装置丨走出美术馆，去找那些“造自然”的大地艺术家！

太阳轮, Moradavaga, 2016

艺术走出美术馆已经不是什么新鲜事了。早在上世纪60年代开始的大地艺术运动，艺术家就将艺术的现场搬离美术馆，进入自然界。大地艺术家们认为，大地景观与艺术作品本身就有一种不可分割的联系，因此他们创作的材料多数直接取材于自然环境，例如泥土、岩石、水或一些有机物。

大地艺术的创作者将评论转向至对特定场域的探讨：他们的作品往往对公众开放，远离工业与都市文明。因为创作的材料非常容易被自然力改变，或被侵蚀，早期的作品仅仅短暂的存在，如今只能在纪录片或照片中被看到。

而在当下，新媒体艺术家开始尝试用工业的材料模拟自然现象：太阳的光晕，云，甚至是草皮，有些艺术家甚至还将大型的投影设备搬进了森林，用人造的灯光让森林更加生机。新的媒介在为艺术开创新可能的同时，也开辟了人与自然、人与气候的新的讨论。 

Halo, Kimchi＆Chips, 2018

■ Kimchi＆Chips工作室于2009年成立于韩国首尔，他们的艺术实践致力于在艺术、科学和哲学架起桥梁。

Halo是他们的系列作品“Drawing in the Air”中最生动的作品。这个装置的背后有非常全面的计划，但完全依赖于太阳才能运作，因此它探索了技术的可能性和局限性以捕捉遥不可及的事物，利用太阳并“复刻”太阳，当被复刻的太阳出现在空中的那一刻，水雾的短暂与太阳的永恒在这瞬间重合了。Halo与自然发生对话，仅在风、太阳、水和技术重合的瞬间出现，从而在物质和非物质之间形成一种形式。这件作品同样也是一种哲学反思：它通过实践再次发现，所有学科（艺术-技术，科学-自然）都始于某一点，并最终达到某一点。

Simulation, Kimchi＆Chips, 2018

■ 装置中有99面镜子，一整天不断地根据太阳的位置移动，将阳光反射到水雾中。99束光线汇成一个大圆圈，使太阳在地面“降生”。

Arc Zero(Nimbus), James Tapscott, 2017

James Tapscott是一位澳大利亚的大地与光学艺术家。通过运用光、水与风，Arc Zero的一圈薄雾环绕了一座通向寺庙的桥。科技与自然又一次非常好得融合了：人工的艺术手段使这个场域变得更加神圣。

Vær i vejret(Weather the weather),  Olafur Eliasson, 2016

奥拉维尔·埃利亚松是一位丹麦裔冰岛籍艺术家，他以雕塑和大型装置闻名于世。使用光、水等元素以及空气温度，他的作品常常涉及环境与气候等议题，通常具有非常强烈的观赏体验。

Vær i vejret(Weather the weather)这件作品位于一个美术馆的花园中，在美术馆的屋顶上，装有一个风力启动装置，会根据温度做出不同的反应，冬天与夏天略有不同。装置的主体是一个黄铜圈，它会在水、温湿度的作用下发生颜色的变化——它始终在与周遭事物的对话当中。因此也可以说，任何周遭的一切，也是作品的一部分。

“云可以被看作是非实在之物（immaterial）的小庆典，庆祝那些不可测量之物。它由水和温度构成，所以当人们进入它时，就会发问——‘我们究竟在看些什么？’当观众跑进装置时，并不能实实在在地触碰它，却能真真实实地感受到它...像气候这样的“非实在”之物，存在太多的云或是雾，我们会非常轻易地在其中迷失。”

——Olafur Eliasson

Nimbus, Berndnaut Smilde

Berndnaut Smilde是一位荷兰艺术家，他对作品的瞬间性非常感兴趣：云仅仅停留几秒钟，然后就会消散，剩下的只有图像。

Nimbus仅仅在特定场域短暂地存在。这些云可以被理解为自然消失或出现的迹象，或者可以看作是古典绘画的片段。人们一直与云有着紧密的形而上学的联系，随着时间的流逝，人们在云上投射了许多想法。

弗里德里希·范舒尔和塔里克·毛德（Friedrich van Shoor & Tarek Mawed，aka 3hund）是两位德国艺术家，他们对自然，探险和黑暗忧郁的图像有着非常的热情。他们的作品常常围绕着美丽、黑暗、孤独这几个关键词，并且他们对“真实”有着超高的要求：装置都为实在的物质，而不由后期制作添加到影像中。

Bioluminescent Forest

艺术家在森林里度过了六个星期。他们通过创造诱人的发光植物和发光的神奇蘑菇，使森林更加人性化，从而使参观者通过观看“生物发光森林”而进入艺术家的脑海。

幻光森林, LightHouse LAB, 2019

本项目是LightHouse LAB在户外文旅及景观形式上的尝试和探索，将更多的故事内容及沉浸式体验感带入到项目中，以一种故事戏剧的方式来呈现，而参与者并非作为观众而是演员的视角参与进来，重新唤起人与场地之间的情感共鸣。

江南大学的新媒体艺术团队TRIE设计了《草皮莫娜》，构想了一个全新的混合生命形态Mona（莫娜）。在海洋塑料污染愈演愈烈的情形下，莫娜的存在隐喻了人类不知休止的过度扩张、资源浪费和损害其他生命体的行为。唤起我们对生活方式和生产回收方法的再思考，强调人与自然的和谐，是该作品的初衷，也是归宿。

草皮莫娜, 2019

吉尔伯托·埃斯帕萨（Gilberto Esparza）是一位墨西哥的生物学家。利用微生物燃料电池，他创造了“游牧植物”（Nomadic Plants），它是一种具有动物形象的机器人。他的创作质疑了人类在物质主义，过度浪费和政府在环保方面的无力。

游牧植物, 2010

每当需要滋养细菌时，游牧植物就会向受污染的河流移动，并从中“喝”水。通过微生物燃料电池，水中所含的元素被分解并转化为能量，为机器的“大脑回路”提供能量，剩余物用于使植物能够完成自己的生命周期。

“游牧植物是我们自己的写照。它还体现了这种新的杂交物种的异化转化，这些新杂种为在恶化的环境中生存而战。”

——Gilberto Esparza

游牧植物, 2010

机器正在走向与自然的共生。人与机器，共同生活在自然中。自然由许多“非实在”的元素构成：温度、光线、声音……这些物质很难被测量，但我们都存在于它们当中，并成为它们的一部分。当艺术也由这些“非实在”的元素构成时，我们就能很轻易地说出这句话：

“我们将在花园里玩耍，我们也将在艺术中玩耍。” 

——Olafur Eliasson