中国艺术家蔡国强以火药创作艺术而闻名。他会在画布上点燃火药，创作烧焦的画作，亦会以火药设计大型烟花活动，其中以2008年北京奥运会的表演最为瞩目。

蔡国强生于1957年，1999年在威尼斯双年展上荣获金狮奖，成为首位获此殊荣的中国艺术家。自此，他便以爆炸式的公共装置艺术而闻名，从美国俄亥俄州克里夫兰到俄罗斯莫斯科，全球观众都为其叹为观止。

此纪录片由执导《攀越冰峰》（Touching the Void）及《云妮侯斯顿：永恒的天后》（Whitney）的导演Kevin Macdonald制作，他一直跟随蔡国强拍摄，见证艺术家完成迄今最瞩目的创作——一架以烟火点亮并悬浮于夜空之中的500米长梯。作品旨在庆祝蔡氏祖母的百岁寿辰，展现这位国际知名艺术家对家乡的深厚感情。

1978年和1979年的夏天，杰奎琳‧韦尔德（Jacqueline Weld）访问佩吉‧古根海姆（Peggy Guggenheim），为这位大胆前卫的艺术赞助人传记《Peggy: The Wayward Guggenheim》收集资料。然而，访问的录音带却下落不明，从未公诸于世。

数十年后，当导演Lisa Immordino Vreeland决定要制作一套关于古根海姆的电影时，从未想过会找到那些录音带。她偶然到访韦尔德家时，在地库一个放满书本的箱里，发现了这批消失多年的录音带，它们最后亦构成了这部优秀纪录片的框架。

电影主要探讨历史学家对古根海姆的评价，因为世人常常批评她的品味被身边的男性友人所左右，包括马瑟韦尔（Motherwell）、罗斯科（Rothko）和波洛克（Pollock），但处境相同的男性，却永远不会遭到如此指责。

在这部纪录片的一幕中，这位塞尔维亚行为艺术家对着镜头大笑道：“我想在死前成为一种真正的艺术形式。” 然而，她的眼神却清楚地显示出自己绝非在讲笑。

玛丽娜·阿布拉莫维奇（Marina Abramović）正在筹备其事业生涯的巅峰之作——2010年在纽约大都会艺术博物馆（MET）举行的个展 “艺术家在场”（The Artist Is Present），镜头跟随她的脚步，记录下她的准备过程。在连续3个月内，她每天有7个半小时坐在木椅上，不吃不喝，严肃地凝望着坐在对面的人。阿布拉莫维奇起初被人视为疯狂，后来则获誉为行为艺术始祖，导演Matthew Akers在纪录片中亦穿插了艺术家一生的故事，并试图解答如何定义艺术的问题。

查理斯（Charles）和雷·伊姆斯（Ray Eames）夫妇出身寒微，最初在洛杉矶家中的空房里制作夹板椅子，后来终于成为知名建筑师、工业设计师和电影制作人，对二十世纪的美国影响深远。

身处家中的伊姆斯夫妇，约1970年，电影画面。© 2011 Eames Office, LLC

《伊姆斯：建筑师与画家的天才二人组》（Eames: The Architect and The Painter）由好莱坞演员詹姆斯‧法兰科 （James Franco）旁述，透过档案影片和业界重要人物的访谈，道出夫妇二人的故事。《纽约时报》形容这部获得皮博迪奖的纪录片 “充满艺术品、资讯、故事和人物，并以有条不紊的优雅的手法组织而成”。

纪录片制作人Gerald Fox曾拍摄关于比尔‧维奥拉（Bill Viola）、马克·奎安（Marc Quinn）和布列特‧伊斯顿‧艾利斯（Brett Easton Ellis）的电影，这次则将镜头转向传奇摄影师罗伯特·法兰克（Robert Frank）。

罗伯特‧法兰克在1958年以摄影集《The Americans》一举成名，现已年过八旬，颇爱抱怨，而电影几乎全是访问这位艺术家的片段。法兰克从曼哈顿布利克街旧工作室外望，表示：“年轻富有的雅皮士当然也有生活的权利，但我不想住在他们隔壁！”

Gerald Fox于2019年才获法兰克同意将电影安排在戏院上映，使公众在时隔14年后得以欣赏这部纪录片。然而，法兰克却在数月后于新斯科舍（Nova Scotia.）离世，远离令他愤忿的雅皮士。

为了记录二十世纪最伟大艺术家毕加索的创作过程，电影制作人Henri-Georges Clouzot不得不采取破格的方法。他与电影摄影师克劳德·雷诺阿（Claude Renoir，彼埃‧奥古斯特‧雷诺阿（Pierre-Auguste Renoir）的孙儿））合作，用透明的画布捕捉毕加索作画时的笔触。

这部电影最初以黑白形式拍摄，在拍摄期间，毕加索创作了20幅作品，每一幅都从最初的简单草图变得越来越复杂。然后，在最后一卷录影带中，画面绽放鲜艳的色彩，全面展现出艺术家明亮绚丽的用色。

电影在1956年戛纳影展中获得评审团特别奖，更获著名《New Yorker》影评人保琳·凯尔（Pauline Kael）形容为 “有史以来最精彩欢乐的电影之一”。

艺术家经常被指责对作品作出费解难懂的描述，但这部摄于1972年的纪录片却意外地清晰易懂，这也许是因为导演Emile de Antonio也来自艺术界，与许多画家识于微时。无论何种原因，他确实成功地展示出了人物的特质，包括安迪‧沃荷（Andy Warhol）、威廉‧德‧库宁（Willem de Kooning）、海伦·佛兰肯瑟勒（Helen Frankenthaler）和贾斯伯‧琼斯（Jasper Johns）等多位著名抽象及波普艺术家。

纪录片的亮点包括法兰克‧斯特拉（Frank Stella）解释塞缪尔·贝克特（Samuel Beckett）对其绘画作品的启发，以及罗伯特‧罗森伯格（Robert Rauschenberg）讲述要擦掉德‧库宁绘画痕迹的难度（需时3周并要使用15种不同的擦胶）。

导演Andrew Neel在作品中探索祖母爱丽斯·尼尔（Alice Neel）作为一位女性画家、单亲妈妈兼颠覆传统的艺术家所面对的困难。在尼尔从事艺术创作的时代，波普艺术大行其道，而她以表现主义手法、厚涂颜料和含蓄色调为朋友和其他艺术家创作的肖像，却被看作落伍而不受重视。

然而到了1970年代，她已颇具名声，不但成为女性运动的一份子，更于1984年离世前不久开始获纽约惠特尼美术馆（Whitney）等大型博物馆展出其作品。

这部长达3小时的伦敦国家美术馆（London’s National Gallery）纪录片拍摄时间长达12个月，片中没有旁白，只以镜头记下博物馆的日常点滴，例如导赏员为学生解说、清洁工人打磨展厅地板、馆长重新摆放画作和常规的私人参观活动等。

资深美国电影制作人Frederick Wiseman的职业生涯始于1960年代，以批判方式审视监狱制度。他的电影作品不加评论、不设采访，亦不标示人物身份，形成自己独有的风格，并藉此不断对艺术及欣赏艺术的人做出冥想和反思。

当Sara Driver的朋友Alexis Adler（尚‧米榭‧巴斯奇亚（Jean-Michel Basquiat）的前室友）向她展示银行保险库内的大批巴斯奇亚画作与文章后，她决定以1970年代末的纽约艺坛为题拍摄一部电影。Sarah于2018年的访问中表示︰“看见她的收藏时，我觉得这不仅是了解巴斯奇亚的窗口，更让人有机会一窥那个年代的纽约。”

Sara Driver的纪录片将档案片段与新的访问相结合，着眼于巴斯奇亚由一位无家可归的年轻涂鸦艺术家，一跃成为艺坛新星的数年重要岁月。画家肯尼‧沙夫（Kenny Scharf）和电影制作人Jim Jarmusch等为人熟悉的下东城朋克／嘻哈／艺坛人物，亦在纪录片中客串亮相，分享他们对艺术家的早年记忆。