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讲座丨邢辛:无题

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本文转自:上戏舞台美术系



邢 辛 

中国国家话剧院一级灯光设计

文化部优秀专家

享受国务院政府特殊津贴


由上海戏剧学院主办、上海戏剧学院舞台美术系承办的国家艺术基金2019年度人才培养资助项目“舞台美术综合人才培养高级研修班”于2019年5月6日-6月1日在上海戏剧学院新空间剧场举办。

2019年5月27日,中国国家话剧院一级灯光设计邢辛老师,针对自己参加第十二届艺术节的几个作品的实践、感悟,包括一些创作中的构思和体会与国家艺术基金舞台美术高研班的同学们进行了分享。


邢辛老师谈到一个现象,舞台上光最少的时候,反而是舞台画面呈现最好看的时候,这时的画面层次、空间感最为明显。有时设计者想让光位、空间尽可能的丰富,舞台尽可能的立体,结果光越堆越多,出来的效果反而杂乱。看惯了所谓完美和丰富,突然简洁了,就觉得这才是自己想要的画面。这就说明一个创作理念问题,最终不怕简单,简单总是给人产生某种想象力。


一、《红军故事》


京剧一般约定俗成地讲究灯光的明亮、平等、完整等理念。但是随着现在的审美还有题材的不断丰富,这一理念已经满足不了现代人的审美需求。舞台表现永远是对比关系,如果面光只是单纯的亮,舞台画面中人物的丰满度就会被损失,画面的通透、距离、层次都会减弱很多。有时人物光虽然亮,但是亮而僵,亮而薄,亮而灰,与周围环境光比失衡,舞台就会缺乏一种生机,所谓的亮也就没有了存在的意义。

 

京剧《红军故事》剧照


因为现代审美要求有变化,所以在现代京剧《红军故事》这个戏中灯光设计尝试突破一下这种固化的审美定式。这个剧本本身给人厚重感,灯光要加强人物的丰满度和强烈的对比反差,来强调戏和人物的气势。所以用光逻辑整个是加强明暗对比,打破常规照明。为此,演员的照明光也有所不同,加强了灯光的特殊角度和对比。例如有时候并不是哪不亮就加强人物光,而是利用背景,如上图,加强雪山的背景,有意减弱人物光,重点强调一些高光,人物的层次感还有一种力量感全都凸显出来了。

    

京剧《红军故事》剧照


这张剧照也是强调画面生动的感觉,加强人物光结构、层次和雕塑感的表现,包括光色上的冷暖变化也比较微妙,追求色温的变化,而不是强调色相的对比。在画面处理时,有意把传统京剧的感觉往油画厚重的质感上去靠近,不仅仅是塑造人物,整个环境都强调这种绘画感。强调黑白,强调对比的反差,从这一方面就强调了这个人物的气质,这个戏的气质,从而达到本身剧作艺术审美的需求。 


京剧《红军故事》剧照


再比如这张剧照正面没有给光,强调的是侧面的高光和背景的浓淡,但是正面没有给光的时候背景的红光和打的周围环境的红光也会反映到脸上,也不至于让演员面部很黑,这样处理舞台的画面感自然就会出来。因为这些剧照都是设计者自己拍的,有时候拍人物剧照是想了解整个光比的关系,也就是人物光很舒服的时候放大画面也没有问题。


这种灯光感觉不是凭空想出来的,是从《红军故事》整个戏的气质,这种悲壮、英雄式人物内心的展现来获得的对光的一种感受。这个感受再通过光的对比、角度等具体的手段来体现。这种对不同戏剧的不同把握,比如这部戏强调光线的柔美、和谐、微妙,那部戏强调光线的强烈、对比、反差,分别会给人带来不同的享受。这是灯光设计中很重要的一个环节。


所以说,灯光最主要的是抓住整个作品的气质,如果气质把握不对的话,不管怎么样把形体、舞美、服装打亮,虽然也能接受,但是这个戏的味道可能因为灯光拿捏的不对而发生改变。也就是说作品的气质决定整个作品审美的走向,所以实际上灯光作为舞台美术最后一个元素是整个综合把控的关键一点。灯光做好是很微妙的,让人感觉很有特点,同时与空间转换与服装配合,最终呈现一个完整的作品。


二、《王贵与李香香》


《王贵与李香香》等于是一个对传统表演秦腔艺术形式的突破,这个戏中灯光的热烈和冷峻、现代和古典、土洋相交的对比与融合,反映了这个作品的气质。舞台最后是一块弧形的、有抽象色彩与肌理的天幕,后区平台上有一个典型豪华的三角钢琴,古典式演出的红色帷幕垂落在一角,中间是一个S型的平台,两边是合唱队,演员没有上场,正式剧目未开演的时候感觉是一个音乐会式的舞台,很具有西洋风格。这种很洋式的东西加上秦腔传统古老的戏曲艺术的表演方式,来表现革命题材,这样二度的安排就给观众一个古典和现代的审美情趣相结合的强烈信号。


所以灯光在这个作品上除了把本土的这种气质表现出来,还要把中西两个相对来说不太能够融到一块的这种艺术样式有意的捏合到一块,这时灯光作为黏合剂的作用更为显见。要把不同审美靠灯光融合在一块,本身就构成了强烈的戏剧性。这个戏整个灯光处理的特点,就是永远用鲜明的对比和强烈的变化作为戏剧发展推动的逻辑,而不是弱化。


对灯光来说,首先一个大的考量就是,如何调整舞台天幕、后区平台、中间演区和两边的合唱队几大关系,尤其演唱队和中间的关系。比如两个合唱队的中性的处理,要认识这个合唱队是作为什么因素参与整个戏的构成。如果灯光处理不当就会破坏这个戏艺术的追求,审美的诉求。


秦腔《王贵与李香香》剧照


现在照片中合唱队的呈现隐隐约约,是作为陪衬,又是作为整体出现的。但是一开始合唱队用了过于复杂的处理,有侧光、逆光,甚至还有点面光,因为想某些场面突出表演,但最后这种样式就把合唱队直接融入到戏剧整个环境里了。而导演本意恰恰就是想让这两块大东西作为陪衬,而不是积极介入戏剧场景里去。也就是灯光在这里不仅起到简单的照明作用,而是在解释整个剧本和导演的立意。现在剧照里看到的合唱队作为一个两侧很大的比例,只采用最简单的、弱弱的顶光照明,尽量单纯化、简单化,存在但又不是直接参与表演。包括后面的画幕,是很抽象的色彩,对这块抽象色彩的处理也是有意夸张它的感觉,而不是具象处理。


这一中一洋的舞台空间构成本身就带来了戏剧性,所以就强调这种戏剧性来拉大它的差别。灯光的作用要拉大这种中西的审美反差,这种反差不是融合,而是反差拉大以后从中获得一种审美的乐趣。主要体现在两方面,一种是人物光的处理。灯光首先将舞台四大块关系处理得非常明确,是对比、融合,这种大刀阔斧的处理在这个戏上比较明显。同时,人物处理追求细腻,强调人物的光影和明暗,以及光色和光强的疏密,光位叠加,错落有致。


这个戏的处理强调“ 不让舞台空间一览无余”。尤其群戏有特殊的处理,赋予群体戏强烈的画面感,也尝试了一些反常规的布光来追求层次的丰富性。在满足基本照明的情况下,满足群像人物的色彩对比,并且色的变化不是以自然为依据,而是以色彩的变化来呈现所谓的心理空间。为什么有这种感觉?因为后头绘有抽象色彩的弧形天幕以及中西对比符号都带给人一种抽象的思维,带给人一种反常规的思维。


还有一种是差异化的对比,强化整体空间的土洋相对,古典与现代相向的审美情趣。整个舞台画面融入油画般的绘画感,就是让整个戏二度呈现是很西洋,有点西味,但是表现内容都是很土的那种东西,让它自然在土和洋强烈的对比下产生审美的愉悦。观众看的时候和常规审美接受所谓思维定势上不一样,也是这部戏上想追求的味道。


秦腔《王贵与李香香》剧照


如上图中上场门的小锣小鼓和下场门角上的钢琴,本身这两种乐器的演奏风格完全不一样,整个戏就想强化这种差异。舞台中区人物的光影想强调黑和亮的反差,强调这种“不正常”的审美表现。而平台上人物,又想有亮度,又想和背景有所脱离,有所层次,所以用了顶光处理,而且人物本身也有红光。人物红光和背景红光的层次不是靠色相,是靠它本身同系色彩明暗的区别。


秦腔《王贵与李香香》剧照


舞美修岩老师既尊重戏曲的本体,也有很简洁的处理,又很西洋,半圆形的一块弧形天幕,是非常抽象的形象,还有色彩冷暖的关系。灯光处理尽量单纯化,从布光的角度来还原天幕的色彩。舞台地面也是做了斑驳的纹理,多少有一点点暖和冷搀和在一块,所以灯光不用复杂,地面本身的物理斑驳感、明暗感、冷暖感自然就会体现出来了。整个舞台画面色调偏冷,唯一偏暖的是一块红帷幕,也是想突出西洋的仪式感,冷暖就强调本身物质的颜色,有那么一块红帷幕,它和钢琴还有整个戏的气质和味道就体现出来了。

三、《敦煌女儿》


沪剧《敦煌女儿》这个戏创作起来很有意思。首先这个剧从导演到舞美到灯光都是很诗意的极简风格的处理,所有视觉形象的建立都是以最大的克制为原则。舞美上天幕和舞台后区的设计是三面环绕的盒装结构,形成高级灰似的大面积纯色,确实就像一个天井。灯光设计也力求干净、简洁,让舞台本身就能构成舞台意象,顶光照射下的三面盒设计空间在构成舞台空间外,也有人物心理空间的重要功能。


作为灯光设计最注重两点,一个是空间的表现。另外就是想表现这个空间的空间。但这部戏中,观众直接看到的这个景最醒目的视觉感受就是一大二白:第一个是巨大到根本都没有檐幕的大盒,第二个就是大面积景片的留白。这个三面盒子空间,立面侧光几乎都进不来,后面那个盒子又把逆光角度封掉了。正面的光虽然可以打一点,但是正面的光稍微不注意就会打到后面、侧面。另外盒子是三面纯白,无法控制反射光,很难控制光的色彩和亮度。


所以这个戏带来的挑战首先是决定灯光到底是以一种什么为主的投光方式,然后牵扯到是以什么投光系统方式解决。因为这个限制逆、侧包括杆上的侧光角度,稍不注意就直投了。如果是聚光消不掉光斑,如果是散光又无法控制光斑的漫反射。其次,这种大面积的纯色,视觉上不能过于强烈,靠凝固色彩肯定会把演员吃得特别小(当然除了结婚那场)。所以这个戏最大的一个关键点就是任何色彩、光线明暗的控制,都要非常小心,非常微妙,尤其要控制好反光和反光范围。


面对这类的舞美空间样式,灯光一定要大处着墨,大色快,大明暗,大变化,在这种大的情况下用光的特点是局部紧密,全局松弛。也就是说,全剧的灯光,没有强烈正面表现,都比较松弛,没有刻意着光的感觉,大多数场景都是大面积的处理,但在大面积处理上又有特别微妙和精准提神的东西,比如有些在整个色调下用小LED灯突出飞天局部,用这种微妙的色彩关系再和大的面积的做对比,飞天局部就起到了画龙点睛的作用。有些用光看着是松弛了,其实非常紧密。比如有场戏有一个实体的佛头,灯光要突出这个佛头,但是又不想这个佛头光秃秃挂在背景上。就要靠不同角度的光、特别微妙的色彩和不断调节的明暗,让它若隐若现和背景融为一体。


另外在光的大面积渲染上,如果设计者拿不准主意宁可不变,因为它动静太大,变起来整个空间都随之发生变化。也就是说设计时力求不露痕迹,以静制动,整体遵循克制的原则。而在需要烘托剧情、气氛的场景时,灯光变化又要令舞台空间发生惊天动地的变化。例如在全戏的最高潮——婚庆场景中以主观化的处理不遗余力地用原色红突出了白底,与整体的“不变”形成了强烈的对比。


《敦煌》灯光上处理的重点,不是要具象化表现什么东西,而是强调诗意化的感觉。背景大面积的白让舞台色彩特别纯粹,这种纯粹并不是色相上的艳丽,而是营造很干净的背景和人物。唯一色彩强调处理的就是二人结婚这一全剧最高潮的场面,经过有意识的,主观化的灯光处理把这个本来是很立体的房子,打成一个平面。因为比起具象地表现他的婚房本身,更想强调婚庆喜悦的气氛。


灯光有时候把景片整个大面积打平,有意让它平面化,有时候又有意强调立体,这些不同的处理都表现出对诗意化的追求。如下图,灯光把盒子两侧打亮,特意强调了空间的体积感。这场的难点就是不能要飞天的影子,并要保持飞天人物有一定的色彩关系,所以灯位反复调整。为什么反复强调布光方位?就拿最简单的,投这四个飞天的角度就要斟酌。它既要打亮飞天,又不能影响整个大的空间,盒状的空间,这个角度必然就要有所垂直,角度不能过于大,否则背景也亮了,最后需要四个灯单调。


沪剧《敦煌女儿》剧照


还有些场景是专门要影子的,这时的灯光角度也要加以考虑。就比如下图,这个影子要想被投在巨大的白面上,就要从不同角度试灯光高低,让它造成这种迷乱的感觉的同时,也不破坏整个调子。 


沪剧《敦煌女儿》剧照


有些又恰恰相反,灯光全力投向盒子中间那一块,旁边是靠微微的自然反光提供亮度。在不断调整光线强度来达到合适的反光亮度的同时,还要顾及到飞天的影子,这时光位的选择就变的尤为重要。所谓舞台画面中的高级灰、微妙,实际上就是灯光精雕细琢的成果。


第二稿加了一些投影卧佛的形象。不仅要对付整个反光问题,还要注意前面影像,将灯光控制在什么程度上能让整个舞台空间有很和谐,很安详,很宁静的感觉。这种明暗上的细腻处理和前面台口纱微妙、宁静富有诗意的关系是这个戏里头特别要小心的。


沪剧《敦煌女儿》剧照


总之,从舞台设计图和模型出来的时候,就要了解舞台空间的构成和特性,思考布光系统如何来完成这个景要达到的艺术追求。舞美给灯光的空间去如何布置就是这第一步,这一步想得越丰富、越完善,就越表明了灯光设计师对这个戏整个逻辑发展和舞台空间的认识,这样灯光才可能出现比较精彩或有特性的布光方式。


四、《醒狮》


舞剧《醒狮》非常有特点,它打破了一般舞剧的感觉。首先是对于作品整体戏剧性的追求,强调戏剧逻辑性。另外编导抛弃表面的舞蹈优美,利用舞剧的形态语汇来强烈表达戏剧冲突。从二度呈现上来说,分割空间的方式和分割空间的灵活以及舞美的构成也非常有特点。整个舞台把一个是特别巨大狮头骨架作为舞台主体形象,这一钢铁结构不仅可以上人,还可以整个转着推起来构成不同的舞台变化。最后从天上再下来一个带眼睛的,构成一个完整的狮头,在完整狮头的骨架上再靠灯光、靠投影呈现了一个完整狮头造型。


既然这个舞剧追求戏剧性,而戏剧性又强调人物的内心冲突,所以灯光载体是人物的命运,灯光运用的逻辑是紧紧依附于人物,突出每一个个体在造型形态中的生动感,同时从动态的布光结构中揭示人物内心矛盾和情绪的变化。光在不断地变化,不断推进戏剧性的发展,这是对这个戏人物光最大的追求。


另外编导在设计舞段时的理念,也让设计师产生了灯光处理的方法——尽量去除与人物命运无关的,多余的所谓技巧性动作和装饰性的语汇。编导挖掘了很多凳子舞、狮舞,但不是纯粹的技巧,而是从人物本身出发,有强烈合理的依附性。为此,灯光在处理这些舞段时尤为注重简洁。所谓简洁的标志就是突出主要人物的表演,尽量去除表面化的装饰效果,去除常用光色的修饰和干扰,尽量用光单纯,突出光的单一美感,不去突出光色对比,而注重光色本身色阶的强弱变化。而且光色不是为了所谓的美,都是为了人物去服务。


受到《醒狮》全剧气质和整个追求的出发点的启发,不管多柔美的舞段,不管单人还是双人,它总是充满力量感,充满张力,充满紧张感。整个戏灯光既渲染柔美抒情的舞段,也利用光的角度和单纯的光色,让它充满一种力量感。在群舞处理上也首先是大气氛的渲染,注重群体的雕塑感以及人物形体,考虑这个“大体积”在整个空间占的位置和突出的程度,而不是注重每个人物细节。


舞剧《醒狮》剧照


所有的力量感与舞台的明暗永远都依靠“对比”来达到所需的效果。比如下图剧照的调子,想表现红,并非将整个舞台染成铺天盖地的红色,而是用背景大面积压抑的黑突出红色的力量感,这样这个“劲儿”才使到了关键处。同时对人物的处理反而不是很突出,也是用有力量的白光把它提出来 

 

舞剧《醒狮》剧照


舞台空间基本上由放大的狮头龙骨构成,这样的构成方式使之具有通透感,并产生大面积切割舞台,使舞台空间发生大面积变化的效果。所以在光上处理这种庞然大物就有这么几点考虑:一个是突出显现的时候,就是想显示出这个结构,于是利用光源的方向、角度、还有光源高度变化表现这种材质自然的美感。而在不想突出显现狮头整体时,就利用了大量的电脑灯打碎这个结构的完整性。每次用光要有强烈的意识和处理的思路,到底是想解决哪一方面的问题。想让观众看清楚狮头的结构时,就去掉细碎的光线,让灯光大面积平铺。同时这东西巨大隐不掉,如果要隐掉只能推到最后区去,这时就要特别注重前区的照度和光的角度。


为了充分利用这个景镂空的特点,灯光设计还利用框架结构来造成自然投影,这种阴影丰富舞台整体空间的表现力和生动性。除了电脑灯本身图案以外,借助框架本身体积的投影来丰富舞台变化,使舞台效果非常自然。


舞剧《醒狮》剧照


这张剧照表现出的气氛十分有力量感,灯光使用非常整的白色光束来切割舞台,进行空间构图的处理。空间中的光束不靠色彩就能传达出强烈的力量感,同时利用狮头结构本身的透光性,打碎落在地上的光斑,使舞台画面虚实结合。


完整舞段的表现是完整戏剧的一环,而环环相扣最不需要的就是非戏剧因素的冲撞与干扰。灯光的作用是像串珠子一样,把剧中每一个逻辑点串成逻辑线上发展,而不是在逻辑线上发展的时候突出某一个灯光华丽的表现,换句话说灯光需要克制。


所谓的视觉对比与冲击是建立在视觉发展逻辑之上的因果关系,更是建立在戏剧发展逻辑之上的因果,重要的是在判断所有舞台因素之后建立起的视觉综合平衡,这是灯光设计最终发展到一定程度之后面临的一个问题。最终大家认为灯光在戏中的合适程度,实际上就检验了灯光设计对这个作品完整把握的程度。所有的东西依附在作品上才有意义,如果灯光脱离了作品环境,脱离了戏剧本体,表现得再好也没有实际意义,这两点是对这个戏比较深的考虑。从这点又说到刚才那个话题,就是对这个作品的气质走向的要有准确的把握,这是对一个灯光业务能力素质最鲜明的判断。


五、《花界人间》


舞台灯光对各种作品的把握还要有一定的技术支撑,得有能力实现所设想的艺术效果,舞剧《花界人间》就是一个成功案例。舞剧《花界人间》,根植于壮族传统文化,以花神信仰中“从花界来、到花界去”的生命哲学为创作基础,表现了人间的美好,演绎了某种邪恶势力被破坏,最终能够幡然醒悟这样一个寓意深刻的神话传说,歌颂了壮族人民勤劳、质朴、积极乐观生活态度,引发了观众对生命价值的思考。灯光设计以自己艺术的敏感性和对技术的熟练驾驭,营造了充满想象的花界和充满爱意的人间的舞台画面效果。


舞剧《花界人间》剧照


舞台上空有好多镜子,每一块都不一样,这些镜子通过不同角度反射到中间演员的身上。底下是演员群舞,舞台纵深可能有50多米,后面把防火墙打开把镜头延伸又加些平台。这种大场面的处理需要对视觉整体的把控,如何有效把人物打得漂亮之后又有效反到镜子上来是需要解决的技术问题。同时地面上也有非常复杂的颜色处理,吊杆上悬挂的四架投影灯将彩色的影像投在地面上,加上电脑灯所赋予的灯光变幻一同在舞台上构建了一片美轮美奂的“花界”。


灯光设计的另外一个特点就是对艺术、对视觉以及对整个作品的敏感性。   做光的时候跟舞美设计和导演,需要有很默契的合作,达到对艺术敏锐感觉的一致性。还有就是对光的敏锐性,舞台灯光稍纵即逝,灯光一出马上意识到这是自己想要的效果,在提高效率的同时也帮助整体灯光的表现。比如《醒狮》做光的时候,大的狮头的框架基础上,随便顺光、逆光一出,马上能感觉到要体现这个庞然大物也许是逆光突出的感觉最好。灯光设计要特别敏锐,从这敏锐的一点再去逐渐铺开创作思路,然后不断丰富这个思路。但是如果最开始那一点敏锐没有的话,创作方向感就很难找,就容易创作出平庸的作品。


舞剧《花界人间》剧照


比如这张剧照中的灯光其实没有很复杂,主要由一些beam灯、三合一电脑灯点缀一下,天幕的投影,不规则的侧幕条上的LED灯带组成。这些东西一出以后基本上构成了祭祀场面一开始凝重、带有神秘感的氛围。这种感觉有了以后立刻能抓住这一点进行发展,灯光只要顺着这个路子不会有多余很繁复的东西出来。


有些场面非常柔美,属于诗意的把握,完全是另外一种味道。这就考验了设计者对自然界的感悟。舞台后面是投影,依靠投影和前面演区的色调以及明暗的把握,最后产生了诗情画意的感觉。这都是同一个性质,同一个系列的感受。


舞剧《花界民间》剧照


比如这张剧照表现的是另外一种极致疏密、清淡、光线匀染的美感。在抓住这个感觉之后要及时和主创沟通这种感觉和味道,要得到认可。另外,做光的行业不是学术探讨,灯光效果做出来以后一些导演或者其他人不太满意,不用语言解释太多,因为灯光很难统一。能够在舞台上迅速转换另一个感觉,而且能特别贴近,这才是基本功和基本技能。


最后,舞台上一个一个静止状态之间的转换依靠的是灯光设计的逻辑思维。一张一张照片当然也不差,但是最重要的是一个场面一个场面在整个逻辑下是不是一个很顺的发展线,在整个舞剧逻辑发展当中,正是靠灯光作为黏合力推动戏剧的发展。场面和场面之间如何自然又合理地运转,这又是对灯光设计功力的考验。这是花界视觉的美感,也是不同剧种的需要,非常锻炼不同审美下技术展现的能力。






撰稿:田薇薇

审稿:叶皛

拍摄:张译月

责编:卫荣



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