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西岸艺博会作品赏析 | 玛利亚·拉斯尼格：画如其人 | 展位A122

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豪瑟沃斯荣幸呈献奥地利艺术家玛利亚·拉斯尼格（Maria Lassnig，1919 – 2014）的个展「画如其人」（You Paint As You Are），作为对其百年华诞的纪念。本次个展通过一系列创作于1987至2009年的精选作品，展现拉斯尼格如何不断从新视角看待世上的重大问题，并将这些问题与自己的生活联系起来。维也纳玛利亚·拉斯尼格基金会主席彼得·佩克什（Peter Pakesch）特别撰文，解读拉斯尼格的参展作品。

▲ 彼得·佩克什（Peter Pakesch），维也纳玛利亚·拉斯尼格基金会主席（Chairman of the Maria Lassnig Foundation, Vienna）

玛利亚·拉斯尼格
画如其人
Maria Lassnig
You Paint As You Are
西岸艺术与设计博览会
West Bund Art & Design
展位 Booth：A122
贵宾预览：
11月7日，中午12时至下午5时
11月8日，上午11时至中午12时
公众开放：
11月8日，中午12时至下午5时
11月9-10日，上午10时至下午7时
展览地点：
上海徐汇区龙腾大道2555号

相关阅读：西岸艺术与设计博览会 | 豪瑟沃斯 | 展位A122

▲ 点击观看视频《玛利亚·拉斯尼格：艺术家印象》：玛利亚·拉斯尼格基金会主席彼得·帕克什、拉斯尼格生前的学生及密友汉斯·维尔纳·波绍科、阿尔贝蒂纳博物馆「玛丽亚·拉斯尼格：存在之道」展览的策展人安东妮亚·霍舍曼及《玛利亚·拉斯尼格传记》一书的作者娜塔莉·莱特纳探讨拉斯尼格的人生经历与艺术创作。

玛利亚·拉斯尼格（1919-2014）的作品跨越七十年，从20世纪的现代主义延伸到了新的电子图像泛滥的千年。今天，我们越来越认识到拉斯尼格是这个新时代的早期先知。由于她的远见卓识，她在生命的最后阶段才得到了理解和赞赏。在国际知名机构举办的一系列回顾展深刻地展示了玛利亚·拉斯尼格近年来的开拓性地位。纽约现代艺术博物馆联合展馆（MoMA PS1），巴塞罗那安东尼·塔皮埃斯基金会艺术博物馆（Fundació Antoni Tàpies），利物浦泰特美术馆（Tate Liverpool），德国弗柯望博物馆（埃森市）（Museum Folkwang in Essen），布拉格国家画廊（National Gallery in Prague），巴塞尔美术馆（Kunstmuseum Basel），阿姆斯特丹市立博物馆（Stedelijk Museum），维也纳阿尔贝蒂娜博物馆（The Albertina Museum）—这些艺术博物馆都举办了回顾展。

▲ 「玛利亚·拉斯尼格：存在之道」（Maria Lassnig. Ways of Being）展览现场图，2019，阿姆斯特丹市立博物馆（Stedelijk Museum），荷兰阿姆斯特丹

▲ 「玛利亚·拉斯尼格：存在之道」（Maria Lassnig. Ways of Being）展览现场图，2019，阿尔贝蒂娜博物馆（The Albertina Museum），奥地利，维也纳

以集中的形式展示20世纪和21世纪最伟大的女性画家之一并将其介绍给广大市场既是一个有趣的挑战，但也是一个难题。可以将这样的呈现理解为进入视觉和物理感知的世界。玛利亚·拉斯尼格的特殊主题和方法是“身体意识”，通过这种方法，她找到了探索我们身体感觉的新方法。结合概念的清晰度和绘画技巧，它已成为研究和诠释经验和敏感性的独特作品。拉斯尼格通过对世界，时代主题和当今现实—尤其是通信技术的飞速发展—各个方面的无拘无束的好奇心，再次反制了内省。这些是甄选一小批杰作时需考虑的关键点。

例如，画作《悲剧中二人 / 戏剧中二人》（Tragisches Duett / Dramatisches Duett，1987）体现了拉斯尼格对身体的专注绘画的一般性问题，以及身体在空间中的真实和隐喻定位。当左边的人物积极地抓住空间时，右边的人物转身移开，以一种几乎处于萌芽状态的姿势蜷缩起来。

▲ 玛利亚·拉斯尼格，《悲剧中二人 / 戏剧中二人》[Tragisches Duett / Dramatisches Duett (Tragic Duet / Dramatic Duet)]，1987，油彩画布，200.1 × 205 × 2.7 厘米 / 78 3/4 × 80 3/4 × 1 1/8 英寸，? 玛利亚·拉斯尼格基金会，图片：玛利亚·拉斯尼格基金会、豪瑟沃斯

拉斯尼格通过不同的作品说明了同一个人（即艺术家本人）的两个或多个状态而呈现“不同类型的存在”。拉斯尼格于1960年代初试图与画布紧密接触以使整个身体正式感受到画布，迈出了解放绘画的重要一步。她经常直接躺在图片上，以便能够与绘画表面和颜色进行更直接的互动。后来，她重复了这个姿势来拍摄照片，并在这个绘画位置里上演自己。

▲ 玛利亚·拉斯尼格，《悲剧中二人 / 戏剧中二人》（局部）[Tragisches Duett / Dramatisches Duett (Tragic Duet / Dramatic Duet)]，1987，油彩画布，200.1 × 205 × 2.7 厘米 / 78 3/4 × 80 3/4 × 1 1/8 英寸，? 玛利亚·拉斯尼格基金会，图片：玛利亚·拉斯尼格基金会、豪瑟沃斯

布上的《悲剧中二人 / 戏剧中二人》人物体现了一种田园诗氛围或者在进行一场争论。布料也可以是较大空间中的帆布，两个人是图片或成像。《悲剧中二人 / 戏剧中二人》绘画第二个标题“戏剧中二人”反对田园诗氛围，认为我们方才是冲突的见证人。这是两个状况之间，两个人之间的冲突或更大的事物跟绘画乃至跟社会的冲突吗？所有这些都可在拉斯尼格的作品中共存并且不会相互矛盾。

在《嘲弄》（Verspottung，约1993-2009）中观众会看到截然不同的身体姿势，影射了它们之间的无助，互动和下流手势的暗号。同时，画家好像牢记了动物的“身体性”。她暗示四足步态，也暗示既可以呼唤对方，又可以表现出厌恶情绪的灵长类动物的“臀部秀”。拉斯尼格看到关于大自然和动物电视节目总是很高兴，也总是觉得自己和动物很亲近。这样呈现出高度认同和尊重的动物图像一直贯穿她的作品。这种深入研究可能是感情冲动的快照，但还经常涉及神话的维度—就像眼前这幅画作。但这些总是关于“存在”的问题。“像动物一样的”行为，“兽类”的存在关注人类心理，心理与心灵交流后就能感觉到精神流淌的状态。

▲ 玛利亚·拉斯尼格，《嘲弄》[Verspottung (Mockery)]，约1993 – 2009，油彩画布，105 × 100.2 × 2 厘米 / 41 3/8 × 39 1/2 × 3/4 英寸，? 玛利亚·拉斯尼格基金会，图片：玛利亚·拉斯尼格基金会、豪瑟沃斯

因此，玛利亚·拉斯尼格用一个令人讨厌的寓言影射了与她画廊老板的冲突。《小瓢虫与蜘蛛》（Marienk?ferchen und Spinne，1987年）反映了与当时的画廊老板意见相左。她自己说：“蜘蛛是我的画廊老板海克·库兹，长脖子；我是小瓢虫。”这场冲突已演变成令人毛骨悚然的童话般的境地—好像是童年的记忆。因此，拉斯尼格不仅反映了她与画廊老板的关系，还反映了她与那些想要她画片的人们，如策展人和收藏家的关系。在她的一生中，感到很困难让自己的“孩子”—她的画作—面世。但是，与此同时，她当然有兴趣看到她的画作得到欣赏并帮她取得圆满成功。结果就是个巨大的矛盾，拉斯尼格一辈子由于此矛盾忍受了越来越多的痛苦。与交易者的接触更加剧了这些痛苦，因为一方面她喜欢交易者，因为他们带来了生存所必需的成功和事业，另一方面交易者是失去画片的原因。作品一经售出就意味看失去—在拉斯尼格的眼中，她再也见不到她的画了。艺术家将这种情况看作是一种生存的戏剧，这是她无法解决的困境。

▲ 玛利亚·拉斯尼格，《小瓢虫与蜘蛛 / 小瓢虫，飞走吧！》[Marienk?ferchen und Spinne / Marienk?ferchen flieg furt! (Ladybug and Spider / Ladybug, Fly Away!)]，1987，油彩画布，200.3 × 145.2 × 2.5 厘米 / 78 7/8 × 57 1/8 × 1 英寸，? 玛利亚·拉斯尼格基金会，图片：玛利亚·拉斯尼格基金会、豪瑟沃斯

▲ 玛利亚·拉斯尼格，《小瓢虫与蜘蛛 / 小瓢虫，飞走吧！》（局部）[Marienk?ferchen und Spinne / Marienk?ferchen flieg furt! (Ladybug and Spider / Ladybug, Fly Away!)]，1987，油彩画布，200.3 × 145.2 × 2.5 厘米 / 78 7/8 × 57 1/8 × 1 英寸，? 玛利亚·拉斯尼格基金会，图片：玛利亚·拉斯尼格基金会、豪瑟沃斯

另一方面，当她在电视上观看滑雪者时，她对移动身体的兴趣与对体育神话的兴趣一样大。在《雪中二人》（Figuren im Schnee，约1995-2002）中感觉不到任何困境。相反，她也在此重拾对与画布互动的人物的兴趣。此处画布是滑雪者下雪的雪坡。拉斯尼格总是对她在电视上看到的大量图像着迷。体育赛事节目也包括在内，尤其如果体育赛事中出现能达到极致成就的身体。这构成了拉斯尼格的神话理解。但此处神话理解还含有讽刺意味。在大雪中“戏剧中二人“变成为一种特殊的动作行为。绘画方面体现了一种抽象，但就像往常一样，拉斯尼格实际上是解决了她的身体和画布之间的关系。将她艺术的基本主题转变为“非艺术”体育活动允许以闹剧形式体现幽默。

▲ 玛利亚·拉斯尼格，《雪中二人 / 滑雪者》[2 Figuren im Schnee / Schifahrer (2 Figures in the Snow / Skier)]，约1995 – 2002，油彩画布，125 × 100 × 2 厘米 / 49 1/4 × 39 3/8 × 3/4 英寸，? 玛利亚·拉斯尼格基金会，图片：玛利亚·拉斯尼格基金会、豪瑟沃斯

在《森林中的摩托车》（Motorrad im Wald，1987年）中，拉斯尼格将她自己展现成一个很有积极性的，很活跃的人物。她总是在乡下，在奥地利山区度过夏天，她的画室位于森林深处，在遥远的陡峭的斜坡上。为了保持灵活性，艺术家年龄已经很大时还自己骑小型摩托车。当她画这幅画时，她已经快70岁了。后来她还继续骑小型摩托车骑了几年。在交谈中，她热衷于与“机器”合而为一。还提到骑小型摩托车时——这是奥地利著名的轻便摩托车——她充满自信，让她感觉更加强烈。

▲ 玛利亚·拉斯尼格，《森林中的摩托车 / 摩托车手》[Motorrad im Wald / Motorradfahrer (Motorcycle in the Forest / Motorcyclist)]，1987，油彩画布，205 × 140 × 2.3 厘米 / 80 3/4 × 55 1/8 × 7/8 英寸，? 玛利亚·拉斯尼格基金会，图片：玛利亚·拉斯尼格基金会、豪瑟沃斯

拉斯尼格也总是谈起机械与物理之间的关系。她热衷于依赖机器的电影和孤独的绘画也佐证了这一点。“也许对比也吸引我。画家拍电影时，就很像是和尚在骑摩托车。” 拉斯尼格的身体与机器融合在一起，成为一体而穿过大自然。在她的作品中，我们经常看得到自我一个整体中的表现。可以变形并经历进化阶段的胚体也始终是她的绘画作品的主题。

▲ 玛利亚·拉斯尼格，《森林中的摩托车 / 摩托车手》（局部）[Motorrad im Wald / Motorradfahrer (Motorcycle in the Forest / Motorcyclist)]，1987，油彩画布，205 × 140 × 2.3 厘米 / 80 3/4 × 55 1/8 × 7/8 英寸，? 玛利亚·拉斯尼格基金会，图片：玛利亚·拉斯尼格基金会、豪瑟沃斯

因此，我们在《蓝色的柔软》（Blauer Weicher，1998）中所能看到的形式有模棱两可的可读性。标题介绍给我们的形式乍一看可以识别为柔软的蓝色无定形形状。如果再看一眼我们就可以将其视为躯干。如果再更仔细地看一眼，我们就在中央看得到一个示意性的自画像。艺术家应被理解为具有鼻子，嘴巴和下巴的带着头部的有生命之物。眼睛—如经常—被隐藏，头部上部发炎或受伤，呈红色及由被暗示的独眼巨人眼加冕。独眼巨人眼在拉斯尼格的作品中很常见。但是如果我们回看躯干，我们注意到指示性的肢体之一长成圆柱体。它的末端又连接到指向画片之外的杆上。因此，该主体似乎是机器的一部分。

▲ 玛利亚·拉斯尼格，《蓝色的柔软》[Blauer Weicher (The Blue Soft)]，1998，油彩画布，125 × 100 × 2.1 厘米 / 49 1/4 × 39 3/8 × 7/8 英寸，? 玛利亚·拉斯尼格基金会，图片：玛利亚·拉斯尼格基金会、豪瑟沃斯

我们在玛利亚·拉斯尼格的创作中一次又一次地遇到“人机”这一话题。话题也反映了艺术家对现代生活，技术成就，科幻小说和人工智能的兴趣。这种趋势令人印象深刻，但也有所掩饰，可以在《电 I》（Elektrizit?t I，1991）、《灯舟》（Lichtboot，1993）及《三片》（Drei Scheiben，1991）作品中看到。正如我们在《摩托车手》画片中已经所看到的那样，艺术家可以想象她的身体与机器是紧密相连的。那样的一些共生星座也通常在她的作品中找得到。拉斯尼格对那些共生星族的早期灵感来自她的朋友，伟大的奥地利作家奥斯瓦尔德·维纳的哲学思考以及1960年代的实验建筑作品。人体残骸和机器碎片的融合始终存在于她所用的象征手法。在提到的三张画中也可以找到这些碎片的融合，但形式更抽象。主体已变成为了有线通电的电源插座。

▲ 玛利亚·拉斯尼格，《电 I》[Elektrizit?t I (Electricity I)]，1991，油彩画布，200.3 × 144.9 × 2.1 厘米 / 78 7/8 × 57 × 7/8 英寸，? 玛利亚·拉斯尼格基金会，图片：玛利亚·拉斯尼格基金会、豪瑟沃斯

《电 I》以拉斯尼格标志性的柔和绿色和粉红色色调作画，是一幅自画像，审视着艺术家对机械的认同。盘面上是一个肉色的形状，同时呈现管状与凝胶状的，既是工具也是大脑。盘子周围弯曲的油漆条纹表明盘子在旋转：这是一个运动中的底座。各色的线条——静脉或金属丝——顺着模板向下延伸，穿透金属板。在这幅视觉效果惊人的画作中，拉斯尼格熟练地将人和机器压扁成一个单一的无定形的实体。

▲ 玛利亚·拉斯尼格，《电 I》（局部）[Elektrizit?t I (Electricity I)]，1991，油彩画布，200.3 × 144.9 × 2.1 厘米 / 78 7/8 × 57 × 7/8 英寸，? 玛利亚·拉斯尼格基金会，图片：玛利亚·拉斯尼格基金会、豪瑟沃斯

《灯舟》以粗线条的笔法及温暖的色调描绘了海上的一艘船。尽管拉斯尼格的绘图形式并不构成一个视觉上可感知的全面的身体，这个发光的轮廓呈蓝绿色与紫红色，使人联想到一种物质实体——头部。船体色彩鲜艳：桃花心木色调带紫罗兰色、浅绿色、紫红色、橙色和金色。两个系泊设备将船拴在适当的位置，而锚索上的绳索则向下盘绕到水深处。一艘通常负责协助安全沿海航行的船只在这里被点燃，从船体上部起伏的火浪被抽象化和扭曲，使人联想到海战和破坏的图像。拉斯尼格以她的笔触中的速度和能量呈现出一种狂热的能量和张力，这种张力是在她自己的身体里体验和表现出来的。

▲ 玛利亚·拉斯尼格，《灯舟》[Lichtboot (Lightboat)]，1993，油彩画布，200 × 144.1 × 2 厘米 / 78 3/4 × 56 3/4 × 3/4 英寸，? 玛利亚·拉斯尼格基金会，图片：玛利亚·拉斯尼格基金会、豪瑟沃斯

《灯舟》是一件富有戏剧性和感染力的作品，探索了拉斯尼格与外界事件接触的方式。拉斯尼格是外界力量渗透到其内部世界的一个罕见例子，她强调将身体变形为物体，作为一种情感探索的手段，来回应其周遭文化和政治的发展。这幅作品勇敢地暴露了拉斯尼格个人的思想、恐惧与梦魇，但也揭示了她对人类处境的深切关注，敏感地揭示着人们生活的不稳定性。

▲ 玛利亚·拉斯尼格，《灯舟》（局部）[Lichtboot (Lightboat)]，1993，油彩画布，200 × 144.1 × 2 厘米 / 78 3/4 × 56 3/4 × 3/4 英寸，? 玛利亚·拉斯尼格基金会，图片：玛利亚·拉斯尼格基金会、豪瑟沃斯

拉斯尼格对神经电流的生理学以及身体和大脑中的信号网络感兴趣。她很关心并忙于电刺激，也对电刺激怎么能作为一种疗法的问题很感兴趣。1994年，在阿姆斯特丹市立博物馆的展览目录中，拉斯尼格被引述如下：「意识可以使我们身体的每个地方焕发生命......神经生理学还没有揭示神经系统的所有秘密真让我放心。」

▲ 玛利亚·拉斯尼格，《三片》[Drei Scheiben (Three Discs)]，1991，油彩画布，125 × 100.1 × 2.1 厘米 / 49 1/4 × 39 3/8 × 7/8 英寸，? 玛利亚·拉斯尼格基金会，图片：玛利亚·拉斯尼格基金会、豪瑟沃斯

所有画作均展示了色彩的运用，这是拉斯尼格绘画的特殊品质之一。通常，她会通过色弦创造出强烈的情感特质，这不仅会极大地影响情绪，还会影响对图像的理解。在她发展的早期，拉斯尼格已经发现了色彩对其作品的重要性。她对颜色特别敏感，并且知道如何完美地使用它们来定义空间和形式——西方绘画的高超技巧，主要是在印象派色彩的演绎中得以实现。但拉斯尼格走得更远：她对颜色的敏感性具有某种通感，即结合完全不同的感知的不可思议的能力。因此，拉斯尼格将色彩视为感觉，并从情感和诗歌词汇中找到了词藻。她一生中一直与诗歌和诗歌语言的使用紧密相连。与诸如保罗·塞兰或弗里德里克·梅勒克等重要歌词作者的友谊早已成了传奇。

艺术家在《悲哀》（Trauer，2004）中沉痛哀悼谁的去世，我们只能猜测。在与2000年相似的主题中，另一个世界人物可以被确定为德国画家阿诺德·戴达洛斯·万德，他是玛利亚·拉斯尼格童年时的所爱。无论如何，这真是强烈的哀悼，颜色也让我们直接感受到那种悲哀。左边是具有典型姿势的人物，是许多简洁加密的自画像之一。一堵墙，也可以看作是画布，看作是一幅图像，将她与死者分开。分离元素也许会反射回来，反射死者回来。强烈的红色和绿色，紫色和灰色反映出绝望和悲伤，忧伤和失落。