常青画廊参展「世纪·浪潮——2020海花岛国际艺术邀请展」

劳瑞斯·切克尼于1969年出生于意大利米兰，现仍生活并工作于此。 在劳瑞斯的作品中，摄影、绘画、雕塑和装置相结合，形成了统一的诗学，其主要元素是形变。他作品中的主题包括多种拼贴和详尽的建筑模型，再创造的拖车和树屋，结构扭曲的空间，以及五光十色、透明的覆盖物和表面。

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▲ 《水骨（绿色海绵+L系统》》Waterbones (Green Sponge + L System)，2018年，2000个不锈钢模块，声音由阿莱西奥·德·吉罗拉莫（Alessio de Girolamo）创作

大型装置“水骨”由2000个抛光不锈钢模块(称为“水骨”或液态骨头,强调其轻巧和形态自由)组成，具有生物学隐喻性：孵化和开花的细胞在对话中释放出分子成分空间，以完全自主和自给自足的方式发展。在空间中的介入是钢模块化元素的无限似的组装。水骨模块的连接使我们可以感觉到一个移动的集体主义。装置与承载它的建筑相互作用，人们穿梭其间的步伐调动着感知，在这远观和近看的实践中，社会关系和观点得以建模。

雷安德罗·埃利希于1973年出生于阿根廷，现工作和生活于布宜诺斯艾利斯和蒙得维的亚两地。过去二十年里，他的作品在世界各地展出，并被各大博物馆和私人收藏家永久收藏。埃利希18岁时在布宜诺斯艾利斯的雷科莱塔文化中心举办个展，开启了他的职业生涯；在获得几项奖学金（国家艺术基金会，火炬基金会）后，他在美国得克萨斯州休斯顿的艺术家驻地项目——核心项目里继续学习（格拉塞尔艺术学校，1998年）；在那里，他创造了自己的标志性装置作品《游泳池》（Swimming Pool）和《客厅》（Living Room）。2000年，他参加了惠特尼双年展；后于2001年代表阿根廷参加第49届威尼斯双年展（2001年），展出了其具有里程碑意义的作品《游泳池》。

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▲ 《更衣室》Changing Rooms，2008-2017年，木结构，金色框架，镜子，窗帘，凳子，衣钩，尺寸可变

进入这间豪华更衣室后，观众将面对正反两面的全身镜，而多个更衣室则延伸到镜子之外的空间中，人们期望在镜中看到自己。进入更衣室的一侧会被立刻引入另一间更衣室，有时会瞥见远处镜子中反映出的自己的形象。而且，人们突然出现在更衣室镜子之外的空间中，这使你有机会遇到一个你不认识的人。这样，更衣室就像迷宫一样在镜子外扩展和增加，就像刘易斯·卡洛尔（Lewis Carroll）的《穿越玻璃》中的主人公一样。仿佛要消除镜子的这一面与那一面之间的区别，或者自我与他人之间的区别，我们逐渐在这个拥有30多个更衣室的交织迷宫中迷失了自己。

帕斯卡尔·马尔蒂那·塔尤 1966 年出生于喀麦隆的恩康桑巴,现生活和工作于比利时根特和喀麦隆雅温得。他自九十年代后便蜚声国际,尤其是在参加第十一届卡塞尔文献展(2002 年)和威尼斯双年展(2005 年和 2009 年)之后。他的作品具有多变的特点,因为他没有将自己的艺术作品局限于一种媒介或者一系列特定的问题。

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▲ 《粉笔 ö》Chalk ö，2015年 ，粉笔 ，220 x 170 x 7 厘米 

塔尤的标志性作品《粉笔 ö》(Chalk ö)是由彩色粉笔构成的艺术品,其图案,包括色彩范围都让人联想到某种非洲西部的挂毯。他将粉笔作为一种实物而非绘画媒介,并结合了对家乡传统工艺的结构暗示,从而将作品转化为他对自己艺术家身份以及在全球文化中所处位置的探索。

帕斯卡尔·马尔蒂那·塔尤总是顽皮地将普通工具的原始目的,转化为能够传递美好信息的色彩丰富的艺术品。《粉笔》系列正是他这种能力的完美展现,在他看来,粉笔不单纯是一种用于书写和绘画的工具,它还拥有与生俱来的象征意义,即学校和教育。

汉斯·欧普·德·贝克于1969年出生于比利时的蒂尔瑙特，现今在布鲁塞尔生活和工作。他制作大型沉浸式装置、电影、雕塑、照片、绘画和文本。2018年，贝克为法兰克福Schauspiel剧院创作并执导了自己的第一部作品《盛宴过后》，同时还参与了布景、音乐和服装的制作。他的作品反映了我们复杂的社会以及普遍人类思考的问题——生命的意义。他激发观众的感官，并邀请他们进行真正的影像体验。

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▲ 《线》The Thread，2015年 ，完整高清视频，有声 ，15分30秒 

“无论时间、地点、周遭，命运总会把那些注定要相遇的人用一条无形的线连接起来。”汉斯笃信这一观念，由此创作了《线》。

乔瓦尼·欧祖拉于1982年出生于意大利佛罗伦萨，现工作并生活于西班牙加那利群岛。作为一名多学科艺术家，欧祖拉以摄影为主要创作媒介，同时也兼顾影像与雕塑装置。其主要研究方向为对“无限”和“探索”的概念化呈现——既是地理学层面的，也是自省的。欧祖拉于2019年在上海复星艺术中心举办了其首次中国艺术机构大型个展。

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▲ 《隐形-不可见的沉船》Stealth - invisible shipwrecks，2017年，铝，072C蓝色，238 x 305 x 258 厘米，345 x 284 x 191 厘米，270 x 249 x 179 厘米

与他的摄影作品密切相关的其他雕塑作品和录像装置讲述了光的视觉及其感知，人类在地球上秘密地存在着。《隐形-不可见的沉船》，“不可见”的几何图形，是欧祖拉在多次参观比萨的IDS中心后完成的一项作品，它展示了空中军舰形式的碎片，它的造型是为了保持隐秘而不被雷达所识别（隐形技术）。这些简单而荒谬的形式，例如随时间沉没的残骸，由于倾斜和锋利的表面上的光线被破坏，像是本就来自海底一样，从地底繁衍而出。如同猛烈的海浪，冲破了地面，向上攀爬。船体的内部是蓝色，好似夜晚的海水折射的光线。

安尼施·卡普尔1954年出生于印度孟买，现工作居住于伦敦。他先后在伦敦弘赛艺术学院(1973-77) 和切尔西艺术学院 (1977-78) 就读。他近期的个展包括：安尼施·卡普尔同名个展，中央美术馆学院美术馆及太庙艺术馆（2019）；塞拉维斯博物馆，葡萄牙波尔图 (2018)； “沉降”，公共艺术基金，布鲁克林大桥公园1号码头，美国纽约 (2017)；纪念公园，阿根廷布宜诺斯艾利斯 (2017)；MAST基金会，意大利博洛尼亚 (2017)；当代艺术大学博物馆，墨西哥墨西哥城 (2016)；拉土雷特修道院，法国里昂 (2015)；法国凡尔赛宫 (2015)；俄罗斯莫斯科犹太博物馆及文化中心 (2015) 等。他曾于1990年代表英国参加第44届威尼斯双年展，并荣膺“Premio Duemila新秀艺术家奖”，并于翌年成为“特纳奖” 得主。 其大型公共艺术项目包括：《马西亚斯》，伦敦泰特美术馆 (2001)、《云门》，芝加哥千禧公园 (2004)、《圣地》，英国米尔德斯堡 (2010)、《利维坦》，法国巴黎大皇宫 (2011)、《轨道》，伦敦奥林匹克公园 (2012)，以及在日本的世界首个充气音乐厅《新方舟》(2013) 等。

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▲ 《分裂 (激光红二次合成，苹果和钴》Split (Laser Red 2nd mix, Apple and Cobalt)，2018年，不锈钢和漆，146 x 146 x 21厘米，57,48 x 8,27 英寸

安尼施·卡普尔形容自己是一个会雕塑的画家。他认为雕塑一直都是关于世界的存在，一个事物并非必然存在。“这就是绘画的本质。它是一种心灵景观或灵魂景观，而在这一层面上，雕塑将是一个人体景观。”对他来说， 这两种东西似乎以某种方式融合在一起，因此他制作了一些关于虚幻空间的实体物。他的第一批作品都是红色和白色的。他开始做他一直以来所做的事情：处理对立的事物，所以红色成为了对艺术家来说最重要的色彩。红色和白色似乎是一对经典的对立颜色。

米开朗基罗·皮斯特莱托1933 年生于意大利比耶拉 。1961 年至1962 年间,他创作了最早的一 组“镜画”作品，将观者本身与实时现场纳入其中,带回被 20 世纪前卫艺术所摒弃的文艺复兴透视法，并将其逆转。此作品很快令这位艺术家蜚声国际，并于 60 年代在欧美重要画廊与博物馆举办诸多个展。“镜画”系列也成为其艺术创作于理论思想的基石。1965 年至 1966 年间，他创作了一组名为《迷你物品》的作品，被视为“ 贫穷艺术”运动的奠基之作，皮斯特莱托也成为这一运动的核心力量与领军人物。

▲ 《彩⾊⼆减⼀》Two Less One colored，镜⾯，镀⾦⽊框，共2 件，每件180 x 120 厘米

《彩色二减一》，两个镀金框架的大镜子放在两堵墙的角落，互相反射。皮斯特莱托在表演过程中用锤子砸碎了其中一个。当镜子被砸碎时，它不会失去反射的能力，但实际上它会乘以碎片数量。镜子的每一个碎片，无论其大小如何，都保持着大镜子的特性，反映了存在的整体。