Artnet & 芭莎艺术 | 洪浩：事物的本形是它最初的经历

Artnet采访、撰文：Danyu Xu

芭莎艺术采访、撰文：陈蔚然

洪浩于1965年出生于北京，1989年毕业于中央美术学院版画系，目前生活和工作于北京。洪浩的作品多以拼贴扫描图像为形式，创作素材通常有地图、书籍、票据、旧物、生活用品等常见物，以手工制版、扫描及印刷为主要方法。洪浩的数码扫描照片通过逐个扫描日常物品的底部并将之按其形状和颜色予以拼接和组合，使人们重新认识事物和当代生活。

洪浩自上世纪90年代开始参与国内外重要展览，其作品曾在纽约大都会博物馆、现代艺术博物馆、圣地亚哥美术馆（San Diego Museum of Art）、中国美术馆和法国阿尔勒国际摄影节（Rencontres d'Arles）上展出；曾被美国纽约现代艺术博物馆馆，大英博物馆，波士顿美术馆（Boston Museum Of Fine Arts），加拿大国家美术馆（National Gallery of Canada），福冈亚洲美术馆（Fukuoka Asian Art Museum），洛杉矶盖蒂博物馆，尤伦斯当代艺术中心等机构收藏。

洪浩个展现场，佩斯香港，2020年10月30日-11月28日 © 洪浩

芭莎：近作《有边之世界》系列，“地图”这一标志性元素又回归到了作品中，这是基于什么考虑？

洪浩：物与物的区分以及对外在世界的认识，我觉得是依赖边界来感知的。之前，我的《往复》系列想呈现出一种像生命一样的轮回。先是由人参与的美学设计，一个有边界的图形。然后是依这个设计去进行物品的生产与销售，再后是人对它的消费和使用，最后这件物品又回到了最初的起点——平面的轮廓描绘。这个“边界”虽然看起来抽象，但都来源于人们生活中使用的物品。而《有边——世界》通过全世界国家地图边界的连接，来构成新的世界空间，这与之前的“地图”作品也有关联。

洪浩，“有边之世界三十”，2020，布面丙烯及塑形材料，140 cm x 140 cm  © 洪浩

洪浩，“有边之世界二十七”，2019，布面丙烯及塑形材料，160 cm x 200 cm  © 洪浩

“藏经”系列作品，收录于大英博物馆及澳洲国立美术馆永久收藏 © 洪浩

芭莎：你曾经的作品《藏经》系列和《邀请函》都是以一种幽默的方式让人展开思索的，如今，作品给人更多的感受是抽象和对纯粹美学性的思考，这种变化的原因是？

洪浩：这与周围生活环境的变化有一定的关系，上世纪90年代的作品我做得比较有趣，带有一些调侃的性质，其中有一些夸张、置换的手法在里面。后来做了摄影和扫描之后，它的创作方式有所不同：面对的都是直接的现实，与自身生活的方式息息相关。

芭莎：在你的作品中可以看到画面的视觉从材质到轮廓，直到形状彻底消失在画作中，其变化的内在动力是什么？

洪浩：作品的创作需要一个发展及深入的过程，而且做艺术需要有一种对未知东西的渴望，避免被固有的东西所羁绊，超越性是做作品的内在动力。此外，周围环境的变化导致人在不断思考，它是一种延续的过程。这些作品虽然从面貌上看有所不同，但实际内在的逻辑是一脉相承的。

洪浩个展现场，佩斯香港，2020年10月30日-11月28日 © 洪浩

洪浩，“万相之三十六”（局部），2020，布面油画及塑形材料 ，120 cm x 195 cm © 洪浩

Artnet：以《往复》系列为例，在十几年的时间跨度中，你如何使用搜集、扫描、输出和手绘来具体完成“去物质化"？“往复"是指什么过程的“往复"？

洪浩：我没有故意搜集特定物品，都只是每天用过的东西，其实有点像做一个生存记录，记下每天接触了什么，因为有时消费了东西就不存在了，从扫描、输出和手绘其实是对物体本身的一种还原，而这些日常消费品诞生于平面，经过工业设计的美学观被工业流水线生产，并通过营销、消费等环节进入到日常生活, 被人们使用的同时也影响甚至构成了现代人的生活方式。这种过程我以视觉的方式倒推回去，使其回归到了平面美学之上，完成了一个循环往复的经历。感觉这些物品像是回到原来最初的样子，但其实又不一样，因为有了在现实里的经历。

Artnet：能谈谈这个系列的新作品和《我的东西》、《负部》、《就势》这几个系列的关系吗？

洪浩：从以前的作品到新系列，画面视觉从具体的材质逐渐走向更本质的轮廓乃至线条，结合十几年的漫长过程，其实体现了作品中的“成长性"。

Artnet：“去物质化"的过程对于你和你的艺术表达而言有什么样的意义？

洪浩：现实社会的消费对生活精神影响特别大，是生活的支撑，甚至影响我们对世界的认识。怎么去降低影响就是一种去物质化的过程，我希望回归到一种本性的角度，还原物体本身的状态。

洪浩，"往复之十一"，2013-2014，绢布布面水彩、铅笔及丙烯，136 cm x 218 cm  © 洪浩

洪浩，“反光二十九”（局部），2018，布面银箔、塑形材料及铝板，112 cm x 180 cm © 洪浩

芭莎：直观的视觉感受上，你之前的作品因为保留了日常物的真实面貌而色彩十分丰富；而《往复》系列试图还原物的“本形"、“最初的状态"，你认为物的原始状态应该是与色彩无关的吗？你认为什么才是物的“本形"，是形状和线条，还是其他属性？

洪浩：消费品里色彩的概念是为了迎合不同人的不同喜好，吸引更多人，所以色彩是附加的。它不在于它的功能或材质, 是事后才加色的。物，特别是被生产出来的物，从设计到使用完毕被扔掉，其本形应该是它最初的经历，有可能是电脑的一根线，也可能是手绘。

芭莎：你之前作品的材质有纸、相片及画布，今年新作中的材质有何创新？

洪浩：此次我在作品中加了一种自然的因素：灰尘。加入灰尘的原因，一是与我们的生活环境相关，比如气候与雾霾的影响，它即是自然的也是人为的。另外，灰尘本身也具有不确定性，随风而动。最早我是将作品直接放在外面一年，让大自然的四季风雨雪来帮助我作画，这样等于每天自然都在画布上完成一次创作，作品最后就呈现一种千层墨的效果。此次作品中我也用模仿自然的方式，将收集到的灰尘飘洒在画布上，使作品处在一种自然与人为的状态中。

洪浩个展现场，佩斯香港，2020年10月30日-11月28日 © 洪浩

洪浩，“思齐-道德经”，2011，文件纸本铅绘，以铝合金及丙烯装裱，36 cm x 136 cm x 3.5 cm © 洪浩

芭莎：摄影、版画、扫描都属于在平面上创作，平面作品在你的表达中具有怎样的独特性和不可替代性？

洪浩：我认为平面作品的特点是操作上的简捷，不需要太多的外在条件，尤其对空间上的要求不是很高，更容易体现出一种自由的态度。另外，平面作品本身具有一种文气和直接性，艺术家自身的参与程度高。

芭莎：你在中央美院版画系就读时就已经开始做摄影作品了，你认为摄影与版画这两种不同的媒介之间有何相似之处？

洪浩：丝网版画与摄影有很多相似之处：制版需要曝光、需要底版、都具有复数性、都需要印制等......只不过一种是还原现实的影像，另一种是源于绘画。

芭莎：你曾说艺术应该更有灵性，不是用思维想出来的。什么条件会用艺术的方式来表达感受的冲动？

洪浩：这种情况不确定，但是有时会在创作的过程中产生一些新的想法。如果一切都完全按照预先设计好的样子做出来，反而少了一些趣味。创作中的“意外”会给作品带来全新的感觉。

关于艺术家

洪浩

生于1965年，中国北京

洪浩1989 年毕业于中央美术学院版画系，目前工作和生活在北京。自三十年前的成名作“藏经”系列开始，洪浩以敏锐的艺术直觉与恰当的距离感保持着对当代社会的冷静观察。作为中国当代艺术发展历程中的重要一员，洪浩的艺术探索与时代价值体系的变化有着紧密的相关性，在认识与表达层面与社会变化保持实时的共振。无论是洪浩早期作品中针对全球格局下本土文化价值及身份认同的思考，还是自 2001 年延续至今的对于消费社会的档案学式的研究，均反映出洪浩冷静而节制的美学趣味背后对于社会现实的强烈介入愿望，并在持续三十年的创作探索中构建出一套稳定而自洽的价值认定系统及视觉系统。洪浩自上世纪 90 年代起即频繁地在国内外重要展览中亮相。洪浩的作品被国内外重要美术馆及艺术机构广泛收藏，包括美国纽约现代艺术博物馆、美国大都会博物馆、美国波士顿美术馆、美国洛杉矶保罗盖蒂博物馆、英国大英博物馆、英国维多利亚和阿尔伯特博物馆等。

正在进行

洪浩 

2020年10月30日-11月28日

香港皇后大道中80号，H Queen's 12/F

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邮件：hongkong@pacegallery.com

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