【美博美术馆 | 内容分享】“私心表达：长三角当代油画家邀请展”开幕研讨会

参展艺术家合影

学术研讨会

策划人吕洪良开场白

吕洪良老师：今天非常高兴，我们江苏、浙江、上海的艺术家们可以聚在一起参加“私心表达”长三角当代油画家邀请展研讨会，此次研讨会并没有像其他展览那样特意去邀请名家或者是文化官员，而是想把参展艺术家们作为焦点，三地艺术家们聚在一起可以面对面随意交流和讨论，气氛轻松些，聊聊每一位艺术家作品中的私心表达。下面请我们的学术主持龚云表先生先来开头！欢迎！

学术主持龚云表

龚云表老师：很高兴和大家一起交流探讨，也很高兴认识了这么多新朋友。这个展览筹备了很长时间，应该说作了比较充分的准备，其中主要是吕洪良、陈小松和章振，他们是上海活跃在一线的志同道合的青年油画家，平时走得很近，然后就有举办展览这样的想法，让江浙沪三地的画家朋友能有机会坐在一起交流，更关键的是通过美博美术馆这样一个平台，来举办展览进行交流。我和美博美术馆是很有感情的，从建馆初期就参加了一些展览、为杂志撰稿。现在的展览很多，如何办一个有特色的展览？我想要从两方面考虑，一方面是从艺术本体出发，使画家通过作品表达自己对时代的理解和对审美的追求，是把自己的内心感受画出来，这应是作为一个画家最本质的体现，参展的画家如何通过作品弘扬个性，抒发内心情感。现在很多展览通过作品是看不到画家的，我们就是想把这个展览做到通过作品看到画家，我想我们这个展览做到了。另一方面是如何通过展览来进一步弘扬长三角地区的江南文化和审美精神。参展画家基本都是江浙沪艺术院校培养的画家，具有精湛的学院派功力，但如何建立作品的意象审美的美学品格？怎样传承和发展国立艺专和上海美专的创新精神，我想应引起我们进一步的关注。

美博美术馆执行馆长孔孔

美博馆长孔孔：“私心表达”这个展览是从去年开始策划，展览是蛮曲折的，当时是定在二零年八月份，因为疫情和展览馆内装修，所以放到今天来做。在这里再次感谢上海的几位艺术家，能够把杭州和南京的这些老师聚到我们美博来做这样一次展览，我也很高兴，今天在座的艺术家有一些是跟美博有过合作的，有一些是第一次合作，特别荣幸，我也希望通过这次研讨会能够跟每一位艺术家认识，希望未来我们有更多的合作。

赵军

赵军老师：在中国近现代油画艺术或绘画艺术的历史中，浙江绘画在现当代艺术探索历程中有三个重要的历史遗产。首先就是杭州的国立艺专创建之初，以林风眠、吴大羽先生为代表的，与西方现代艺术运动几乎同步进行的，中国现代艺术的创作与教学，其学术主张影响了赵无极、吴冠中、朱德群等一批后来名满海内外的重要艺术家。其次是80年代中期的“85思潮”为代表的现当代艺术的探索与研究，其中很多的艺术家依然活跃在当今艺坛。第三个重要的思想是九十年代初期，油画系引进的法国具象表现绘画的思想与方法。而在座的浙江艺术家都或多或少的受此影响。

由具象表现绘画方法所引发的核心命题：图像时代绘画何为，成为新时期国美绘画围绕绘画感受力重建当代绘画的核心问题。这里的图像并非仅指我们日常生活中的手机图像或各类图像，而是关于“世界的图像化”，将世界对象化的哲思命题，由此也提出了“非对象性的”绘画何以可能的当代命题。

今天的展览，我们可以看到这种“非对象性”研究的绘画的多重表达。有一直以来，长期琢磨内心秘境的黄河教授的表现性表达；有悬置一切即定手法，“弃技求真”，返真归趣的毛宗种教授和李院立教授；也有长期耕作于江南乡村，融淳淳乡情于如大地般厚重有力的画面的宋永进教授；以及通过中西时间观念切入中西艺术语言转换的本人的创作。每一位艺术家都竭尽所能去接近那个艺术真相的命题。

浙江的油画和上海油画的关系非常密切，在中国文化中，中华文化中最核心文化之一就是江南文化，江南文化的品质在很大程度上内在影响着中国的艺术家。今天的展览的主题是“私心表达”，“私心”，我想就意味着一份“真心”，而在这些展览的作品中，很多的艺术家都试图通过去“技”返“真”，将内心真实的情感体现在作品上，因此在此“私心”就装变成一种体现艺术家真情实感的一种真实，这种表现可以看到其内在思想的真实性。

另外，我们还需注意“私心”的一种潜移默化的身份性。这些年我们常在欧洲做展览，在展览交流期间会发现这样的情形：其实欧洲人不太会关心我们讲的是什么，他们更多的是关注这个画面能不能对他产生反应，那么这就需要我们回归到自身文化中去，运用具有中国观念以及中国特色的色彩和符号去做交流，去集中一些可供文化交流与文化输出的内容。那这就使得我们会集中思考自身的身份与文化的内容。文化交流最重要的就是一方面能够让别人听得懂，然后再来讲怎么交流，另一方面就是能说出区别来，有区别才能有所对话，有所交流。当然交流的前提就是大家能够把各自心里原来的那种障碍破开。我就说这些，只是表达一些自己的想法，也不知道是否正确，希望得到大家的批评指正。

龚云表老师：今天在座的都是学院派，学院派是个中性词。但是这个学院非彼学院，两个学院不一样。我们就是南方，我刚才讲的就是中国的美术一个是上海美专，另一个就是南京艺术学院，这个传统是不能丢的，而如何把它坚持下来，这是非常了不得的。

庄重

庄重老师：画自己真正的感受。绘画是一种语言，用它来表达自己内心深处的感受，我觉得不管考虑多成熟，从动笔那一刻起，绘画会有自己的方向。所以要根据画面来调整画的意味，这个世界不变的东西就是变化，如果能画到非常接近自己的想法就已经很不错了，对画面的掌控至关重要，但这确实很难。

油画艺术的传承和发展，还是要看个人的方向。美术史上那么多的流派都给我们提示了一点，就是更加个人化，只有这样，才会有一个很好的生态。根据自己的喜好去选择某些画家的影响，这就是传承，然后通过自己的解读，再结合自己的感受、思考，这样的创作，才有底蕴，才有看头。原创不可能脱离传统的影响，就像孩子的绘画是最直接的，但也是同质化的，放在一起很难分辨是谁的作品。

绘画创作说到底还是小众的。在创作的时候我更多的是考虑自己的想法，准确地说应该是和我一类人的想法。一个画家，如果只考虑自身，那么他并不可爱，如果不考虑自身，那么他并不有趣。

风格不重要，格调最重要。一张画，选择一个合适的手法去表现就可以了，但是这种手法，是不是那么讲究，是不是那么有意思，这个值得商榷。画家的风格是慢慢积累来的，不要刻意，慢慢就会形成，要善于将偶然变成必然。

章振

章振老师：不是“对不对”，而是“是不是”。一，艺术首先得创造，无论何种画派画法，没有创造便没了新的生命力。二，创造依存于内心的真实表达，否则，成了哗众取宠的游戏。三，而内心的表达来自于对身体周围目之可及的观察，重要的是观察的角度及切入点，换个角度观察或许能会带来不一样的生命体验。四，如此，创作过程才可能产生些意义和乐趣。三者缺一不可。至于如何丰盈自己的内心则需做大量画外功了，阅读大师作品，了解绘画（美术）发展史，包括文学，诗歌，音乐的涉猎与探究等等，都属丰羽的途径。

宋永进

宋永进老师：我谈三个关键词。一个是“国展样”，即所谓“主体性”、“宏大叙事”、“传递正能量”等等，总之要有一份“公心”，有一个标准的绘画样式。“国展样”层层套路，缺失了个体的魅力。所以说到“公心”，总有几分距离感，甚至有几分惶恐，不得不让人保持警惕。“私心”这个展览名称，倒显得更亲切更可信。我喜欢这个标题。第二个关键词是“学院”。“学院”常常代表技艺的专业化，代表理论的学术高度，色彩造型啊，形式感啊，艺术修养啊等等，背后却往往空洞无物不接地气。这次展览上的艺术家有很多就出自学院，甚至有些艺术家仍在学院担任教员。可喜的是，他们身上大都闻不到这股学院味。第三个关键词是“西方艺术”。我们无休止地在学习西方膜拜。

西方，模仿西方艺术家的口吻讲西方人的故事，甚至期待西方艺术的审判和认可，可西方艺术家又在做什么呢？到欧洲各国的博物馆、美术馆走一圈才发现，西方艺术家都在讲自己的故事，甚至贫穷的非洲人也在跳自己的舞，活在自己的世界里，那份自在、那份自信、那份狂野、那份发自肺腑的欢快，既深深地感染了世人，更让中国艺术家汗颜。所以我渐渐远离西方艺术，开始回到中国，讲述脚底下的故事，试图描绘早已刻入自己心灵深处的某种文化基因。

夏开丰-同济大学人文学院副教授、博士生导师

夏开丰老师：这是我今年第一次参加的展览活动，我和洪良是老同学了，很多年没见，他策划了这次展览，说让我过来看看，我就来了，没想到还有一个研讨会，还不是很了解，也不敢乱评价，我就对刚才几位老师的发言做一些呼应和延伸吧。这次展览的主题是“私心表达”，这大概是说艺术家个人情感和思想的表达，然后我又看到大家的画很多都是画风景，我对这个主题又有了一个新的感想，法国有位著名的文化地理学家叫边留久，他写了一本书叫《风景文化》，他说对欧洲来说，风景的诞生是一件很晚才发生的事情，虽然有些画的背景出现了风景，甚至有些就是在画风景，但这不一定意味着就是风景的诞生，因为其中一个最重要的标志就是风景成为自我意识的表达，风景成为了思想，所以他在晋宋时期的宗炳那里才真正出现了风景。这个想法其实跟私心表达是有点相似的，有了私心表达，才有了风景，这个正好是我们江南文化非常重要的一个传统。在中国文化中，山水为什么会这么重要？我觉得有一个很重要的原因就是，就像法国哲学家梅洛-庞蒂说的那样，风景特别适于画家把自己的身体给予自然，这样，风景就不再是与我们相对的客体，主体和客体之间很难区分，风景仿佛就是与我的身体融为一体的，所以画出来的东西既是风景又是自我，这个概念是我从私心表达引申出来的。

黄河

黄河老师：在最近，刚好上海艺术展览狂欢季这样的一个背景下，美博美术馆去做一个这样的学术性展览活动，反而凸显出它独有的价值。身处商业资本围绕艺术明星的时代节点，如何清醒的认识我们现当下的状况，对坚守学院的艺术家尤为重要。既要庆幸身处的环境，但同时艺术家更需要坚持做好自己的作品，因为我们的作品既要有时代的激流的痕迹又包含内心的真实流露，而这源于艺术家自己的认识判断和艺术脉络。

胡继宁

胡继宁老师：首先很感谢洪良博士能创造一个这么好的平台。感谢龚云表先生给我们写的这么好的展览主题。我一看就感觉特别好，因此我也想从这个角度，来简约谈一谈我所理解的“私心表达”。应该说这是一种艺术家独立的思想，这点对于艺术创作来讲是非常重要的。今天展览的13位画家13种面貌，大家都朝着这个方向去表达内心。其实做到这一点是很不容易的，比如梅洛·庞蒂所著的绘画现象学名篇《塞尚的疑惑》，塞尚究竟疑惑什么？塞尚作为现代绘画艺术之父，其作品一直在研究绘画的深度以及可见性与不可见性的关系，把身体作为直达世界本质的通道，并怎样竭力把自己的情感运用到自己的画面上。其实我学画画，我一直认为我自己是一个业余状态。因为我以前是学设计的，我关于绘画的问题与感受是从边缘性的角度去考虑的。绘画不仅只是可见性的一方面，我们以前看到的容易跟着客观、自然这些东西走。那么我们的内心在哪里？不可见的一部分可能是最为真实的。所以梅洛·庞蒂在他的现象学理论里面还谈到了镜子，镜子中的景象对应最真实的我，对这个道理我觉得应该是相当吻合的。那么我谈一下我参展的这些画，其实是我当时在写博士论文的时候，我的导师靳之林先生他比较关注本原文化和民间美术这一块儿。然后就让我去考察西南、西北的一些民俗，包括人类学的一些方向，那么跟绘画相结合的这个意义很大，在学术上是一个大课题。那么我去看了之后，后来留下一个很深的印象就是通过视觉带给身体一种本能的感觉。还有一个，我是农民子弟，所以无形中就回到世界的本初，坚实地扎根于大地与肉身。就是我想通过绘画去思考存在，我活着我是谁呀？我是农民，我是大地的儿子，所以我特别喜欢画农民、画土地。我喜欢特别真实的、质朴的美，我一系列户外写生就是围绕这个。以前觉得一张画要好看，后来我发现这个东西不太重要了。那么这个问题就是说，你怎么把自己的情感像锄头一样运用在画布上，我就始终去找一种感觉和绘画的状态，就像我父亲在锄地，笔与锄本质上是一样的。所以我画的很难看，画得丑、画得土不要紧，但我内心世界却受到一个很大的治愈。前几年我基本上每年会有三到五次机会去考察，去看西北，也去看苗族、彝族。尤其他们在做这个仪式的时候，成千上万的人在视觉上就特别震撼。所以我就很关注仪式。然后这两年，我也参入了著名人类学家庄孔韶先生所策划的学术活动。他也有一个非常大的举动，就是人类学的学术怎么通过视觉的呈现，所以他提出人类学绘画的概念。所以我拿出这系列作品并不是一个完整的创作，实际上类似于草图组画。文化考察有两种必不可少的路径：一个是文字的记载，一个是作为图像的记录。

李院立

李院立老师：好的艺术品一定是有温度的，是艺术家生命体验的具体呈现。一件艺术品不仅自身具有独特的艺术存在形式，也是艺术家特别个体存在的证明。艺术作品与艺术家气质应该是一致的，从艺术作品中，我们能感知到艺术家的呼吸、心跳、激越、沮丧、彷徨、绝望等生命律动与情绪。艺术作品是艺术家活过的证据，是艺术家生命搏斗过的战场。

刘峰老师：我认为策展人吕洪良老师和学术主持人龚云表老师对此次展览的定位非常准确，“私心”不是表面意义上说的“利己之心”，而是“个人心意”之意，是画家为实现个性化形式语言的建构及其表达，以此来区别于那些宏大叙事的主题性展览。参展的13位画家，13种不同的绘画风格，13种表达的可能，的确体现出这个画家群体成熟的创作心态和丰厚的艺术学养。

作为参展画家，我从美院教育开始就被传授以“主题创作”的创作方法，这是一种从前苏联传入的苏式美术教育体系下的产物。这种方法在改革开放初期曾经产生了非常有影响力的作品，代表了当时画家们对时代和艺术的思考。但随着各种美术新思潮的传播和信息时代的到来，画家们有了更多表达方式的自由与可能，而主流展览却缺少实质性进步，很多作品是为参览而创作，从而陷入了程式化和空洞化，这显然违背了艺术创作的初衷。我个人也深感随着“图像时代”的来临，“主题创作”缺乏对于图像激增所产生问题的回应，也无法满足我在创作中的表达需求。

我个人创作的方法与此次展览的立意不谋而合，就是围绕一个核心：真实的情感表达。首先我感到我们正处在一个急速发展的特殊历史阶段，这是一个中国传统社会的农耕文明逐渐被西方现代工业文明所入侵、取代的过程。在这个过程中，每个人都需要调整自己来应对生存环境的急速变化，每个个体也都经历着心灵与情感的历练。随着城市化进程的不断深入，我所熟悉的自然风景正一点点地被吞噬，举目望去，到处都是新建的楼群，拓宽的公路。看到污染的河流，砍伐的山林，我感到很悲哀、失落，心灵的归宿感也越来越远。正是在这种状态下，我开始了这个系列作品的创作，画的都是城市边缘的风景。画幅上我选择了中等尺寸，构图也安排的比较满，造型上多以尖锐和扭曲的。线条，色彩也多是阴郁和异化的。这样的作品看完之后令人五味杂陈，悲欣交集，我觉得这既是人到中年之后复杂难言的心态，也是时代带给我的沉重深刻的生命体验。这个系列共画了45幅，最终以《难以释怀的风景》为题做了个展。现场展出时观众普遍认为作品比较有新意和时代感，其中有位不懂画的大妈向我诉说看画的感受，她觉得心里很堵。我明白那些作品真实地打动了她，她是用自己的直觉和生活体验看画。我觉得自己做到了，这正是我进行绘画创作的价值和意义所在。

毛宗种老师：很高兴收到吕洪良先生邀请来参加这次展览活动。看到展览的主题——“私心表达”顿时心生好感，非常符合现当下去中心化的时代背景，每一个人都像是花园里的一个生物，彼此独立相互滋养，以艺术家的主体表达应该是这次展览的核心。这让我想起几年前的思考的一段文字，我想非常符合这次展览的宗旨。

绘画者在创建绘画的同时也在构建绘画者本身。在这图像万千的时代里，绘画所要面临的是被“摄影”、“图案”、“电影”、“视频”、“图像”、“影像”、“设计”、“故事性”、“装饰性”、“媒介”等等概念的肢解与挤压，剩下的只有绘画与绘画者的本身。绘画是绘画者的工作也是绘画者的产物，绘画者在创建绘画的同时也在构建绘画者本身。绘画又如同绘画者的密室，残留着主人的气息与习性，以及绘画者身上所有的烙影。也是通向绘画者本身的通道，而打开这个通道的密匙唯由“本真”。

同时在这媒体异常发达的当下，绘画将通过各种渠道的传播，以各种姿态面相观众，这也是绘画者必须面向本身之外的世界。这样的面对更考验绘画者的智慧与真诚。

陈小松

陈小松老师：龚老师好！各位老师好！刚才老师们讲的都很好，也很深刻。在此我就不多说了，每个画家的情况都不一样，我就讲一讲自己对绘画的点滴感受。我是个职业画家，大多时间自己说了算，没有太多的约束，纯靠个人自觉。画画是我每天生活的一部分，个人觉得应该简单些，画自己的所感所想，要慢一些，通过画面去提炼，去踫撞，笨些也没关系。

我喜欢静的感觉，这种感觉贯穿我创作的始终。我希望每个观者在我画前都能放慢脚步，感受到那份静谧的表达。

绘画创作的过程是艰辛与快乐并存。每个画家都在享受这份劳动，无怨无悔。大自然给予艺术家的永远是无限宽厚的胸怀，只要不断去摸索，一定会有他的规律，去领略其中的真谛。要不断去磨炼自己，才会有深厚的艺术功力。画家要以自然经典为师，培养真诚的生活与艺术感悟。更需要摆脱束缚自己的教条框框，保持真诚自由的创作状态。很难…但我一直会走下去。谢谢大家！

芮志诚

芮志诚老师：对传统绘画语言的自由运用和其在现代语言的创新，以及绘画的独立品性和主体的创造精神，是现代意识和个性品质的精神化。在空间处理上近取其实，远取其质，实质就是现代绘画的二维的做法。将现实中的山水解构，重构，甚至是抽象，夸张，还原了画的本身原始的自然状态。

蓝剑

蓝剑老师：奥地利物理学家薛定谔1935年提出著名的“薛定谔猫”佯谬：将一只猫关在装有少量镭和氰化物的密闭容器里。镭的衰变存在几率，如果镭发生衰变，会触发机关打碎装有氰化物的瓶子，猫就会死；如果镭不发生衰变，猫就存活。根据量子力学理论，由于放射性的镭处于衰变和没有衰变两种状态的叠加，猫就理应处于死猫和活猫的叠加状态。这只既死又活的猫就是所谓的“薛定谔猫”。

显然，既死又活的猫是荒谬的，这使微观不确定原理变成了宏观不确定原理，客观规律不以人的意志为转移，猫既活又死违背了逻辑思维。薛定谔原来想要借此佯谬巧妙地把微观放射源和宏观的猫联系起来，旨在否定宏观世界存在量子叠加态。然而随着量子力学的发展，科学家已先后通过各种方案获得了宏观量子叠加态——美国科学家成功让6个铍离子系统实现了自旋方向完全相反的宏观量子叠加态，也就是现实世界存在“薛定谔猫”态。

社会历史和文化艺术与量子物理不在一个范畴，但许多变幻莫测的现象也似“薛定谔猫”态一样的难辨。大乘唯识体系——玄奘西行求法取回的“真经”在唐末几近绝迹，可同期的禅宗在六祖慧能之后发展壮大影响深远。“真经”体系复杂、演绎方法繁琐，而中土尚简、重感性等文化倾向更适合禅宗净土宗；历史又表明究竟义理的缺乏和禅净合流后“空心化”趋势某种程度导致了明清佛教的衰落，也正是此时唯识体系重新复兴还影响了熊十力等人的新儒学发展。

少年时代学画老师们推崇“洋油画”，历史因缘是上世纪五十年代徐明华和张华清诸祖师从圣彼得堡列宾美术学院取回“真经”传到南京，老先生们是中国留苏学派的翘楚，对西方油画写生体系的把控微妙精深又赋于东方人特有的表现力。苏式体系中的精华部分是光色观察和色阶微妙对比，这对于习惯简练的固有色观察的普通人是难以理解的。

西方的色彩学与光有联系。1666年牛顿利用三棱镜把阳光分解成彩色光谱，并且计算出不同颜色光的折射率，揭示物质色彩是不同颜色的光在物体上不同的反射率和折射率造成的。牛顿为了探索光的组成还设计了研磨抛光机，实验各种研磨材料，这些成果包括反射望远镜的发明都奠定了现代光学基础。在大量的观察实验和数学计算后，牛顿还提出了光的“微粒说”，认为光是由微粒形成的，并且是最快速的直线运动路径。与牛顿同时代的英国科学家布鲁斯特用红、黄、青三种颜料混合出橙、绿、蓝、紫四种颜料，并还混合出其它更多的颜料。在这些科学研究基础上，1820年前后英国画家康斯太勃尔开始表现风景里的光色变化，对印象派影响巨大的德拉克洛瓦也深受这位前辈启发，他兴奋地评价康氏调配不同的绿色画出了史无前例的草地。

正是光的物理运动造成了色彩观察和运用中也有近似“薛定谔猫”态的叠加现象。我们以薛定谔同时代的瑞士艺术家约翰内斯·伊顿（ Johannes Itten ，1888–1967.）的系列同时对比色彩实验之一为例：在四个的不同纯色域内嵌进同一个灰方块。在绿底上，灰方块看上去略带有红色；在红底上，灰色似乎略带有绿色；在紫底上，略带黄色；而在黄底上，就会呈紫灰色。大量案例显示一种色彩在不同状态中会“变性”，这也是千变万化的写生色彩中比较难处理的，南京地区前几代的油画老师在此方面把握得很出色，可惜随着时代的变化这一特色逐渐削弱。

约翰内斯·伊顿是拜火教徒，色轮、色球之类系统或许与古老的光火崇拜等文化有关。光火崇拜等现象也是古代文明进化的表现，推动了意志和形式的成熟，亦逐渐影响科学、生产、经济、艺术各领域。同样，星象学、炼金术等传统长期滋润着牛顿的科学和形式研究。没有这些文明的营养，艺术包括科学会缺乏活力。但历史表明有时候一些巫术式的操作往往容易极端，最终包豪斯艺术学校终止了伊顿的教职。因此，西方的色彩可能和印欧语系地区人类进化中形式意志文明有很大关系。人类进化活动中发展起来的形式意志推动着空间、造型、形式、光色等方面演化出特有的“算法系统”。包含着歌德-牛顿-龙格-贝措尔德-谢弗勒尔-赫尔策尔-伊顿-康定斯基等人色彩发展路径的“算法系统”在海外应该有很丰富的相关细节内容，但在汉语世界生活的我们至今缺乏了解，这也造成国人对油画的隔阂并使得中国油画进一步本土化发展。

历史和文化发展变幻莫测，就如量子态叠加纠缠的“薛定谔猫”那样扑朔迷离。油画作为中西文化交汇中重要的艺术样式也在我们身边经历种种佯谬：曾几何时吴大羽、苏天赐的风格一度未被社会重视，而今天中国特色的意象油画正彰显其丰富的表现力。在当代艺术兴起而油画被质疑为“过时”的情境下，年近九十徐明华先生仍然坚持去写生乡村的雪景，亦如弗洛伊德一遍又一遍地去写生人体。西方写生色彩在中国艺考中发扬光大，培训机构琢磨出快速有效的临摹画法帮助广大考生取得理想成绩。经过艺考的油画专业本科同学大多已很难再去自然地体会写生中寻觅光色变化的各种不易和情趣。外国专家来南艺上素描课要求用尺量出人体相关尺寸再按比例确定画面相关造型，师生们只能被动适应这样的教学。油画系留学生最喜欢的课程之一是下乡写生，他们中部分同学祖国的艺术学校由于宗教等原因是禁止人体课程的，部分油画发源地国家的同学已无法在本国系统学习传统油画技艺。

吕洪良老师：听了各位老师精彩的发言，我觉得有一个共同的东西。包括我们宋永进老师也说，去国外去看了一圈以后，发现他们都活在自己的世界。哪怕是非洲，虽然他们很穷，但是他们那种舞蹈。你看完之后就莫名其妙受感染，没有任何约束，从而更加坚定了自己要画的主题；包括黄河老师也说到在上海艺术展览狂欢季这样的一个背景下，西岸等很多艺术馆沦为一个网红打卡点，那么艺术到底是什么？因为我也一直在思考，在策展语里面引用了梁簌溟先生在《中国文化要义》中说到“中国文化最大之偏失，就在个人永不被发现这一点上。”我以为当下的很多绘画也有这本不该出现的偏失，在大量的绘画作品里很难看到个人，很难画如其人，而是出现“画如其女人”的现象（钱钟书语），那么我认为绘画里面恰恰是要体现出一个“个人”。

另外一个，就是我要继续追问一下人生的价值，我引用了钱穆先生说的“自然的人生”和“文化的人生”两个概念，他认为“宗教家，哲学家，文学家，艺术家，科学家一起，应为文化人生创造出更好的新目的，提供出更好的新自由。”我以为这应该是做一个艺术家最高尚部分的价值，其次才是那些流行的拍卖价值也好，销售价值等等。这次展览，从学术主持到策展人，到参展艺术家们，我觉得我们在精神点上是契合的，就是绘画体现人格，这些因素使得这次的展览能够有比较好的效果。谢谢大家！