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豪瑟沃斯西岸艺博会「形神兼备」作品赏析：以形传神 | 展位A123

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豪瑟沃斯西岸艺博会「形神兼备」作品赏析：以形传神 | 展位A123 豪瑟沃斯作品形神展位西岸艺博会西岸艺术博览会以来崇真艺客

豪瑟沃斯作为西岸艺术设计博览会创始以来首家参展的国际画廊，连续第七年再度回归。此次带来汇聚当代新声与现代大师作品的群展「形神兼备」（Gesture & Spirit）。本文着重介绍冈瑟·弗格（Günther Förg）、珍妮·霍尔泽（Jenny Holzer）、马修·戴·杰克逊（Matthew Day Jackson）、巴尔提·卡尔（Bharti Kher）等艺术家的作品，解析其创作中独特的形式，及形式背后辽远的精神世界。

形神兼备
Gesture & Spirit
西岸艺术与设计博览会
West Bund Art & Design
展位 Booth：A123
贵宾预览：
11月11日，下午1至7时
公众开放：
11月12-15日，中午12时至下午6时
展览地点：
上海徐汇区龙腾大道2555号

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豪瑟沃斯西岸艺博会「形神兼备」作品赏析：以形传神 | 展位A123 豪瑟沃斯作品形神展位西岸艺博会西岸艺术博览会以来崇真艺客

▲ 冈瑟·弗格（Günther Förg），《无题》（Untitled），2006，丙烯画布，165 × 195 厘米 / 65 × 76 3/4 英寸，© 瑞士冈瑟·弗格艺术资产 / VG Bild-Kunst, Bonn 2019，图片：艺术资产，豪瑟沃斯

冈瑟·弗格是战后德国的著名艺术家，以实验性的创作手法而闻名。在他跨学科的先锋创作中，引用了现代艺术与建筑中的艺术修辞，从而开拓了抽象语言。最显著的例子莫过于他的「网格画」[Gitterbilder (Grid Paintings)]与「无题」（Untitled）（2006）系列。这两个系列能够看到艺术家充满活力的画家风范，以及那些弗格评价极高的艺术家对其创作的影响，例如爱德华·蒙克（Edvard Munch）和文森特·梵高（Vincent van Gogh）。弗格在八十年代早期曾专门研究过摄影创作，之后便进入了不断实验的阶段，由此重新回到绘画的怀抱。

▲ 冈瑟·弗格（Günther Förg），《无题》（Untitled）（局部），2006，丙烯画布，165 × 195 厘米 / 65 × 76 3/4 英寸，© 瑞士冈瑟·弗格艺术资产 / VG Bild-Kunst, Bonn 2019，图片：艺术资产，豪瑟沃斯

弗格的网格结构简单分明，不论是90年代的作品，还是2005年开始的密集线条系列「网格画」，风格都十分稳定。他利用透明度不同的色彩搭建出横竖线相交的网格，紧扣人心的艺术风格令人联想到建筑结构。在《无题》的下方边缘有着几道橙色的笔触与冷黑色的不规则线条混杂，同时又在黑色与多重色调的绿色区域中向上生长，挑战幻想的深度与图形背景关系的认知。《无题》证明了弗格与前人之间根深蒂固的联系，他并不是单纯地复制过往艺术家的手法，而是探索出其中独特的元素，将这些元素抽象化，并推至极限。

▲ 珍妮·霍尔泽（Jenny Holzer），《生存：拯救我们的冲动是什么……》（Survival: What urge will save us...），2019，古董胭脂红法国大理石长凳，43.2 × 116.8 × 33厘米 / 17 × 46 × 13英寸，© (2019) 珍妮·霍尔泽，纽约艺术家版权协会（ARS），图片：艺术家、豪瑟沃斯，摄影：Thomas Barratt

珍妮·霍尔泽以语言为内容，使用非传统媒体与公共场合作为内容载体，是当今世界最为有趣、最为影响深远的艺术家之一。她的作品游离于虚构与真实、公共与私人、普世与特殊之间，为我们当下的时代勾画出兼容并蓄的社会与心理图景。她以语言为媒介，创造了一系列重要作品，她的文本出现在海报、电子告示牌、广告牌与T恤上，也被投影在各式各样的平面上：既有磅礴的海浪，也有卢浮宫的玻璃金字塔。霍尔泽的「生存」（Survival）系列从1983年创作至今呈现了坚定（有时甚至充满争议与幽默）的讯息。

在大理石长椅作品《生存：什么冲动将拯救我们…》中，霍尔泽写道：“既然性爱做不到，还有什么冲动能拯救我们呢？”这件作品最初以LED屏幕等电子形式呈现，霍尔泽最终决定将这段讯息刻在大理石长椅上。这种形式令人亲切，也引人注目，她的文本通过大理石得以不朽，失去了LED的暂时性，却获得了大理石的必然性。霍尔泽的作品会针对语言与沟通的本质提出根本性问题，但并不会提供解答。

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▲ 马修·戴·杰克逊（Matthew Day Jackson），《花瓶里的小花束》（Bouquet of Flowers in a Vase），2018，织物丝网印刷水彩木版印刷颜料印刷纸上，121.9 × 99.5 厘米 / 48 × 39 1/8 英寸，© 马修·戴·杰克逊，图片：艺术家、豪瑟沃斯，摄影：Timothy Doyon

马修·戴·杰克逊最新的静物绘画系列是对16至17世纪荷兰殖民探索的鼎盛时期布鲁格兄弟流派（Jan Brueghel the Elder’s and Younger）的经典花朵油画的直接回应。对于他来说，那个流派的作品兼备了趣味与贫乏两个特点：它们既是大自然瑰宝的鲜活表达，也是权力与财富的具象体现。杰克逊指出，尽管那是个科学知识兴盛的时期，但同时也是一个滥用与破坏自然的时代。

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▲ 马修·戴·杰克逊（Matthew Day Jackson），《花瓶里的小花束》（Bouquet of Flowers in a Vase）（局部），2018，织物丝网印刷水彩木版印刷颜料印刷纸上，121.9 × 99.5 厘米 / 48 × 39 1/8 英寸，© 马修·戴·杰克逊，图片：艺术家、豪瑟沃斯，摄影：Timothy Doyon

杰克逊《花瓶里的小花束》从世纪荷兰殖民探索的鼎盛时期布鲁格兄弟的一幅作品中汲取灵感，选用了相同的花朵——包括郁金香与鸢尾花——但又在画面右上角添加了一只蜻蜓。杰克逊的作品以多种材料与手法创作而成，探索了永续与科技的主题，这也是他经常在作品中探讨的议题。杰克逊的作品以十分另类的方式运用材料与形态，并将其与静物风景的常规特点所结合，批评了这些创作传统和它们在西方文化中的地位，及其与西方霸权的交汇。

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▲ 巴尔提·卡尔（Bharti Kher），《隐藏算法》（Algorithm for hiding），2018，眉心饰记镜子，直径152.4厘米（带框），© 巴尔提·卡尔，图片：艺术家、豪瑟沃斯，摄影：Jeetin Sharma

无论是转化现成物还是实验新材料，巴尔提·卡尔都会向其中加入层次丰富的引用意涵：神话与科学，宗教与世俗，物理与心理。她的作品拥有共同的中心：材料激烈碰撞，形状抽象，时间合流。《隐藏算法》（2018）就是一幅经典眉心点镜面作品。眉心点最早于1995年在卡尔作品里出现，在这种当代的黏贴式眉心点是十分受欢迎的化妆品，有不同的形状和颜色，象征生育、婚姻和美貌，是内涵丰富的性别象征。

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▲ 巴尔提·卡尔（Bharti Kher），《隐藏算法》（Algorithm for hiding）（局部），2018，眉心饰记镜子，直径152.4厘米（带框），© 巴尔提·卡尔，图片：艺术家、豪瑟沃斯，摄影：Jeetin Sharma

卡尔利用这些「现成品」作为形态工具，将这些眉心点——既有传统圆形的，也有精子形状的——贴在家具、墙壁、雕塑以及她著名的碎裂镜面上。卡尔同时还利用了眉心点作为人的「第三只眼」的象征，融入到自己的作品中。她在2013年的一场采访中回忆起最初的灵感：“我每次走进各种卫生间，都能看到镜子上贴着一些眉心点，我就想：‘真不错，它和这个女人一起待了一天，这就是她的眼睛’……新的作品就让你看到自我，以及更多的分身：眼睛，我的眼睛，他们的眼睛，你的眼睛，这只眼睛。这就是单纯的凝视的永恒。”

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▲ 弗朗西斯·皮卡比亚（Francis Picabia），《风景》（Paysage），约1940，油彩硬纸板裱于纸上，54 × 64.5 厘米 / 21 1/4 × 25 3/8 英寸，© 弗朗西斯·皮卡比亚，摄影：Stefan Altenburger Photography Zürich

弗朗西斯·皮卡比亚的艺术生涯以其永不停息、高屋建瓴的创作手法而著称。他在具象与抽象之间游走，创作内容丰富混杂，对各种风格进行实验，包括印象主义、立体主义和超现实主义。《风景》（1940）代表了艺术家回归到了世纪初时的创作主题。马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）把皮卡比亚自由结合不同技巧和风格的手法称之为“艺术体验的万花筒”。皮卡比亚的原创性在根基上源于他的风景画。他在生涯早期就因为几件基于法国南部相片与明信片的画作而名声鹊起，令人联想起卡米耶·毕沙罗（Camille Pissarro）与阿尔弗莱德·西斯莱（Alfred Sisley）。随后在1909年，皮卡比亚和他的第一任妻子加布丽尔·布菲真的去了法国南部度蜜月。他受到那里的光线与色彩的启发，继续以画笔描绘地中海岸的美景，尝试了包括野兽派与点画法在内的多种风格。

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▲ 弗朗西斯·皮卡比亚（Francis Picabia），《风景》（Paysage）（局部），约1940，油彩硬纸板裱于纸上，54 × 64.5 厘米 / 21 1/4 × 25 3/8 英寸，© 弗朗西斯·皮卡比亚，摄影：Stefan Altenburger Photography Zürich

在他搬到戛纳附近的穆然之后，又以更为挥洒的手法继续描绘这个地区，其中就有以颜料、羽毛、意面创作出的拼贴画。皮卡比亚在二战期间创造出《风景》时，已经主要在蔚蓝海岸的戈尔夫瑞昂的工作室里度过大部分时间，再次以明信片、杂志与广告作为灵感进行创作。《风景》是一部非凡的作品，令人回想起艺术家最初的风景画系列，蕴含了皮卡比亚对后世影响深远的艺术手法。

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▲ 维尔海姆·萨斯诺（Wilhelm Sasnal），《无题（废弃屋）》[Untitled (House on the Waste)]，2004，油彩画布，150 × 180 × 2.5 厘米 / 59 × 70 7/8 × 1 英寸，© 维尔海姆·萨斯诺，图片：艺术家、豪瑟沃斯

维尔海姆·萨斯诺以不协调、令人不安的手法描述我们共同的环境与历史。萨斯诺在报纸、杂志、网络、广告牌或其他周围的现成图像上作画，记录当代社会洪水泛滥般的图像大军。他在《无题（废弃屋）》中捕捉到了悄声无息流逝的时间——他非同寻常的裁剪手法，以及形同摄影镜头的光线与色彩的图像运用，令画布浸透在电影品质中。他透过抽象与留白产出了令人忧虑的情感空白。萨斯诺画作的力量蕴藏于他在观众与故事之间创造的距离感。作品既充满私人情感，又冷静抽离现实，他以主观、亲昵的方式演绎着主题。进行作画的同时，萨斯诺还一直在进行电影创作，将其视为补充性的手法，并应对随之而来的挑战。“画画是一个自然的活动，非常原始，”艺术家表示，“我认为图像并不重要，因为我们周围（图像）实在太多了。但画就还有机会。画总是会存在，就像歌一样。我觉得不需要总是去揣测绘画是活着还是死了……通过电影，我不仅能去寻求故事，还可以去找到语言去描绘某种存在的状态。”

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▲ 基斯·泰森（Keith Tyson），《床边的花》（Bedside Flowers），2016，油彩铝，61 × 61 厘米 / 24 × 24 英寸，© 基斯·泰森，图片：艺术资产、豪瑟沃斯

《床边的花》是基斯·泰森花朵系列里充满活力的华丽之作，它优雅地模糊了原图与艺术家风格之间的界限。它不仅让人同时联想起奥迪隆·雷东（Odilon Redon）的静物写生、亨利·方丹-拉图尔（Henri Fantin-Latour）的花朵画以及梵高（Vincent van Gogh）著名的太阳花，画面的下方的花瓶更是出现了阿尔布雷特·丢勒（Albrecht Dürer）著名的《一片草地》（Great Piece of Turf，1503）的元素。花艺师以美感为基准，挑选不同的花朵搭配在一起，而泰森也会选择搭配作画风格和指代元素，创造出一个能够让他发挥的概念框架。他以原始资料在铝面画布上碰撞出了一个宇宙，让人对画作本质产生哲学与美学上的思考。泰森在一次访问中回忆起这幅作品：“我迷上了静物写生。可时至今日你应该怎么创作静物写生呢？当年的荷兰静物写生里到处都是新世界（的象征），异域的花朵，商人阶层的生活宇宙。我环顾四周，想到我们处在这个信息时代发生的事，一切都在去中心化，这样怎么去画静物写生呢？因为我也重新用手绘方式创作，规模上也正正好好。每一幅作品都是自己的独立的宇宙。”

松谷武判香港首场个展

「松谷武判」

于2020年10月29日至2021年2月11日展出

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