基胶, 丙烯酸,石墨铅笔,布面,口径185 厘米 / 72 7/8 英寸,? 松谷武判,图片:艺术家、豪瑟沃斯,摄影:Patrick Rimond


从1960年代初到1970年代,松谷是日本战后重要的艺术团体“具体艺术协会”第二代的重要成员。松谷也曾实验性地使用乙烯胶水、风扇和他自己的呼吸来改变材料,创造出圆润而肉感的形式。1966年,松谷移居巴黎,并在1972年小组解散之后,逐渐发展出一系列革新且连贯的新作品。他曾坦言:“在小组成立十年之后加入,让我意识到自己必须在艺术上超越具体艺术,超越这个团体已经实现的成就。”

▲ 松谷武判(Takesada Matsutani ),《日与夜》(Day and Night),2018,乙烯基胶, 石墨铅笔,墨汁,布面丙烯酸,122 x 122.2 x 4.3 厘米 / 48 x 48 1/8 x 1 3/4 英寸,? 松谷武判,图片:艺术家、豪瑟沃斯


1970年代,松谷在巴黎生活时,拥有的资源有限,于是不得不重新考虑艺术创作的核心工具。便宜的石墨与纸让艺术家发现了黑白素描的关键与直接的技术。松谷开始在如壁画般大小的纸张上用黑色石墨创造大量层叠的笔触,也即后来为人所知的“流”(Stream)系列。艺术家在这里试图探讨的,是如何通过这种媒材的积累而呈现出某种画面——而这一实践一直持续了四十年。这种仪式化的创作方式拥有一种表演性的特质,也因此呈现出一种时间性的记录(常被比作日本记手帐的传统),而这些过程则被翻译成了艺术家独有的一种艺术语言。


▲ 松谷武判(Takesada Matsutani ),《流-08》(Stream-08),1980,石墨铅笔,松节油,纸上,80 x 120 厘米 / 31 1/2 x 47 1/4 英寸,? 松谷武判,图片:艺术家、豪瑟沃斯


最早的“流”系列绘画尺幅较小,后来则演变成了令人印象深刻的装置作品,其中最近的一件作品也曾在2017年威尼斯双年展与松谷在巴黎蓬皮杜中心举办的首次回顾展上展出。而在蓬皮杜中心展出的作品此次也将再次在豪瑟沃斯苏黎世空间展出。通过耐心而重复的动作,松谷用铅笔在两卷10x2.15米大小的画布上创造出丰富而深邃的层叠效果。根据艺术家的表述,他的“流”系列作品“就像是一条流动着的河流。河流之意在于其不断变化,其中的每个原子都是不断移动的,没有起点也没有终点。松谷的实践与佛教禅宗的关系展现了日本文化的复苏,而他创作中的沉思性过程也揭示了艺术家与这种哲学之间深刻的联系。“流”系列作品将存在视作流水,一种永远流动的状态。在这一系列的其他作品中,艺术家用松节油稀释石墨,以显露印记之下的白纸或画布,让“留白”给作品注入一种生命的气息。


▲ 松谷武判(Takesada Matsutani ),《Une goutte 19-20》,2019,木头,乙烯基胶,石墨铅笔,木头,27 x 19 x 3.8 厘米 / 10 5/8 x 7 1/2 x 1 1/2 英寸,? 松谷武判,图片:艺术家、豪瑟沃斯

艺术家1990年代末开始的“浪”(Wave)系列继续实验层叠石墨,“浪”系列中的许多作品的画面都布满了石墨,而在某些作品,如《浪 99-1》(Wave 99-1,1999)、《浪 99-8-26》(Wave 99-8-26,1999)等作品中,未被填充的空间反而加强了黑色的存在,创造出黑白之间一种游离的平衡。在松谷后期的一些作品中,精确的石墨线条与网格被光线所分割,似风暴般撕开黑暗的空间。

 松谷武判(Takesada Matsutani ),《浪 99-1》(Wave 99-1),1999,乙烯基胶, 石墨铅笔,布面,83.8 x 116.1 x 3.6 厘米 / 33 x 45 3/4 x 1 3/8 英寸,? 松谷武判,图片:艺术家、豪瑟沃斯


松谷用乙烯基粘合剂覆盖画布的表面,增强了这种单色的视觉语言,再覆以多层石墨,结合艺术家代表性的媒材。此次展出的重要作品还包括艺术家2014年的“舞”系列,其中使用了艺术家具体艺术时期常用的乙烯基胶水。在《舞 14-2》(Dance 14-2)中,松谷覆有石墨的形式继而被稀释为一种旋转、感性的形状,令人想起某种舞蹈和音乐的趣味。与展览中的其他作品一样,这些晚期作品处于光与暗的流转之间,揭示了未经加工的、丰盛的空白的美丽。

▲ 松谷武判(Takesada Matsutani ),《舞 14-2》(Dance 14-2),2014,乙烯基胶,石墨铅笔,布面丙烯酸,162 x 130 厘米 / 63 3/4 x 51 1/8 英寸,? 松谷武判,图片:艺术家、豪瑟沃斯,摄影:Marc Domag

「松谷武判:留白」(Takesada Matsutani:Yohaku)展览现场图,豪瑟沃斯苏黎世,2019,? 松谷武判,图片:艺术家、豪瑟沃斯

玛利亚·拉斯尼格

精致的中心

Maria Lassnig

Zarter Mittelpunkt 

Delicate Centre

展览时间:即日起至12月21日

展览地点:豪瑟沃斯苏黎世

苏黎世Limmatstrasse大街270号

Hauser & Wirth Zu?rich

Limmatstrasse 270, 8005 Zürich

开放时间:周一至周六,上午11时至下午6时

(周六于下午5时闭馆)

 玛利亚·拉斯尼格于工作室内的自画像,Avenue B,纽约,1974,? 玛利亚·拉斯尼格基金会,图片:基金会、豪瑟沃斯


豪瑟沃斯荣幸呈献知名奥地利艺术家玛利亚·拉斯尼格的大型个展。此次展览由玛利亚·拉斯尼格基金会总监彼得·帕克施(Peter Pakesch)策划,于艺术家百年诞辰之际,展出其创作于1950年代至1990年代的一批鲜有展出的素描与水彩作品,其中一部分作品甚至从未在基金会的档案之外进行过任何展出。此次展览将展出超过三十件作品,以展现拉斯尼格对抽象边界的研究。与此同时,维也纳阿尔贝蒂娜博物馆(Albertina Museum)亦正展出此前已在阿姆斯特丹市立博物馆(Stedelijk Museum)展出过的艺术家回顾展「玛利亚·拉斯尼格——存在的方式」(Maria Lassnig – Ways of Being)。


▲ 「玛丽亚·拉斯尼格:存在之道」展览现场图,2019,阿姆斯特丹市立博物馆。? 玛丽亚·拉斯尼格基金会,摄影:Gert Jan van Rooij

在过去的几年间,玛利亚·拉斯尼格独特的创造性视野也在许多重要美术馆与画廊的展览中得到了呈现,其中就包括维也纳阿尔贝蒂娜博物馆(2017)与巴塞尔艺术博物馆(2018)举办的巡展「玛利亚·拉斯尼格——对话」(Maria Lassnig – Dialogues)。该展览聚焦于艺术家的素描与水彩作品,揭示了艺术家在这一领域的工作中所蕴含的独特内容。


「玛利亚·拉斯尼格:精致的中心」(Maria Lassnig. Zarter Mittelpunkt / Delicate Centre)延续了对这一冷门脉络的研究,意欲巧妙地展现艺术家作品中的深度,并为此展出了一系列水彩作品。这些作品在创作时间上相隔甚远,但在对抽象的探索层面上却紧密相关。


玛利亚·拉斯尼格(Maria Lassnig),《无题》[Ohne Titel (Untitled)],约1980-1985,水彩 彩笔 纸本,62.7 x 44 厘米 / 24 5/8 x 17 3/8 英寸,? 玛利亚·拉斯尼格基金会,图片:基金会、豪瑟沃斯,摄影:Roland Krauss


拉斯尼格的绘画作品在笔触上非常随性,但同时又极度关注作品的内容、执行与质量,特别是对纸本作品来说。对拉斯尼格来说,这一媒介可以让她更加直接地表达感觉与思想。从艺术家的意识到纸面的距离比到画布的距离更近,随性与反思在那里的相遇也会更加地显著。正如作品《精致的中心》(Zarter Mittelpunkt,1961)所表现的那样,水彩的微妙与绘线的精确表达了一种可被感知的强烈。与其他同期作品类似,这件作品也是一次对颜色可能性的试验。

 玛利亚·拉斯尼格(Maria Lassnig),《精致的中心》[Zarter Mittelpunkt (Delicate Centre)],1961,水彩 卡纸,63 x 85.6 厘米 / 24 3/4 x 33 ? 英寸,? 玛利亚·拉斯尼格基金会,图片:基金会、豪瑟沃斯,摄影:Roland Krauss

策展人在为此次展览挑选作品的时候,特意强调了艺术家水彩作品中的绘画性能量。因为此前,这一元素常常会被艺术家素描作品中的简洁所掩盖。更进一步来说,这些水彩作品也与艺术家的绘画作品在抽象层面上一脉相承:形式从强烈的颜色中产生,形成了自己的图像。


艺术家在这些纸本作品中创造了一个平行宇宙,不断回应并刺激着其他的作品。虽然这些作品常被视作是油画的前兆,但它们其实本身就是独特的作品,不应被误认为是习作。在拉斯尼格的艺术实践中,素描与水彩是一个连续统一体。布面绘画需要某种花费、某种准备、一个特别的空间以及一间工作室。而纸本作品却可以更加灵活:不管是假期还是在病床上,都可以进行创作。如此说来,铅笔、粉笔与水彩是艺术家永远的伙伴,帮助她更加直接地捕捉物理的身体以及她所谓的“身体意识”,比如她的早期作品《塔希派自画像》(Tachistisches Selbstportrait,1959-1961)以及晚期更加抽象的素描《背部形象》(Rückenfigur,约1980-85)与《后背》(Der Rücken,1987)。

玛利亚·拉斯尼格(Maria Lassnig),《塔希派自画像》[Tachistisches Selbstportrait (Tachist Self-Portrait)],1959-1961,油彩 卡纸,50.2 x 65 厘米 / 19 3/4 x 25 5/8 英寸,? 玛利亚·拉斯尼格基金会,图片:基金会、豪瑟沃斯,摄影:Roland Krauss


来自不同时期的创作展示了拉斯尼格对这些媒介的专注与其创作的延续性,这一点也集中体现在此次展览中的一件特殊的作品之中。1961年左右,艺术家被她的朋友兼导师、建筑师恩斯特·希尔德布兰德(Ernst Hildebrand)邀请为一次建筑竞赛提交一份壁画设计。虽然这个项目一直没有实现,但为此而作的超大幅水粉习作《为墙面饰带而做的设计,1 x 30 米,克拉根福州立医院外科病房》(Entwurf zu einem Wandfries, 1 x 30m, in der Chirurgie, Landeskrankenhaus in Klagenfurt)仍然展现了拉斯尼格对建筑游刃有余的应对,并在过程中保留了自己创作中的微妙性与感性。这件作品让我们知道,虽然艺术家一直以来的创作都相对小型和精致,她仍然有能力理解如何在更大的尺度上进行创作。

 「玛利亚·拉斯尼格:精致的中心」(Maria Lassnig. Zarter Mittelpunkt / Delicate Centre)展览现场图,豪瑟沃斯苏黎世,2019,? 玛利亚·拉斯尼格基金会,图片:基金会、豪瑟沃斯,摄影:Stefan Altenburger Photography Zürich



「阿尔普:二十世纪雕塑大师」展览现正展出
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