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Otobong Nkanga和汉斯·乌利齐·奥布里斯特谈论生态、封城和《14 Rooms》

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Otobong Nkanga和汉斯·乌利齐·奥布里斯特谈论生态、封城和《14 Rooms》 Oto bong Nkanga Rooms 汉斯乌利齐奥布里斯特封城生态作品崇真艺客

Otobong Nkanga和她的作品《Taste of a Stone》，作品于2020年在格罗皮乌斯博物馆展出，图片由艺术家提供，照片由Laura Fiorio拍摄

“应该是2009年的《Il Tempo del Postino》和2014年的《14 Rooms》吧。那些年，这两个项目别具野心和想法，让我觉得他们在强调巴塞尔艺术展是世界上最超卓、富挑战性和开创性的艺术展会。” 艺廊经营者Sadie Coles回忆起她最深刻的巴塞尔艺术展时刻。

《Il Tempo del Postino》和《14 Rooms》均是巴塞尔艺术展50年历史中的两个重要里程碑。那些不拘一格的项目以表演艺术的作品来呈现，并与曼彻斯特国际艺术展、贝耶勒基金会（Fondation Beyeler）和巴塞尔剧院共同策划。策展人在每一届的展会也因应展览场地来作相关的艺术安排，他们分别是汉斯·乌利齐·奥布里斯特（Hans Ulrich Obrist ）和克劳斯·比森巴赫（Klaus Biesenbach）的“Rooms”项目（在2012年于德国鲁尔三年展（Ruhrtriennale）以《12 Rooms》呈现，并于2013年在澳洲Kaldor Public Art Projects以《13 Rooms》现身）。《14 Rooms》打破观众和艺术作品的界限，让观者有机会参与和引发表演，而不只在特定的时间里去体验艺术。

获巴塞尔艺术展委托创作的艺术家，横跨四大洲和三个世代，玛莉娜·阿布拉莫维奇（Marina Abramović）、提诺·塞格尔（Tino Sehgal）、多米尼克·冈萨雷斯-福斯特（Dominique Gonzalez-Foerster）、徐震、琼·乔纳斯（Joan Jonas）、埃德·阿特金斯（Ed Atkins）、布鲁斯·瑙曼（Bruce Nauman）和Otobong Nkanga。在巴塞尔艺术展成立50周年之际，汉斯和 Nkanga以Zoom的形式来回顾《14 Rooms》，以及讨论全球封城对于以表演艺术方式为主的作品会带来什么创作和展示上的影响。

Otobong Nkanga和汉斯·乌利齐·奥布里斯特谈论生态、封城和《14 Rooms》 Oto bong Nkanga Rooms 汉斯乌利齐奥布里斯特封城生态作品崇真艺客

《Diaspore》，2014年， Otobong Nkanga在巴塞尔展会《14 Rooms》中表演

汉斯·乌利齐·奥布里斯特：《14 Rooms》是关于空间、时间和实体的关系，同时也是关于有生命的雕塑；当中有特定时间的表演（一般在晚上6点至7点或8点至8点半）。克劳斯和我喜欢不停有表演这个概念，也喜欢有互动成分的作品。观者可以任何时间前来，每次在十四个房间内体验到不同的情况。我也想重温你那精彩的作品《Diaspore》，和谈谈你的创作概念。

Otobong Nkanga：当你邀请我参与《14 Rooms》的时候，我就想到把我当时正在创作的作品扩展开来，那作品与我另一件作品《Taste of a Stone》有关。我从2010年开始创作《Taste of a Stone》这装置艺术，是为哥本哈根的夏洛滕堡宫（Kunsthal Charlottenborg）而创作。毕竟那不过是一件装置艺术作品，所以我在扩展它的时候，就顿时觉得好像缺少了什么似的。我希望扩展到一个地步，让主体开始与空间里其他元素也连系起来，当中包括石头、泥土和植物。在2013年，我在阿联酋的沙迦表演《Taste of a Stone: Itiat Esa Ufok》的时候，我加进、泥土和植物。我在我的头上放上昙花这种植物，因为它跟和我在尼日利亚的童年有关，但我恰恰也在阿联酋找到这种植物，所以就顺理成章以此做表演。

《14 Rooms》中，我想把作品伸延到其他女性，特别是那些确认有非洲血统的女性；这关乎我如何看待自己作为非洲女性，同时也表达我如何联系这个流散各地的网络。谈到流散，我也顺理成章想到“移动”这个概念和植物本身，其来自西印度群岛，但被移植到世界各地，包括东南亚、澳洲和我在尼日利亚的房子的后方。我想创作一个作品是关于diaspore中的“di”，这是希腊的字源，有“二、分裂或两倍”的意思；至于diaspore中的“dia”，也是希腊的字源，意思为通过、跨越或点对点，然后就好像种子一样扩散。

《14 Rooms》也是一个极其实体的展览，十分强调当下。它是有关人体、关于在一个空间里不同的团聚的方式。这正与我们的现况相反，因为我们现在都大多数以Zoom来沟通。

在封城的时候，我不停思考应该如何继续表演；现在每个人也担忧透过鼻孔吸入那看不见的东西，那表演时又应该怎样把身体带进空间里。在《14 Rooms》举行期间，我们没有想到一个人站在另一个人身旁，但在阿布拉莫维奇的《Luminosity》里，你就好不容易就进入了她的表演当中，全裸的表演者在房间里呼吸和流汗的同时，也坐在紧紧牢固在墙上提升了高度的单车座位上。又例如，现在我在柏林格罗皮乌斯博物馆（Gropius Bau）展出《Diaspore》，我要重新考虑如何呈现这作品，以及如何在表演者之间保持距离，也要照顾到观者的出入。

Otobong Nkanga和她的作品《Taste of a Stone》，作品于2020年在格罗皮乌斯博物馆展出，图片由艺术家提供，照片由Laura Fiorio拍摄

我们也谈谈你作品中的植物吧，特别是现在我们正经历生态的危机。一些学者如Emanuele Coccia和 Stefano Mancuso，均撰写关于植物的生命，以及我们如何不尊重植物的文章，他们也表示我们不过把植物放置在空间里，却没有认同它们。两位学者均认为我们需要与植物建立另一种对话的方式；你和植物建立的对话，就表现出我们与地球需要一种不同的关系。你可否谈谈你如何与植物互动，特别是昙花这种在晚间绽放的植物？也谈谈人类和植物的对话吧。

嗯，我没有去分类，我把这些东西称为“个体”。植物与泥土有关，没有泥土，很多东西也不能生存，我们也不能生存。对我来说，谈及我们和我们进食的元素、我们走过的元素、我们不一定会想到的元素之间的关系是很有趣的。植物和我们的身体同样重要，这点很重要。如果泥土不健康，植物也不能生长；如果泥土受到感染，我们的食物也会被影响，同时也影响着我们和土地的联系。我觉得把这些个体，包括水、泥土、植物、空气和矿物，带到我的作品中是十分有趣的，这能帮助我们参透事情，并把人体联系到这些建构起我们的元素，它们有如我们的皮肤和呼吸般重要。

《Diaspore》和昙花与我自身的空间有关。小时候我在尼日利亚每晚也闻到它绽放时的香气，那种有关香气、有关皇后（昙花的英文为Queen of the Night）、有关每晚它让你记得它存在的境况是十分强烈的；我不一定会留意到植物本身，但我会留意到它的香气。把植物放在表演者的头上也是十分重要的，因为植物顿变成一顶皇冠，那皇后的意义就进入了表演者身体的形态中；因为整个身体也要支撑着花盆，表演者的姿态就必须保持好有如皇后一样。

Herzog & de Meuron举办了一个满载镜子的建筑展览，让镜子反映出无限的影像。在你的房间内，你就加进多一层，就是地上的地形地图，让人看起来就像在鸟瞰整个土地。你联系起在空间内表演的个体，也就联系上进入空间的个体。

强调个体的错置，或个体从一个空间移动到另一个空间，就让人想起地球，就好像在地上装置那幅地图，以一个非常图像的方式来展现人们流散和移动这概念。

2017 年，Otobong Nkanga与Evi Lachana和Maya Tounta合作呈现公共项目《Carved to Flow》，项目于雅典14届文献展（documenta）呈现，照片由艺术家提供，图片由Wim van Dongen拍摄

你怎样看Herzog & de Meuron’s的建筑作品？

我经历了不同的情绪。第一次到访，看到房间如何给扩大了，而镜子让人看得更远，这概念令我感到很惊讶。但看到镜中的自己则感到不安，因为我不喜欢看到自己的倒影，这样会让我们变得自恋，以自我为中心。我很享受他们如何分隔空间，让很多人在进入不同房间之前，可以同时在中央流动。

他们的设计让人刚踏入门口，就进入一个世界，是一个你不能离开的世界。你只能够进入这个世界或逃走，当中没有无间道，你也不能没有感觉。在我的房间内，人们可以安静下来，思考、放松，有时也宣泄一点情绪。我相信那设计，包括墙壁、门、凝望自己，让观者在进入房间之前，重设自己。

你记得有哪些房间让你感觉最强烈？

到现在也念念不忘的是Roman Ondak的《Swap》，是有关交流的。进去的时候，你总会带着一些东西，然后你坐下就会以物易物，你会交换到些什么，然后就会一直继续下去。另一件让我印象深刻的是埃德·阿特金斯的《No-one is More 'Work' Than Me》，当中有一个表演机械人。此外还有多米尼克·冈萨雷斯-福斯特的《R.145.》。我不会说太多关于她的作品，因为人们应该自己去体验，作品会驱使你独处，直到有些什么事情发生。近日的情况让我们不得不自处；在封城的情况下，我们呆在一个空间里，我觉得那作品正正表达出在封闭的空间内，我们如何自处和工作，表现得十分出色。