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疫起谈设计 | 张硕&苏文海:沉淀自我,专注创作

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疫起谈设计 | 张硕&苏文海:沉淀自我,专注创作  华美术馆 张硕 苏文海 疫情 时期 整体 时代 格局 日本 设计师 杉浦康平 崇真艺客

现在我们已步入后疫情时期,却仍旧整体身处于一个不平静的时代,陷入一个不确定的复杂格局。日本设计师杉浦康平曾经在一次演讲中提到,“设计师应该有三只眼睛,两只眼睛往前看,一只眼睛向后看”,华·美术馆近期发起“疫起谈设计”采访计划,借助设计师们的视角,观察资深设计从业者们在这个巨型的动态场域里,如何思考与行动,在面临全球化的公共危机和设计语境时,如何反应及想象未来。



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张硕,平面设计师,独立策展人,广州美术学院客座讲师,毕业于广州美术学院视觉艺术设计学院。東長首饰工作室创始人之一。


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疫情期间的深圳像北欧一样路上没有行人,不像喧嚣的都市,大家都很安静。这种感觉非常舒适,让人可以静下来慢慢思考自己的事。那段时间我们可以多些精力投入创作。平时我们不仅要创作还要赶进度,赶时间,赶节庆,赶淘宝促销,不仅背负压力又很疲惫。但在疫情时期,几个月都没有人催,我们可以慢慢悠悠地工作。一旦复工之后就会不断地有各种各样工作的事,所以我们挺享受疫情那段日子。


设计在大型公共危机面前似乎挺无力的。某一社会运动或者是某个社会现象出来之后有一些海报涌出,但也只是在那个时期消费作品,并不能起什么作用。人类发展的车轮碾过去就是碾过去了,一定是用下一个问题来解决今天的问题,所以今天的问题,我们是无法克制的,总有下一个事件能够覆盖今天的并且解决它。正因为有这种想法,所以我们的作品《猫》做得那么冷漠——我们保持冷漠。但也可能是我单方面的想法,我不太关心别的事,我也没有想过出现社会问题、疫情问题的时候,自己通过设计能做什么事,还是看看书、做做艺术品、首饰和器皿而已。




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“当我们讨论猫时,我们在谈论什么” - 東長(2020)
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18年台风“山竹”造成深圳多处塌树,当时我们收到一个公共艺术项目的邀请,我们由此做了关于“山竹”的项目,作品的名字叫《掩盖》。山竹台风吹倒的树被切成一段一段的,做成凳子分给艺术家进行创作。我们把长条凳子做成女人下体,将三角区域雕刻好之后往里填充锡,填充之后,锡产生的三角形就是我们的作品。我们做的比较抽象,因为一旦做得过于具象可能会产生很多问题,引发不正确的引导。但又想把根源的东西表达出来,用抽象掩盖了最真实的意图,而这个作品就命名为了《掩盖》。服装掩盖了身体,抽象掩盖了具象赤裸的东西。艺术有的时候不能过于直接,可能需要一种抽象的方式掩盖最根源的思考。像弗洛伊德所说,无论你做任何事,社交还是创作,之后都会转化成生存和繁衍,而这两个事通俗来说就是性和吃。这两个事会衍生出很多现象,我们的创作灵感就来自于此。



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疫起谈设计 | 张硕&苏文海:沉淀自我,专注创作  华美术馆 张硕 苏文海 疫情 时期 整体 时代 格局 日本 设计师 杉浦康平 崇真艺客《掩盖》,SenseTeam 感观·山河水发起的山竹艺术计划(2019)


虽然我是环保主义、女权主义的支持者,但实际上我更多关注的是自身,类似存在主义的观点。我所存在的状态,我的境遇、资源,财富和能力,我能干什么事……显然存在局限性,对微观个体来讲,改变人类未来和解决社会问题确实是心有余力不足,我能把这个局限的东西做出来让别人看到就已经很难了。包括我们很多创作行为,还是应该关注我说的两件事:吃和性。


而这次疫情期间我们把进行了四年的《红尘》系列艺术项目给做完了。2016年的时候我们去香港旅游,看到一个小古董佛头挺不错就淘回来,然后进行复制。首饰在复制过程中,每一次模具都会有缩水,或多或少跟温度有关,我们一直翻模,所以模具一直缩小到今年一粒沙子的尺寸大小。


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红尘(2016至今)


造型从大到小的概念是来自佛教的虚无和空,跟存在主义虚无荒谬的理念有点像。尤其是北魏的佛雕在山上,随着时间的风化佛像慢慢就没了。我们在做这件事的时候就想看这种不确定性会产生什么结果,就一直常年地开模,热胀冷缩的过程中不断地消失,最后变成面目全非的样子。表达着佛教里面的“成、住、坏、空”的概念。最后佛有两种出路:第一种方式是真正变到空消失掉,不在六道轮回里,变成涅磐;还有一种方式是回到六道又转世成人道、鬼道、畜生道,这个时候转到人道的时候就叫红尘,而红尘还得轮回,再来一次。所以我们选取其中的一个颗粒做成首饰,命名为《红尘》。


过程中发现投入费用和时间其实最后不一定能得到很好的东西,我们也不知道压到什么时候才能面目全非,每次压都会花费一笔钱,中间停了半年没做,后来觉得还是要继续做又压了一段,又继续停了一段。所以这个过程中,我们是不断地徘徊,纠结,既想做,也想放弃。我们也在思考这样做到底是不是艺术,这么做到底是不是一个聪明的艺术,因为这件事实在很内耗。其他厉害的艺术家用的是才华,我们耗的是时间,但还是继续做完了。


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刚做工作室的时候,我们想做一个偏小众、偏艺术的品牌。这么多年我们不断地做自我想做的事,这件事就是我们的计划。我们有自己的目标和理念,慢慢去展开,虽然不稳定但是没有焦虑。我们把生存的成本降低,融资,因为不想被干扰。


我们基本都是长期计划,很少短期计划,所以疫情对创作计划的影响并不大。比如我们每次做海报都会自己设计字体,攒到五六千个之后就用来做字库。目前东长已经有自己的八套英文字库,中文字库还在攒,这是一个长线行为。同时我们也在做一个珠宝史的梳理,我们想要做有价值的事,不想做被流行、消费干扰的现世的首饰。

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東長英文方圓體 (2012)


当代首饰的主流材料还是偏向于木、硅胶和树脂,而我们期待的首饰是具有永恒意义的,以银或者是金为主。金属的好处在于无论多少年都可以用,变形了可以再敲回来,坏了可以再焊接回来。我们对金属,尤其是黄金物理性质摸索了一段时间,它在焊接、熔化之后的液体张力是很难拿捏的,导致我们产生作品的造型通常不能太大。我们的首饰作品最后变成线性的,因为线性既轻细,材料成本较低,又有一个整体造型。


我们所做的概念首饰,可能不一定具有实用的功能性,里面注入了我们的人生理念。我们设计的时候没有考虑过多市场和消费者的欲望,或者是明星效应。你会发现我们的首饰很细很小,比如“白描”系列首饰借给明星拍照宣传,但因为太细小所以完全被造型淹没。


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白描系列首饰(2016)


但总做自己主观的设计是很艰难的,因为越主观认可度越低,而且我们又是一个商业体。所以偶尔要隐匿自己的性格特质,获得一些别人对我的认可,用商业获益重新燃起我们的自信,自信燃起来之后才能反推主观设计继续进行。我有一个情绪波动曲线——特别自信的时候做自己主观的作品,不自信的时候会觉得在设计上特别无力。


我们总是会知道表扬我们的人在表扬什么,但是批评才会促进我们进行反思。我们收到的最尖锐的评价是来自艺术界资深的从业人士,他们了解当代艺术的文化背景,具有国际视角,他们认为你应该老老实实做首饰,不应该涉足艺术领域——明明是一个设计师,为什么要做青年艺术家呢?他们对你指手划脚的评价对我们来讲是很值得反思的一件事。八年时间里,我们一边在做商品,一边还在探索当代艺术,在这过程中不断地否定自己,充满着不确定性。但那是我们非常想要完成的部分,可能是我们认真做艺术的证明。


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我们在做首饰设计创作的同时,也一边在梳理摸索应该做什么样的东西。在巴黎的时候,我们把所有关于珠宝的历史书籍还有一些刊物都翻了一遍,收集包括中世纪、希腊、拜占廷的资料。看了之后我们思考人类珠宝演变过程,以及政治、经济、战乱、宗教对其的影响;也将资料整理成了一个时间轴,解析了人类和珠宝的关系。


首饰跟人的关系从原始到今天总是有着微妙的关系——为什么人要戴一个累赘在身上,这个东西它又不适合奔跑,又不适合打猎,所以一定是要有重要意义的。最原始的时候可能它的意义就是“性”的暗示符号——原始项链是为了让别人看到我的胸部,腰链是为了让别人看到我的下体,耳饰是为了让别人看到我的颈部,都是人类的敏感区。原始人为什么戴首饰?假如一群男性与一群女性分别赤裸裸站在一起,别人就很难看到他们彼此的差异性。但假如其中有一个人戴了一个羊角,所有的人都会看到他。当我戴了一个不同的东西在身上的时候,我吸引了异性的目光。在这之后首饰可能是象征着财富、权力、阶级。一直到今天可能就和首饰的材料贵重无关了,可能和自我内心的一种品位、格调和小情绪有关。


现在可能会有很多人说,这个首饰是我祖母的,表达的是一种纪念;说这是卡地亚的,表示我有财富;首饰设计比较当代的,表示我有品味。每一件事都在表达一种很微妙的情感,是极其功利的——一定要告诉别人我跟你有什么不同,或者我跟你们所属的群体,或者我们的群体跟你们的群体有着什么不同。归根到底是身份认同。


同时首饰会吸引到别人的目光,让别人关注我,一个可以高效获取资源的方式。这是一个根源,直接植入到我们的潜意识里,可能我们会不承认。比如戴了一个胸针,可能没有想通过这个来吸引别人看我,只是觉得好看。但是,美是一种最好的掩盖,最好的包装,能把所有的功利,所有的人与人之间的小心思全都掩盖在“美”这个很宏大的观念里。你问为什么要穿那个衣服?因为好看。为什么你要戴那个?因为好看,其实不是的。


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《25000年世界珠宝首饰历史研究》第一版 (2019)


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因为首饰属于消费品,能够把一个单纯的目标转化成概念去做一个系列,其实是蛮难的。国内的发展初期,首饰基本分成三层,高一层是奢侈品,下一层是品牌,通过买卖黄金进行增值;第三种是小饰品,比如义乌量产的小饰品。


我们一开始创业的时候会觉得中国缺一家像巴黎街道旁小小的20平米铺子,里边的首饰让人震撼又不贵。所以我们回来之后想做一个小店,里边放亲自做的小东西,填补中国这个空白的市场。不过这几年会发现,中国的首饰专业毕业的人群涌现出来了,他们每年会出各种各样的首饰,这个市场变得很复杂,变成以消费为目的,跟明星和网红配合,因而首饰造型一定要大、要闪、要夸张、要奇特,形成了非常有影响力的时尚类一派;还有像我们这种想做跟自己生存处境相关的作品的一派。


我觉得今天的首饰是有一些小尴尬的情况,西欧北美和中国对于黄金、首饰的认知是有很大的偏差,导致我们身边从巴黎、伯明瀚回来那一批同行,研究某种材料时会发现在中国市场走不通,最后形成和市场的错位,很难发展下去,这件事是非常需要思考的。


8月份我们的新店将在南头古城落成。可能有两层的空间,这样就打破原先的局限,把工作区、手作区、茶室和商店及展陈区分开了。我们喜欢不断地折腾,因为一个店做太久会觉得无聊。而每一次开店都有不同的心得——可以把之前所有问题都规避掉,经营上会更加成熟。我们计划明年在上海再开店,那时我们会更加清楚到底要做什么。我们一开始做品牌规划和品牌定位到现在方向会越来越清晰,到底是要做艺术还是纯商业,到底是做手作还是批量生产,这件事慢慢就很清晰了,我们的工作室和商店应该是什么样,多大面积,怎么划分区域,,哪些是畅销款,哪些是艺术款,哪些是镇店之宝,我们越来越明确。


这八年来,其实深圳的变化很小。早些年师弟师妹们来咨询怎么创业,我告诉他们创业的步骤,但现在来问我关乎创业的事,我会说你还是享受生活吧,因为创业这条路有点儿入不敷出。在年轻的时候兴致勃勃觉得自己很厉害,当做了十年、二十年之后发现也就这么回事。


我们希望未来当代首饰会被认可,特别是在中国。在西欧、北美,像橡胶的小手环都非常被认可,但是在中国大家不会花很多钱买一个艺术家做的一个塑料的首饰。这件事有点儿难,我们十年前会认为这件事在中国有钱之后就会好,但是十年之后发现还不行,还不行继续等,希望有一天那个时期能来,在这个过程中我们没闲着。第一,我们选择了贵金属作为我们的一个基础,我们认为这件事有一个永恒性,或者一种对材质、材料的认同。第二,我们在做我们喜欢的艺术内容,这件事可以让我们自己在这么多年里不断尝试好玩的,至少自己很满意,这个部分的实验会一直持续下去。






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服装设计师,荷兰ArtEZ University of Arts服装与社会艺术专业⾸届毕业生,曾任职Maison Margiela。2016年年获得Han Nefkens基⾦会基⾦⼊选The Future of Fashion is Now展览/华.美术馆。2017年入选Three Eyes展览/荷兰Museum Boijmans Van Beuningen。⽬前生活工作在欧洲。


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比较直观地感受到东西方意识形态的差异,因为我在欧洲,身边朋友和国内家人朋友对疫情的态度很不同,前者对个体⾃由会更加看重一些,⽽国内⼤家都非常容易在这种大型事件中达到共识。但这种差异性在这次疫情中某种程度上的平衡,算是一次双向的⽂化和生活习惯的交流。⼀个很简单的例⼦子,在⼏个月前我所在的城市⼏乎是没有人在公共场合戴口罩的,大家都比较严格地遵守 1.5米这个社交距离,⽽现在则有不少人选择戴口罩来保护⾃己。


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原本年初计划回国工作一段时间,准备7月在巴黎的Presentation一系列计划的取消和推迟让我焦虑了一段时间,同时也不得不面对房屋合同,签证续签等很多琐碎的事情,现在算是接受了目前的状况,准备在欧洲呆更长的一段时间。目前已经原来7月的Presentation推迟到了9月到10月初的那段时间,虽然还是有很多不确定的因素,但目前的话主要就是在围着吃的展览做准备工作。


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“疫情前巴黎的秀场后台”
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在疫情刚开始时我也想过这个问题,觉得自己专业能做的事,在这种重大公共危机时刻变得特别不重要,也比较无力。但对我作为一个个体而言,设计作为我的工作内容,能够让我在面对危机时继续维持一个相对平衡的生活节奏,让我能够有一个点可以比较专注地投入。


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我个人对设计的态度变得比较松弛,相比对设计在这个特殊时期的严肃思考,我更加倾向于情感的连接和愉悦感。比较明显的就是,我作为一个服装设计师,我现在不太想要考虑太多概念或者故事背景方面的东西,单纯抱着考量一件衣服细节和裁剪的心态让我轻松不少,而这些方面花的时间和考量,穿着这件衣服的人或多或少会感受到一些。


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'Three Eyes' Exhibition/Museum Bojimans Van Beuningen 展览


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服装行业是一个比较冗杂和过剩的行业,一直都有非常多的人在寻求改变,而这次疫情使一直以来的节奏突然中断,到了不得不改变的一个拐点,这是积极的一面,但这种被动的改变其实是完全可以变主动和提前的。




往期回顾:

疫起谈设计 | 朱德才:不做沉默的大多数

疫起谈设计 | 柏志威:观念与文化如何在设计语言中进行转换



现正进行中…

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