导览 ｜「时间与空间」群展作品现场图文导览

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今格空间将于2021年7月10日下午举办十二位艺术家群展「时间与空间」，本次展览延续了2021年6月与西安南山社共同推出的群展「之间」，“之间”的存在释放了一种确定性、艺术本体语言相互转换。本次展览在“之间”的基础上更多维度探讨不同时空观念在艺术实践中的多元显现。

菅木志雄《潜空性》（局部） 木头 160×122×8.5 厘米 2010 年

菅木志雄1944年出生于日本，是日本“物派”的代表人物。他一贯的艺术宗旨是注重物体与物体之间的关系，以及物体与设置空间的关系，通过揭示这种“关系性”来创造新的切入点。他的作品能使人感受到一种积极的、趋向构筑的意识，能看到日本式的空间感和现代构筑感的和谐统一。重要的是他的那些已经完成的装置构筑总是处于一种运动状态，给人以不断变化和发展的想象。 

菅木志雄《通景》 木头 31 ×25 ×8.5 厘米 2011 年

菅木志雄《通景》 木头 31 ×25 ×8.5 厘米 2011 年

菅木志雄于1973年参加巴黎青年双年展，1978年参加威尼斯双年展以及其他一系列重要的国际展览。他是唯一一位至今仍延续“物派”观念进行创作的艺术家，在理论和实践上都更加臻于成熟。1990年代之后，他进而对包括事物与人类的知觉活动在内的“周围性”产生兴趣，并对由此衍生的关系作更深入的探讨。

王宁德《有形之光 被偏振的云 No. 3》 蜂窝铝板、亚克力、透明灯箱片 141×198×6 厘米 2014 年

「时间与空间」今格空间展览现场

王宁德创作《有形之光》这个系列的方法避开了将图像固定到纸质媒介表面上的化学过程，转而将一张完整的图像在透明胶片上有组织的进行碎片化，当暴露于特定的照明时，呈现出来的就是一幅完整影子的图像。最终的结果是，艺术家直接用光绘画，通过电脑和人手的劳作过程创造出幽灵般的图像。 

王宁德通过《有形之光》这一系列影像装置作品来审视摄影过程的本质和奥秘。他利用了摄影的过程而并非制作出严格意义上的照片。《有形之光》系列里的作品所呈现的效果更接近于老式的照相暗盒——一个仿佛悬浮在现实本身之上的幻影。此外，这些由数百个单位组成的网格图像颠覆了传统摄影惯常所见的独幅裁剪的作品。王宁德1972年出生于辽宁省宽甸县，1995年毕业于鲁迅美术学院摄影系，现工作生活在北京。

在马克笔作为材料的创作中，董大为使用的是计算墨水的晕染速率，从纸的一面落笔，使墨水自然洇染画布的手法。董大为精确计算好马克笔中墨水的重量和颜色的配合，在一个点完全干透之后再进行另一个点的洇染，画出一张成功的作品不仅要靠经验的积累，还有非常多客观的不可抗力。这种创作方法的困难之处正是它的可贵之处，就是这样的绘画方式是独创的、全新的，没有任何艺术家和案例作为参考，要靠一次一次推翻自己的经验完成。

董大为《尘归尘系列》（局部）墙上色粉笔 300x330 厘米 2021 年

这种创作手法的价值远大于单独展示成品的意义。《尘归尘系列》是艺术家于展览前一周在现场刚刚完成的作品。艺术家在绘画时，身体在运动，粉笔末也在往下掉落，这个创作过程中的痕迹被层层掉落下来的“无用的”粉末以一种理性的方式保留下来，而且掉落下来的不同颜色的粉末在气流的作用下逐渐散开并积累在绘画载体的周围，使绘画实质性的走向三维空间，并且，绘画不单单呈现了最终结果，而且“形象”地呈现了它的过程。 

董大为1981年出生于中国大连，2004年毕业于鲁迅美术学院，2011年毕业于法国布尔日国立高等艺术学院。

付小桐于1976年出生于山西，2000年从天津美术学院取得学士学位，而后在中央美院的实验艺术学院获得硕士学位。她不满足于素描和绘画所带来的视觉张力，而通过在手工加厚的宣纸上，以不同方向的针刺孔来创作。在她的纸上作品中，她通过一种密集的劳作方式，以精湛的技术在较厚的手工宣纸上用针刺孔。这些不同方向的针孔日积月累，直到缓缓呈现出或宏观如山脉和惊涛骇浪，或微观如生命细胞的图像。 

针孔数目是付小桐为宣纸作品命名的方式，从2016年下半年开始，她希望宣纸上创作出来的不只是“绘画”，而是“雕塑”，希望将创作方向从一种具象的描述转化为立体空间上的抽象式发展。不仅仅是想要与传统文化形成对照，同时也是她对女性自我意识更为纯粹的诠释，以及在对人类原始信仰做过一定了解和研究后，借助作品去展开挖掘。这也是为何如今她的作品里有大量类似于女性乳房、细胞裂变，或是卵类的外观。这些作品大多会呈现更为强烈的立体感，扎孔方式也发生了变化，从一个中心圆点发散来扎。有时候作品中鼓起来的部分可以高达8-10cm。针毁坏了纸面的完整性，但也由此赋予了纸面新的能量。

Antonia Low 于1972 年生于英国利物浦，1996-2003年就读于明斯特造型艺术学院自由艺术系，2001-2002 年就读于伦敦大学金史密斯学院，获硕士学位，现工作生活于德国柏林。作品先后在奥登美术馆（图尔宽，法国，2008）、Mudac 当 代应用艺术博物馆（洛桑，瑞士，2010）、法国北加莱当代艺术基金会（敦刻尔克，法国，2013）、爱尔兰现代 美术馆（都柏林，爱尔兰，2014）、不伦瑞克艺术协会（不伦瑞克，德国，2014）、波恩美术馆（波恩，德国， 2014）、K21北莱茵-威斯特法伦艺术品收藏馆（杜塞尔多夫，德国，2016）、罗马国家博物馆（罗马，意大利，2016）等多个重要机构展出。

在这件装置作品中，Antonia Low 营造一个与日常相仿的场景和陈设空间。它们身上携带的以往生活中的种种细节，在这个与日常相似的场景中被显现与挖掘，在一个展览系统中，形成与其日常处境的断裂。在 Antonia Low 于2013-2014年展开的研究项目“其它现场”中，艺术家将镜头对准了那些难以得见的，封闭式的，以及被过度观看的现场。它们存在在诸如欧盟议会、司法宫、欧盟总部、布鲁塞尔艺术中心等这些代表性的建筑中。

“另一空间的呈现”这件作品的关注点指向布鲁塞尔艺术中心这座庞大建筑中偏僻的走廊。这栋著名建筑是由比利时装饰派建筑师维克多·霍尔塔设计于1928年设计。现场内装饰感强烈的窗户被镜头所摄录，图像被打印在半透明的织物上，在远离布鲁塞尔的展厅中获得新的语境。这件装置作品2014年曾在波恩美术馆的展览中亮相。

陈彧凡作品中的物和物之间，彼此倾注，它们暗通曲和。衍生物系列，紧密拼接的木块与反复覆盖的绘画，合为一个整体。如果仅是使用现成品，没有与绘画相似的制作过程和纹理，那么我们将无法获得一种在相同情形下的对比。这种方式无疑是一种必要的，深思熟虑的手段。只有纯几何形的，被制作出来的木块，肌理般的表皮，才符合今天的艺术经验所倾向的感知方式，使我们能够认出它们之间的相遇。衍生物系列还原了物质的本来面目，过程与结果呈现出同等的重要性；到绘画装置中给予物质全新的状态与属性，其间的场域与空间，现象与感知的无穷变化和游弋，便注定了这是一个从否定式开始的出发。这样的过程我们并不陌生，几乎所有具有新的创造力的流派和概念，都是沿着这条路径，重新连接艺术和生活关系，寻找最终目的的秘钥。

陈彧凡1973年生于福建莆田，1997年毕业于福建师范大学艺术学院，2007年毕业于中国美术学院综合艺术系研究生班，现工作及生活于上海。

李昶《无题（影）》 石英表机芯、LED 灯管、菲林片、电阻等 52 ×70 ×20 厘米 2017 年

《无题（影）》以一片模糊的植被景观为背景。设置于灯箱内部的时钟分针被置换为单点光源，并作为焦点随着时间的推进而移动。抹去了刻度标识后的指针行迹不再是丈量时间的指示物，而是将行进中的时间转化为一种不断移动的视觉焦点，又仿佛是在追踪凝视画面之时的观看轨迹，与背景中的图像设置相得益彰。 

李昶 1986 年生于北京，现生活工作于伦敦。先后毕业于中央美术学院和皇家艺术学院，现为艺术家，独立策展人，现英国皇家版画协会委员，英国皇家艺术学院 Royal College of Art 客座讲师。近期个人项目和展览包括：2021 年“绿林” Grunewald，Cordts 艺术基金会，汉堡，德国；2021 年“零度和弦” Symphony Zero，Sanmei Gallery, 伦敦，英国；2020 年“醒着的梦者”，今格空间 Ginkgo Space，北京，中国；2019 年“林之曲” Serenade of the Woods, The Rattles. 伦敦，英国；2019 年“结束与开始” The End and the Beginning, 一间 IDs，北京，中国；2017 年“常态“ Indeterminate Loop, 今格空间 Ginkgo Space，北京，中国。

鞠婷在制作作品的过程中，希望每一层颜料的铺展都是一次覆盖，从而看不到叠压在下面的东西。这样的话，就会出现偶然性、出现惊喜，所以艺术家每做一次色层的时候都是平的，当然也会做一些肌理，然后再涂平。所以，当她用刻刀打开色层以后，就是一种视觉效果的集中呈现。也可以说是先“建立”后“破坏”，而且这种“破坏”也是艺术家所期待的。鞠婷尤其在意作品中的偶然性，这种无处不在的偶然，无论在哪个系列里都有存在。当然，在整个的操作过程当中，会有一个大体的预计，但不可能每一个细节都预计到。每一个作品艺术家都制作了很多个色层，不可能每一层都记住，而且叠加在一起的效果也很难预计。所以，当刻刀刻下去之后，那种精彩的视觉效果让艺术家都会感到惊喜，也就是说，越多的偶然就增添了越多的精彩。 

鞠婷于1983年生于中国山东。她于2007年毕业于版画专业本科，2013年同专业研究生毕业。现工作、生活于北京。

一直以来，张雪瑞的创作显示出一种“关系”的存在。这不仅仅指由创作方法所带来的作品内在结构的关联，亦包括不同形式作品之间在观念及方向上的相关性，以及在亲力亲为的创作过程中所产生的创作者自身与作品之间无法隔绝的紧密联系，尽管这种密切的关系往往易于被作品外在形式的不同及作品本身传达出的“疏离”气质所掩盖。正如那些格子所传达出的信息：每一个当下都蕴含着过去，也必然隐约指向着未来；每一个部分都受到来自整体的影响，并继而塑造着整体的面貌。张雪瑞作品视觉画面的独特之处在于，其实她并没有突显色彩本身。作品中既没有强调原色的存在，也不倚靠既有的色彩，反而是把“色彩”视为“无”，以这种态度与方向来探求作品的可能性。作品中既不是有“红”，也不是有“蓝”，而是从一开始就没有“色彩”，因为“色彩”应是艺术家在创作过程中所寻找出来的。 

张雪瑞1979年出生于中国山西，毕业于中央美术学院建筑系，现工作生活于北京。

廖斐2006年于上海师范大学毕业，目前于上海工作及生活。廖斐的艺术创作是从对周围事物以及自身的疑惑开始，希望通过实践得以更接近「事物」。他认为今天所取得的认知进展，很大程度上依赖于科学的「实证主义」。人们认知外界的主流世界观是建立在二元基础上的一种物质观，即物质是不依赖于意识的客观存在。这种观点无疑承担了人们希望清晰划分事物的愿望。这种观点之下发展出的系统有一种清晰、简洁、机械的美感。廖斐一方面对于二元抱有强烈的怀疑，另一方面又对于在二元的基础上产生的美感有着一种强烈的兴趣。这促使他从2011年开始以「物质」为线索进行创作实践，并逐渐地将工作的范围扩展到在二元基础 上建立的尺度，以及系统本身。 

是次展出的这件作品《移动 No.3》正是展现廖斐创作观念的典型作品。他以一种极简的方式却呈现出现代性的不稳定性和脆弱性，木条随着干湿的变化而脱离原来半固定的状况，倒下的动作使得绑在其上的日光灯破碎，爆发出惊悚的一刻。

杜婕1968年出生于湖北襄阳市。她最早曾攻读物理专业，之后将兴趣和精力投入到绘画实践上。杜婕早期作品着眼于丙烯和画布的线条关系，在着色方面呈现出平面化均匀的特点，显示了创作者对画面细节严谨、审慎的把控。那么在近期的新作中，由于转换为水墨、毛笔和宣纸的材料，线条的浓淡变化则更为丰富，似是折射出某种心态的转变，艺术家以一种相对松弛的处理方式有效激发出画面的内在张力。杜婕画面中的“繁”是藏匿于“简”的表象之下，远观则隐，近觑则显。在简与繁的自然转化中，揭示出无与有、空与色的辩证关系。 

杜婕的作品呈现了三个卓尔不群的特点：首先是线条从头至尾的完整性；其次是线条创作过程中的呈现出的独立 性以及对线条之间距离、关系的可控性；第三是作品创作过程的不可逆性。

“线”是迟群表达自身的一个载体，脱离了具体事物，直接以线的方式来呈现，让线具有了温度感与生命性。借助线的媒介，她的绘画呈现出一种秩序和结构的力量。是线给予这些油画以画面的活力。在此，并没有任何物象显现。画面所表现的只是线的世界。和禅宗枯山水庭院中的线一样，作品创造出的是一种图像的秩序——这是观众看到画面时的第一观感。但这秩序又被不断打破，在水平方向上，也在垂直方向上。迟群为这些线的作品发展出一种特别的技巧：将颜料涂上画面后，再以线的方式加以梳除。通过刮擦的方式减少颜料，这样的做法产生了一些特殊的形态，而这将最终决定画布上的肌理。

迟群1981年生于山东，于2006 年与2010年分别获得中央美术学院壁画系学士学位与硕士学位，现生活工作于北京。