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[ OCAT工作室 | 活动回顾 ] 卢恒:一些思考,一些观看,一些在交通中的平静时刻

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“OCAT工作室周”讲座 ——“我在楼下的超市买的那盒速溶咖啡和我在前往深圳的飞机上喝的是同一种:一些思考,一些观看,一些在交通中的平静时刻”于2019年11月30日在OCAT深圳馆图书馆举行,文章根据主讲人卢恒讲座现场录音整理编辑而成。



卢恒在对谈现场


给讲座起这个标题是因为在过去的几年里,国内海外不断地飞行、不断地改变地点而引发,飞机上的时间上会成为一种过渡——一个去重新适应另一个城市的间断。我发现每次坐国内的航班,空服人员都会给我非常甜的咖啡,那种事先加好糖的咖啡,虽然每次我都表示想要无糖黑咖啡,但他们还是给我非常甜的,甚至会另给更多的糖包。这种口味是很特别的,因为我在其他地方从来没有喝过。后来我去超市买咖啡,我发现它们的味道很接近。一件东西在不同的背景下产生不同的意义。咖啡对我来说是一件非常重要的东西,因为每天早上都需要它。喝咖啡这样的生活细节,如今已是一些人生活中很重要的部分,在地球的每一端都有着非常不同的表现方式。



今天我跟大家分享一下我近期策划和参与策划的一些项目,讲一讲对我的实践有影响和启发的作品。我现在主要是在加拿大工作,目前在多伦多运营一个艺术集体,名为“Call Again”,并在温哥华的Centre A:Vancouver International Centre for Contemporary Asian Art(温哥华当代亚洲艺术国际中心)任策展人一职。Centre A虽然是展示亚洲当代艺术的平台,但也会持续关注海外的亚裔艺术家的创作。我在深圳出生长大,到加拿大读书以后就留在了加拿大工作。其实一开始我是学艺术实践的,所以当我真正进入策展行业的时候,会以艺术家的眼光看待一些问题,策展的时候也会介于策展人和艺术家之间这种互动、沟通和交流的工作方式来探讨一些问题。


接下来我想先介绍一下2017年我在多伦多大学美术馆策划的一个群展。这个展览呈现了很多我想要表达的有关生存的状态。参展的艺术家都是不同背景在加拿大出生长大或来到加拿大生活工作的华裔。“华裔”一词在此不单指有中国大陆背景的身份,更是在“华裔”框架中不同族群的身份表现。展览的名字叫作“Far and Near: the Distance(s) between Us“, 当时我是想把中文名字翻译得矫情一点,所以名字叫作“那么远,又那么近:我们之间的距离”。流行文化对我来说影响非常深远,特别是港台的流行文化,包括琼瑶的小说、电视剧等。在我读中学时流行的“伤痕文学”、青春文学,对我自身在文化敏感度上的影响都非常大。其实在我做自己的艺术作品时,很多时候可能会比较自我甚至用一种“喃喃自语”的表现方式,一般给项目起名字都会以一些流水帐、意识流的形式去表达,甚至有时会用无厘头的方式去接触一个项目。这个展览的基点是加拿大20世纪90年代的时候,有色人种身份政治到达一个顶峰。80年代晚期,加拿大采取了多元文化,就是我们今天所熟知的Multiculturalism(多元文化主义)。在这之前有一段时期其实加拿大对亚裔人群是刻意排斥甚至驱逐的,比如说人头税(Head Tax),可能大家都听说过,以前中国人去加拿大都要交人头税,当时税款己高达每人500加元,从1885年到1923年都在执行这个税法。当年有很多铁路工人从中国去往加拿大,帮忙修建加拿大跨太平洋铁路,当时这些铁路工人的薪酬非常低,很多人后来想要留下来生活,但就因为加拿大收取的人头税太高,他们中有些人没有这个经济条件而离开。


之后从1923年有一个专门针对华裔的移民法案出台,“排华案”曾非常流行,以至从1923年到1947年间,除了少数几种移民的形式,比如留学生或是外交等,其他的移民都是被禁止的。对亚裔的排斥和偏见在二战时期就已存在,特别是“珍珠港事件”发生之后,出现对日裔的加拿大人群囚禁、隔离或是没收他们的财产,之前很多日裔加拿大人在当地出生,其实跟日本国是没有太大关系的。纵观加拿大的历史,对亚裔的排斥是非常显著的,即使在当今社会,政府虽然要求实行多元文化发展,其实是从另一个方面遮蔽了各个族群的独立性,遮蔽了所谓主流社会对亚裔群体的歧视,并且将不同的文化格式化。


温哥华艺术家Paul Wong(黄柏武)在1990年组织了一个叫作“黄祸:再考虑”(Yellow Peril: Reconsidered)的展览,当时是由一个艺术家运营中心(Artist-run centre)组织在加拿大各地的一个巡回展,包括25位亚裔加拿大艺术家,其中有越南裔、韩裔、华裔等。“那么远,又那么近:我们之间的距离”展的基础就是以“黄祸:再考虑”展览进行一种重新思考,反映和反思了一些残存的历史和进行中的现实,承认或者是不承认一些过去的事件。


Ho Tam, The Yellow Pages, video, silent; 07:42 min, 1994, courtesy of the artist

谭浩,黄页,1994年,视频(无声),7分42秒,图片由艺术家提供


展览的第一件作品是温哥华的艺术家Ho Tam(谭浩)的,他做的作品"黄页"(The Yellow Pages, 1994)是以一本书的形式展现,后来又变成了一个影像作品。谭浩以26个英文字母为基础,选取了26个单词,都是与对亚裔文化及群体的固有影响相连接的26个词,然后配有带有歧视性的图像来反讽将亚裔文化边缘化。

  Alvis Choi, ALIEN IN RESIDENCE AT VALUE VILLAGE, 行为(performance), 2014, 图片由艺术家提供(courtesy of the artist)


Alvis Choi(Alvis Parsley)是一位在多伦多生活主要是以行为为媒介的艺术家。2014年,Alvis在加拿大一家二手商店做了一个表演作品“Alien in Residence at Value Village”,把自己扮成一个绿色皮肤的外星人。Alvis在店里跟那些前去购物的人说它来自另一个星球,并请这些购物的人帮它挑选鞋子、衣服,最后付款结束的时候,说声“谢谢大家帮我挑选的装束,我先撤了”。

Chih-Chien Wang, Jelly Project #1 – A Collective Body, 2008. Multi-media installation, dimensions variable, courtesy of the artist

王志坚,Jelly Project #1 – A Collective Body,2008年,多媒体装置,尺寸可变,图片由艺术家提供


Chih-Chien Wang(王志坚)是一位在蒙特利尔的台湾地区华裔艺术家,他在2008年以中加建交为契机,在蒙特利尔的Concordia University为一个群展创作了一件作品“Jelly Project #1 – A Collective Body”。作品以啫喱(果冻)为连接点:他认为啫喱是一种可以记录现场气氛、声音、空气的媒介,一种带有记录性质的物质。作为台湾艺术家,他当时住在唐人街的一栋80%都是中国大陆籍的华人公寓大楼内,他在电梯里面贴了一张公告,说“我想了解你们更多,我想去你家跟你聊天,在聊天的同时我将制作啫喱”,这个只是他当时的一个想法。作品最初在2008年是以真的制作啫喱为形式参展;在2017年展览的时候更多的是以文献(或记录)的方式呈现,他把当时谈话所做的笔记,有几百页之多都贴在了墙上,并附上当时在公寓公共空间拍摄的一些图片。


 Will Kwan, If All You Have is a Hammer, Everything Looks Like a Nail, 3-channel video, 2013, courtesy of the artist


多伦多艺术家Will Kwan的作品“If All You Have is a hammer,Everything Looks Like a Nail”(如果你所有的东西只是一把锤子,其他的东西看起来都像一个钉子)。这是一个三屏视频作品,视频左屏有一个正想去看房子的亚裔男士,右屏这位白人女士是房屋中介,整个过程是开车去接要买房子的人,去多伦多一个房价很贵的地方看房子,这段对话就是表现“尬聊”,比如中介问看房人“你是哪里人?都喜欢吃些什么?”左屏看房人说“我是香港来的”,于是右边屏幕就会出现维多利亚港的图像,中间屏幕是记录整个开车时的对话过程,两边的屏幕呈现对话者彼此之间文化中存留的一些固有印象的图像或者短视频。


这个展览中还有一件是蒙特利尔的艺术家Karen Tam(谭嘉文)的装置作品。


Karen Tam, Gold Mountain Restaurant Montagne d'Or, installation, 2017 (First edition from 2003)

谭嘉文,Gold Mountain Restaurant Montagne d'Or(金山酒家),2017年(第一版本来自2003年)


这个叫“金山酒家”(Gold Mountain Restaurant Montagne d'Or)的作品,表现形式是一个看似中餐馆的空间,以装置的方式展示出来。这个空间其实是一间画廊,艺术家从学校里面搬来一些椅子、桌子等二手家具,专门订做了这些灯笼,并插入了带有玩味意义特质的菜单之类的物件,把这个空间变成了一间中餐厅。Karen Tam的父亲在上世纪七八十年代在蒙特利尔开了一间中餐馆,她自己当时就在父亲的餐厅帮忙,这件装置作品的完成基于她对当时的视觉记忆和自身体验。左边这张图可以看见一个棕色的前台,但其实是我们当时布展的时候临时买了几根木头搭建的,后面全是空的,有些虽然看起来像木头,其实也就是贴纸,还有收银机器都是找别人借的。其实做的这些东西要么是假的,要么是已经被认为是文化代表的一些物品,但是把这些物品进行重新的调整,它们就形成了一个所谓被视为“中餐馆”的空间。从前台走过去有一个小的房间,里边是一些空的味精袋子。早期在北美,味精是被西方用来攻击中餐馆的载体,他们认为中餐馆是因为使用味精调整了菜品的味道使顾客上瘾大家才都去中餐馆,甚至有所谓的科学文章提出了“中餐馆综合症”(Chinese restaurant syndrome),其实是一种带有种族偏见的言论。味精实际上不单只是出现在中餐馆,所有类型的餐馆或多或少都有使用。味精在当时被种族化了,并用来攻击中餐馆,其主要原因还是认为中餐馆抢走了白人餐馆的生意。


在这个装置作品里边,其实还有一位多伦多摄影师Morris Lum在多伦多唐人街拍摄的建筑和空间相片。在这里,我们把它们嵌入Karen Tam的装置作品中是带有些许讽刺意味的,因为这些华裔的空间容易被形式化,他虽然是作为一个华人艺术家对华人的空间作的一些记录,但是他的记录在装置里边变成了装置的一部分。那么多人在北美、在多伦多,还有西海岸及当初淘金热的一些地方,Morris去记录正在消逝的唐人街,被土地士绅化给排挤的餐厅空间,可能对这些图像有一些新的想象。


Morris Lum, Wong Kung Har Wun Jun Association, Toronto, 2016. Archival pigment print, 101 cm x 1.27 m, courtesy of the artist

展览现场


回到我刚才提及的一些问题,作为这个展览的一部分,我也收集了一些亚裔当代艺术的文献资料,包括一些以前的展览目录,还有一些学术性的出版物。远处这一幅油画是温哥华艺术家Ken Lum(林荫庭)的一件早期作品,可能我们完全看不懂这件作品在表达什么,画面中是一些不成立的词语,但是通过用不同的字体和颜色来表现,可能让我们想起街边路牌或一些商店的名字,所以有一种似曾相识的感觉,但是又无法辨认是什么内容,画面的背景以灰色、黄色为主,类似“牢笼”的形式,从某种程度上表达了在一个似曾相识的地方,却有种无法了解周遭信息的感觉。


  展览现场


2018年,我和我的搭档伍妍婧做了一个展览“OMG, it’s a Party!”这个展览对我后来的一些项目在基调上有一定的影响。因为之前在多伦多大学美术馆的展览是一个比较具有历史性,甚至有一些沉重的展览,我在想象一些年轻的艺术家和实践者,他们在当今世界,在新的全球化移民的背景下,身份和文化的演变成为一种需要在更大的平台去讨论和意会这种文化的偏见或者是比较新的想法,所以当时我们尝试去探索年轻一点的艺术家的实践艺术作品。给这个展览起名“OMG, it’s a Party!”其实是带有玩乐性的成分,因为party这个词的中文意思不只是“派对、聚会”,还有“帮派”或者是“党派”的意思,我们想通过这种两面性去探讨一些问题,对这样一种概念交合的探讨。


 展览现场:啾小组方迪,“冲上云霄”


这是深圳的艺术家方迪,他是艺术集体“啾小组”中的一员。他的作品“冲上云霄”讲的是三位空姐知道了她们乘坐的飞机运送了一种新型的病毒,一旦飞机着陆,这种病毒将作为政治手段被利用,于是她们就吞下病毒,立刻变得兴奋跟疯癫,在病毒的作用下party。


Jennifer Chan, Body Party, 2015, courtesy of the artist


这是多伦多艺术家Jennifer Chan的作品,这个作品叫“Body Party”。艺术家在网络上搜寻了各种男性躯体的图片,点缀一些兰花图,拼成了一张图像拼贴,然后印在布料上,铺在一张床垫上。这件作品作为Jennifer以女性身份在女权主义问题持续研究的一部分,带出了一种在肉体上的体验和非连接性。


一直以来,我会关注一些在城市中的人群,在一个快速发展的城市,通过改变地点、转换空间,还有情感上的变化影响我们的想法而改变位置,这成了人们的一种生活方式。我也会关注一些比较私人的家庭空间,还有对家庭背景的一些探讨。


通过“Call Again”也会组织一些放映活动:


 Karin Lee, Comrade Dad, 2005, courtesy of the artist

李嘉慈,Comrade Dad,2005年,短片,图片由艺术家提供。


这是温哥华艺术家Karin Lee(李嘉慈)的短片《父亲同志》。Karin在加拿大出生、成长,后来作为北京大学交换生在中国生活了两年。她的父亲是一位共产党员,20世纪60年代中期至80年代初期在温哥华的唐人街经营着一家共产主义书店。其实她父亲的理念及价值观跟她自己、家人以及温哥华的总体政治气候有所不同。通过这个短片,探讨当年从她还是一个小孩起,以她父亲开的这家书店为背景,讲述成长中文化身份与认知对她的影响。

 Stephanie Comilang, Lumapit Sa Akin, Paraiso (Come to Me, Paradise), 2016, 25:46


“ Come to Me, Paradise”是住在柏林和多伦多的菲律宾籍艺术家Stephanie Comilang的一件作品,它讲的是一个叫Paraiso的无人机在香港的街道上穿梭,去拍摄每个星期天都会在中环地区聚集的菲律宾佣人,她们聚在一起打牌、交流,星期天成为她们固定的聚会时间,通过聚集在公共空间形成的那些大大小小的群体,构成了一个临时性的“建筑”。


 展览现场


2017年的时候,我邀请了艺术家彭可来到多伦多做了一个展览,名为“Underneath the Tree Where I Buried All My Childhood Pets”,为多伦多国际摄影节的特别项目之一。我与彭可在摄影中关注的一些情感和细节问题有一些微妙的交集。我们会探讨在深圳的生活,还有一些文化的印记以及某些特殊背景下的生活方式。展览中的图像与彭可在湖南出生、深圳成长的经历相互交涉,以这种特定的成长经历与城市空间的印象来展现这一系列作品。


 展览现场


这是今年9月我在Centre A策划的一个展览,叫“点,线,切面”。作品来自温哥华艺术家Tom Hsu(许家豪)和武汉的艺术家林欣,展览以石头为一条线索。林欣的系列作品"内部秩序"基于她在淘宝上购买的一块矿石,使用电脑软件去追溯石头的表面并3D化,又把这些点、线、面进行拉扯,形成一个被控制过的图像,同时也从某种层面探讨了软件在处理信息上的一些偏差和失误,通过三件动画作品来表现。这块矿石和林欣的关系存在于一种人造的维度化。


现在从这边吊下来的是Tom Hsu在温哥华一个河滩边找到的一块很重的石头,它跟其他的石头不一样,他觉得他跟这块石头可以建立一种关系。自从Tom Hsu在河滩边找到这块石头后就一直带在身边,而且带着它参加所有的展览,这块石头被当做一个放熏香的香台,成为展览的一部分。这次这块石头被吊着,下面放一块镜子,探讨一个物件的珍贵性,对自身及他对这块石头的情感。因为他自己做的皮带,这块石头吊起来不是特别稳,所以很可能在展览的过程中会掉下来砸烂这块玻璃。与石头有一个对立关系的是放在钢质平台上的一张照片,这张照片拍摄的是一块被石头砸坏的商店外墙玻璃,他觉得吊着的石头有可能会砸烂下面的玻璃,于是就跟这张照片形成了一种关系。其他的作品包括一些平时在路上遇到的一些物件的图片,和每天出门都会见到的一些东西,比如路边的一个水泥墩子,其实路边非常随意的东西跟他没有任何关系,只有远近的距离。

啾小组,市民BABY,摄影,2016 

图片由艺术家提供

 啾小组,啾包,装置,2018

图片由艺术家提供


我来到深圳之后,跟本地的年轻艺术家群体“啾小组”有比较深入的合作,我们探讨一些在深圳的成长经历,改革开放之后深圳作为快速成长的经济体,是怎样塑造了这个城市里的文化艺术实践,为艺术提供了哪些条件。“啾小组”的成员刚刚聚在一起的时候做的第一个作品“啾包”,被邀请参加类似设计集市的展示。他们想以麦当劳餐车的形式做一件作品,于是他们就去买了一辆之前是用来卖猪脚饭的餐车,通过改造变成一辆麦当劳餐车,同时上网搜了做汉堡的配方,购买材料自己动手想复制有麦当劳味道的汉堡。这是一个行为作品,他们想以这种以假乱真的复制方式用在他们的创作过程中。当时这个项目得到很多人的关注,他们做了100个“麦当劳汉堡”,卖了50个左右。中国大陆第一间麦当劳就是1990年开在深圳的,麦当劳对这一代深圳人的成长有着非常深远的影响,包括去华强北,已经成为这代人精神文化记忆的一部分。


“深圳大饭店”是“啾小组”2016年在深圳33空间做的第一个个展,其中有许多类型的作品,而“深圳大饭店”这一想法是他们认为深圳是一个人口流通非常快速的地方,一个来来去去的场所,就像酒店。他们用了跟自己成长经历有关的视觉符号和物件去重新呈现一些跟深圳有关的片刻和流动印象,比如他们三个人以一种非常玩乐诙谐的方式cosplay(角色扮演)了市民中心。


“你的生活”  彩排现场


带着对深圳的一种幻想,于是我邀请“啾小组”在OCAT工作室一起创作了一个作品,叫作“你的生活”,这个作品也将是他们明年在上海的一个名叫“你的生活,我的梦想”展览的第一部分。现在我们看到的只是一个基础,11月23号在工作室进行了一场表演彩排。这个作品讲的是改革开放前的深圳,内地发生的一场“逃港潮”,很多人通过深圳这个地方游泳过边界偷渡去香港,许多偷渡者购买这种西瓜帽,目的是为偷渡成功做掩护。跟他们在这个项目的磨合过程之中,我让他们充分利用工作室,有的观众可能已经看到,借用工作室建筑空间的一些特点,营造一个偷渡者被水警发现的一个过程。

“你的生活” 展览现场


这个表演后来在工作室是以视觉影像的形式来呈现的。这个作品有历史层面上的特定性,但又在一个大背景下反映了偷渡潮、非法过境,由于政治、经济、文化的不平等使得某些国家的人民流离失所、背井离乡,大批迁徙到另外一个地方寻求生计,因为他们原本的生活大都已被摧毁,偷渡也是想去寻找更好的生活。包括上个月我们在新闻里看到的运往英国的集装箱里那些来自越南的偷渡者,可是他们没能成功地活到他们想去的地方,整个过程是非常痛苦、艰辛的。也许这个作品在某种意义上,是在重新演绎此类事件。


我觉得在迁徙的人群中有非常特定的情感方式和(视觉)语言,因为这种文化离散而产生的失去和突变,也使我想通过自己的实践去去探讨这些问题,为这些群体发声。当今在猛烈的国家主义观念、语境下,有很多所谓非国家文化的群体,他们其实是没有一个固定的生存和归属场所的。那些流散在海外的人群,他们没有后退的自由,他们所关注的、喜爱的、憎恨的,都非常的不一样的。我希望可以通过视觉文化这个平台,持续关注这部分群体。




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