刘建华最新个展“1342ºC”今日于OCAT深圳馆开幕

中国当代艺术家刘建华个展“1342ºC——刘建华作品”今日于OCAT深圳馆隆重开幕。此次展览为“艺术家个案研究”及“OCAT15周年”系列项目的一部分，由冯博一与王景担任策展人。“1342ºC”是烧制陶瓷时相对的最高窑温。以“1342ºC”作为艺术家最新个展的题目和对应OCAT深圳馆艺术家个案研究系列，意味着他的这次展览作品以“陶瓷”为媒介的规定性，而陶瓷材质和窑变的不确定特点，恰好可以比附刘建华多年利用陶瓷进行不断艺术实验的“熔点”过程和结果，也涉及到他在中国当代艺术生态中一个视觉“燃点”的活跃程度。本次展览将持续展出至2020年4月7日。

“1342ºC——刘建华作品”展览现场，2019年12月8日 - 2020年4月7日，OCAT深圳馆 © 刘建华工作室

展览共呈现艺术家十一件作品，其中包括三件从未展出过的新作，分别为《沙》、《线条》，及《颜色》，均于今年完成创作。刘建华将传统与当代、自然与日常的态度和感受沉淀为这些陶瓷“物品”的釉面底色，以返璞归真和浑然天成的实验方式，在既熟悉又陌生的隔空里，呈现出人与物之间具体而微的日常生活之中。并超然物外地体悟出耐人寻味的视觉认知，抑或透过时光的浮尘去发现、思考我们习以为常的现实处境。

伴随着“1342ºC——刘建华作品”展览开幕，一场座谈会将于12月8日在OCAT深圳图书馆展开，讨论艺术家如何将对传统与当代、自然与日常的感受、理解沉淀为这些“物品”的陶瓷釉面底色，并以返璞归真的“炼物”方式，浑然天成地体现在人与物之间具体而微的创作之中，以及在熟悉与陌生的临界点上，超然物外地体悟出耐人寻味的视觉认知。

刘建华，“沙”，2012-2019，陶瓷、耐火材料，可变尺寸 © 刘建华工作室

“在我的作品中，用材料来模拟自然现实中的视觉场景，给人产生幻觉感，似乎成了作品语言和形式表达的一部分。但作品的核心指向当然是其内在的思考和观念。在东方文化形态中，以物拟人的内心感受及状态始终伴随作品的精神核心，但所有又与现实密不可分。这些用瓷制作的一堆堆沙的形，既虚幻又清晰，既遥远又现实，给人一种挥之不去的视觉感受和现实思考。”

——刘建华

《线条》

刘建华，“线条”，2015-2019，瓷，可变尺寸 © 刘建华

“线条是中国传统绘画、书法中最基本的呈现方式。在西方的艺术发展中，它又可以说是现代艺术的起端，到抽象表现，极少主义时线条抽离出来成为形式的可能。而东方艺术运用线条可以传递自然、紧张、宁静、飘逸和力量等不同的视觉表达。我想用一种最传统的材料提炼出从现代到当代的视觉表达过程，而在这个繁杂的过程和情绪中，材料的转换颠覆以往对材料认识上的视觉经验（材料上、线条表达上）最终以简洁、轻松的视觉方式来进行，而材料的易碎和形态的综合感受，也挑动人们的脆弱神经，与现实相关。”

——刘建华

《颜色》

“我一直想用瓷的材料来呈现颜色的形态，之所以产生这个想法，瓷的单一性与颜色的多元性，及当今人们对颜色此类词汇和元素的多重运用及理解。用瓷来呈现，瓷泥的材料从自然界中的采集、冶炼、加工的过程，及到制瓷最初的人工揉泥的形态，有如把个人对物的理解，通过行为方式不断积累，最后形成一种物质的纯度，并用这种纯度塑造精神的高度。揉泥的行为从古沿用至今，过程似乎是一种对物膜拜中的敬仰，希望达到作品表面宁静而内在力量并置的状态及可能。从自然的形态中找到事物的哲理性，否定既有的判断和现成的经验，带给人们对现实世界更多的认知。”

——刘建华

极度干燥——关于刘建华的艺术

撰文：冯博一

 “1342ºC”是烧制陶瓷时相对的最高窑温。以“1342ºC”作为刘建华最新个展的题目和对应OCAT深圳馆艺术家个案研究系列，意味着他的这次展览作品以“陶瓷”为媒介的规定性，而陶瓷材质和窑变的不确定特点，恰好可以比附刘建华多年利用陶瓷进行不断艺术实验的“熔点”过程和结果，也涉及到他在中国当代艺术生态中一个视觉“燃点”的活跃程度，包括从陶瓷烧制的技术手段、方法到作品的具体形态，从媒材利用到视觉语言实验，从展览空间到陈列方式等等。由此构成了刘建华这次个展在探寻传统与当代、物质与视觉文化之间关系的一种内在逻辑和多维的呈现。

在中国传统文化里，金木水火土中的“土与火”是构成物质世界的基本元素，也是看待物质世界的一种文化符号和象征。陶瓷作为“土与火”的具体物质材料，始终与刘建华的生存、成长与创作经历息息相关。刘建华将陶瓷作为物质的一种元素纳入到的他的艺术创作中，是他一直以来对陶瓷媒介的敏感、觉知和驾轻就熟的把握。刘建华近年来的创作，其中一个主要系列作品具有比较明显的观念和视觉的转向，并具体体现在他的这次个展之中。这些作品早已摆脱了艳俗艺术的夸张与反讽，也没有延续他以往写实主义和社会学考察的表现手法。看似没有明确的现实文化针对性，而是将传统陶瓷形制的器物，例如《容器》《盈》，以及与我们日常生活密切相关的《白纸》《绳子》《2012年末》，尤其是自然之物，如《落叶》《雾凇》《沙》等作品，通过陶瓷不断实验烧制的技术，转化为一种逼真的日常生活或自然界中器与物的原生态，真实且自然地将简单、质朴的细节糅合在一起，而钟情于器物本身的材料属性和魅力。就作品的主题结构而言，绝非宏大叙事，也并非我们普通社会生活之外的东西，似乎是很随意地给予塑造，而没有留下所谓文化指向的痕迹，甚至会给观者造成一种错觉，以为艺术家的工作是毫无作为的，只是在享受着被陶瓷转换后的质感和手工翻制、塑造所带来的意外与惊喜。其实不然，这些作品中，刘建华并不刻意追求陶瓷器物的釉面表象，也避免了陷入个人化的趣味。从艺术表现方面来说，看似不经意的地方，其实是用了力的，只是给人一种返璞归真、浑然天成的感觉。王晓松说：“刘建华艺术的一个重要来源是对日常生活的体验，他用大家都熟悉的材料对生活中的寻常之物进行‘脱胎换骨’，在陌生的空间中创造特别的‘无意义’。”（见《不舍皮相：刘建华的2008-2018》第64 页，王晓松编著。上海三联书店2019年3月第1版）在我看来，这种具有复制、重构的转化方式，既改变了陶瓷作为物质的功能和性质，也超越了传统陶艺的单一样式，而成为记录自然、时间和记忆痕迹的一种标识，甚至直接对应和测度着自然与生态的沧桑变化。如他在景德镇陶瓷厂学徒时将陶泥反复摔打而成为《颜色》的堆积和汇集的斑斓形态，或许这反而构成了他创作的作品在视觉上的朴素、纯粹和极度干燥的内在力量。有形的物品在刘建华的这些作品中，被无形的东西渐变为他不露声色的洞察与表现力度。换句话说，刘建华没有把对时间、空间的表现限制在记录的层面上，他也不满足于把媒介转换为一种简单的视觉形象，而是他把对自然、生活的态度和感受沉淀为“物品”的底色，超然物外地透过时光的浮尘去发现、思考我们习以为常的现实处境。因此，他是非常真实地表现了现实状态下的内心世界，可谓是一种在内心折射的抽象表现。

刘建华，“绳子”，2012-2015，瓷，192 x 14 x 3.5 cms © 刘建华

这就给当下的艺术创作提出了新的要求。因为，我们以往太注重艺术的针对性、作品的符号性，好像只有明确的现实隐喻与象征、批判与揭露才是艺术家、作品与观众进行交流的唯一基础和前提。而在刘建华的这些作品里，他是以低物质的视角，通过陶瓷复杂的工艺烧制来直面并呈现日常“物质”的自然状态，如《骨头》《白纸》；他是从传统文化资源和个人创作经验中，抽离或剪裁物质的碎片去释怀他对人文生态的关照情怀，如《容器》《2012年末》；甚至对陶瓷材质和视觉语言的青睐替代了物件本身的兴趣，如《迹象》《线条》等等。这是在“互为塑造”的关系上对原有物表现方式的颠覆与拆解。我一直以为，在当代艺术的创作领域，对当代社会和文化的敏感将导致旧有观念的改变，而对材料与媒介的敏感将导致作品语言方式及形态的变异。因此，刘建华的这种实验，一方面提供

了多元的创作意识来重新认识我们的日常经验，重新认识我们的现实与自然的生活；另一方面在物质内部处理物质，用物质本身的能量破坏它们的控制力，从而改变了以往自然属性的作用方向，揭示了已被接受的视觉模式的局限性，而对物质单一形态进行解构。使这些耳熟能详的物质所提供的标准变得短暂而不可靠，也在熟悉与陌生的交汇点上，体会出更耐人寻味的感知。刘建华说：“我想表现的并不是一个现实的场景，而是通过自然的常态、我们熟悉的现象来让人们去思考跟生命和时间以及个人情感的很多方面的一个感受。大家在看到落叶的时候既熟悉，又有一种陌生感。熟悉是因为落叶的这种形式，陌生感是因为它展览的方式，在美术馆、在不同的空间里面的展示，它提醒人们去感受很多不同的体验。”（同上，第250页）

如果从我们所处的时代背景考察刘建华创作的形态转向，这既是他对以往创作直接投射“现实”的可能性反思，并导致了他对艺术表现题材的复杂性再认识，具有艺术与现实复杂想象关系的重置；同时，也是关注现实生活的具体性，致使一种自然的物质和日常生活的特色开始呈现出来。这在中国经济崛起的时代强调日常生活的意义的背景下才成为可能，从而在现代性宏伟叙事中被忽略和被压抑的自然状态变成了艺术表现的主要关注点之一，并赋予了不同寻常的价值和意义。这种对自然与日常生活的再发现，以及通过对自然物象的摹写，将日常生活的琐碎细节和消费的价值被凸显出来，自然生命的历史和个体生命的书写被赋予了越来越大的意义。这并非是传统人文主义式宏大“主体”的展开，而是一种个人生存经验对物质形态的表达，这种经验不是一种对于现实的彻底反抗，而是在同自然世界的辩证关系中获取。刘建华表现的不仅是一种“物化”的情结，而是具有了具体的可量度的空间，即以一种非政治化的、普遍风尚和习俗的形式将个人发展、即时满足、追逐变化等特定价值观念，合理化为个人日常生活中的自由选择。因此，尽管他不是直接地表现现实的复杂，这也许反而成就了他的创作：隐逸于喧嚣的现实使他的艺术保留了寓情的细末微节，凸现了他视觉语言的质感与神秘——我们在观看他的作品时常常会遭遇到这样的细末微节。当然，这也和新的资本逻辑从实物经济的“物化”转向了虚拟经济的所谓“新经济”的抽象和虚拟的“物化”时代有关。但其实质则折射了获得宽泛概念的“物质”满足与快乐之后，恰恰是丧失了自然生存的安全感，以及焦虑、纠结等虚空的感受，如同他的《遗弃》所设置的废墟现场一般。所以，刘建华这次展览的作品，从某种程度上动摇了有关艺术创作的许多宏伟想象，也因此，更纯粹或“极度干燥”的语境成为他艺术创作的基本态度与立场。

刘建华1989年毕业于江西景德镇陶瓷学院（现景德镇陶瓷大学）美术系雕塑专业，1989年至2004年在昆明云南艺术学院美术学院雕塑系任教；2004年起至今在上海大学美术学院雕塑系任教，现生活、工作于中国上海。

刘建华以综合材料为主要媒介，是中国当代艺术领域最具实验性、代表性的艺术家之一。1989年大学毕业后，他尝试在当代背景下进行实验性的创作。刘建华的陶瓷和综合材料作品反映了近年来不断困扰中国的经济和社会变化。他的《日常·易碎》系列于2003年威尼斯双年展中国馆中首次展出，刘建华将日常用品复制成外表和象征意义大于实用性的神秘物体。2008年，他一反先前多年对全球化及中国社会急剧转型引发的诸多问题、焦点的近距离直接关注，提出“无意义、无内容”的理念来进行创作，从2008年作品《无题》开始了一个全新方向的探索，并形成了当代艺术创作的个人语言体系。

刘建华作品受邀参加2019年洛杉矶郡立艺术博物馆巡展、2018年意大利那不勒斯Made in Cloister基金会个展、新加坡国家美术馆极简主义主题展、2017年第57届威尼斯双年展主题展、日本第六届越后妻有大地艺术祭三年展、第一届基辅当代艺术双年展、意大利第十四届卡拉拉国际雕塑双年展、第十七届悉尼双年展、加拿大2009年温哥华双年展、第三届南京三年展、第二届莫斯科双年展、第一届新加坡双年展、第六届上海双年展、2006 釜山双年展、第50届威尼斯双年展中国馆等展览，以及由英国泰特现代美术馆、法国蓬皮杜艺术中心、旧金山亚洲艺术博物馆、丹麦奥胡斯美术馆、日本东京森美术馆、英国泰特利物浦美术馆、北京尤伦斯当代艺术中心、上海当代艺术博物馆、瑞士伯尔尼艺术博物馆、香港艺术中心、北京今日美术馆、上海美术馆、上海当代艺术馆、深圳华美术馆、德国德累斯顿国家艺术收藏馆、深圳美术馆、广东美术馆、北京中国美术馆、荷兰格罗宁根艺术博物馆、奥地利维也纳路德维希当代美术馆、荷兰眼镜蛇当代艺术美术馆、奥地利埃舍尔收藏博物馆、德国汉堡当代美术馆、都柏林爱尔兰现代美术馆、法国马赛现代艺术博物馆等机构举办的展览。

刘建华作品还被美国纽约现代艺术博物馆（MOMA）、英国伦敦泰特现代美术馆、英国伦敦维多利亚与阿尔伯特美术馆（V&A）、美国旧金山亚洲艺术博物馆、美国南加州大学亚太博物馆、澳大利亚悉尼白兔艺术中心、迪奥巴黎总部、路威酩轩艺术基金会、意大利佛罗伦萨萨尔瓦多·菲拉格慕博物馆、K11艺术基金会、挪威俾尔根KODE美术馆、香港M+美术馆、上海余德耀美术馆、上海浦江华侨城、日本十和田市美术馆、纽约古根海姆美术馆、澳大利亚悉尼新南威尔士艺术博物馆、中国上海世博会组委会、中国上海陆家嘴环球金融中心、西班牙国家银行艺术中心、北京今日美术馆、深圳美术馆、广东美术馆、澳大利亚昆士兰美术馆、日本原美术馆、中国香港中国会、深圳何香凝美术馆等公共机构和私人收藏。

欢迎致函了解艺术家作品收藏信息，或关注佩斯微信获取更多现当代艺术资讯。

邮件：hongkong@pacegallery.com

作为全球最知名的当代艺术画廊，佩斯画廊自 1960 年创立以来，始终扮演着艺术界生力军的角色，代理了众多二十至二十一世纪最为重要的艺术家及艺术家基金会，创造了卓越的精神财富。佩斯画廊在全球设立了展览空间及办公室，包括纽约、伦敦、日内瓦、帕罗奥多、北京、香港及首尔，并于 2019 年 9 月在纽约曼哈顿启动了一栋八层高的全新旗舰大厦。在即将步入第七个十年之际，佩斯画廊将继续秉承其使命，为全球最具影响力和创造力的艺术家提供支持，并与全世界的人们共同分享这些具有时代前瞻性的艺术创作。为不断推进这一使命，佩斯画廊将积极开展全球范围内的艺术计划，包括大型展览、艺术家项目、公共装置、机构合作、策展研究及写作等。