FLY计划·讲座回顾｜音乐：团队创作与个人风格的融合

20世纪20年代到50年代中期是音乐剧发展历程中的黄金时代。32小节、AABA曲式的Tin Pan Alley音乐席卷了西方国家，这也是当时大多数百老汇歌曲的曲式。在共晓时期（17世纪-19世纪），现在默认的陈述-对比-重述的作曲范式被创造出来。

美国音乐剧的作曲风格可谓融汇了19世纪的浪漫主义音乐与20世纪早期的美式爵士乐和蓝调，再加上其他民谣，就如同美国的文化一样——是一个融合体。

音乐剧的歌曲中，框架比旋律更重要。一首歌曲的框架必须一目了然，因为它的结构搭建将关系到观众是否够能预判歌曲接下来的内容。所以在进行变奏之前，作曲者必须要尽快让观众对歌曲的曲式产生概念。

由于音乐是故事的一个重要组成部分，因此音乐剧作者必须采用不同的曲式才能达成戏剧性的目的。比如，当一个新角色入场，就需要让故事出现变化和层次，那么可能就需要停下当前的音乐或另起新的基调。如果观众识别不了曲式，则可能对故事的走向产生误解。

所以，哪怕要进行变奏，作曲者也必须先捋出一个基本的曲式。同时，变奏并不是作曲者一时的心血来潮，而是根据歌词的内容需要。

作为一个音乐剧的作曲者，其作曲过程不能执着于个人音乐才华的展现，而要为音乐剧的故事服务。音乐对于展现人物的状态和反应是至关重要的。

比如，当一个人物因为某些原因撒谎或隐瞒事实真相，有些作曲者就会选择通过使用不和谐音呈现矛盾、不自然的情绪，也有一些作曲者会用刻意而甜美的旋律表达，这些表达方式都可以起到相同的效果。在这样的情境下，音乐的表达甚至能让观众意识到舞台人物撒谎的熟练程度。

所以，作曲者必须要仔细研读剧本，并和其他作者共同决定歌曲的出场时刻和主题。同时，作曲者还应该认真琢磨人物的心理，让音乐由“心”而生。不同作曲者的理解方式不同、表达方式也不同，但相同的一点是，作曲者应该通过自己的风格来诠释人物的状态。

大多数的作曲者都会先模仿大师的音乐风格，然后在岁月的磨练下，才会形成区别于其他作曲者的独特风格。而所谓风格，也可以看作是一个作曲者的素材库。每一位作曲者在不断的创作过程中都会积累起一个相当丰富的素材库。如何选择素材将成为决定作曲者风格的关键。当作曲者针对当下剧情选择了别出心裁的素材时，观众不仅会感到耳目一新，也会对音乐中传递的思想有更深切的体会。

比如，Cy Coleman（赛·科曼）便是一位典型的百老汇式作曲家。他的音乐中遍布轻歌舞剧爵士风以及蓝调风，且集合了许多大师的创作精华，但是赛·科曼的音乐因为带有鲜明的个人色彩，而成就了他自己的音乐风格。音乐剧《天使之城》即为其代表作品之一。

Sparks先生提到，作曲者的风格更是他们潜意识的艺术审美选择，作曲者们在积累了一定的写作经验之后，应该尽可能的尝试所有音乐风格，然后会自然而然的筛选出一部分作为自己所用的素材。鲜明的个人作曲风格最终将源于作曲者的乐感，所以如果还没有达到这个境界，说明作曲者还需要更多的练习。

节奏——节奏在本质上就是戏剧性的。在音乐剧中，所有事件都有起有落，而节奏不但推动音乐的发展，也代表着整体故事讲述的节奏。

作曲者需要区分旋律的节奏和伴奏的节奏。旋律的节奏是指旋律的记谱，也就是音符的长短。通过不同的组成方式，音符可以呈现出旋律。而伴奏的节奏，在音乐剧的歌曲中一般较为稳定。旋律节奏和伴奏节奏的交织与配合应当细致、多样且悦耳，为故事营造令人心潮澎湃的、戏剧化的张力。

音乐剧歌曲应该强调节奏——在悲伤的氛围下，音乐可以较为缓慢，在轻快的情景下音乐则可以相对加快。节奏是音乐剧作曲者最有效的工具，巧妙的节奏设计会让音乐拥有“脉搏”，直击人心。

旋律——旋律是音乐剧吸引观众的主要原因。观众对一段旋律形成记忆，往往与演出安排有很大关系。比如，序幕的音乐一般是整部音乐剧中所有歌曲的整理与收集，而最有代表性的几首歌则会不时地被用作台词或场景转换时的配乐，到最后离场时，剧场中又会响起演出的其中一首歌，而它很可能会存留在观众的脑海中伴随他们回家。

最成功的音乐剧歌曲常常以旋律的主题句为开头。主题句，由短短几个音符组成却是整首歌的核心，它应该具备表现力但又足够简明，能迅速抓住观众的心神。整首歌以主题句为核心展开，再由此拓展出去。

拓展主题句的方法有很多。在音乐剧中，拓展、强调主题句，必须清晰明了、符合剧情逻辑且让观众的注意力放在歌词上。作曲者一般可以通过完全一致的重复、重复但和声不同、和声变调、旋律节奏不同、反转原主题句等方式来进行拓展。

和声——和声的基本组成单位是三和弦。旋律中的每一个音符都可以有和声，但是很多情况下，作曲者在一首歌中会反复使用同样的和声节奏，每小节有一到两个不同的和声，并通过经过音连接起这些基本和声。而和声的记谱方式能直接影响到表演者对于歌曲的理解。

钢琴谱与总谱——作曲者所写的钢琴谱应该给编曲人足够的信息和空间，使后者更容易编写其他乐器的分谱，在保证烘托演唱旋律的同时也能突出歌词。

在作曲者们写伴奏的时候，一定要学会将其拓展、推进，而非简单的重复。这一概念需要在创作早期就建立起来。比如，当文字中的情绪加强，音乐同样要跟进。即使音乐中有重复的部分，在推进高潮的过程中也应对反复的部分进行感情色彩的渲染。伴奏应当是作曲者创作的一部分，而非全然是编曲者的工作。

比如，《俄克拉荷马》的主题曲“俄克拉荷马”，目前已有许多管弦乐版本。各版本的乐器种类、数目不一，但无论哪一个版本，配乐对作曲者意图的呈现都相差无几。

另外，作曲者和编曲者要注意，不论是什么风格，都不能让配乐盖过歌声。音乐剧中可以存在充满激烈感情的音乐，但是全体音乐编写、指挥、演奏人员都应该“给歌词留空间”。

文字与音乐——文字与音乐必须要融洽。语言本身是有韵律的，日常生活中，语义很大程度上取决于发音方式。所以作曲者必须先知道每一句歌词表面的和深层的含义，然后配上音乐，才能精准阐述原本的含义。所以如有必要，作词者可以将歌词朗读给作曲者听，作曲者应仔细聆听作词者对歌词轻重缓急的理解，然后给出音乐。

另外，音乐的节拍本身也带有重音。所以，作曲者也可以使用音符来调整音乐的韵律，达到理想的效果。

韵律与唱音——要使歌词和音乐完美结合，除了需要文字的自然诵读韵律与音乐的韵律相符之外，还需要注意唱音，也就是文字在旋律上的可唱性。比如，一句词有很多爆破音，歌词又多又快，那么配以和弦或琶音就是不恰当的。作曲者们应该分别思考歌曲中的韵律与唱音，二者缺一不可。

音乐风格——选择恰当的音乐风格在音乐剧中尤其重要，有些音乐风格本身就代表了某种特定的情感。比如，早期黑人爵士乐多为轻松、玩笑式的舞曲；4/4拍、2/4拍、6/8拍的进行曲带着军队的刚毅感等。所有这些曲调都可以反其道而行之，利用人们的心理预期，就可以创造完全不同的效果。

引用乐句——虽然在音乐剧中引用人尽皆知的乐句是忌讳，但是观众并不是专业的音乐剧从业者，他们很难瞬间接受一个全新的原创音乐，甚至有一些观众在挑选剧目的时候会倾向于选择业界已经打了包票的剧目。所以作曲者们应该尝试创作既令观众觉得“似曾相识”又充满新鲜感的音乐。安德鲁·劳埃德·韦伯就是这方面的佼佼者。

多样性——音乐剧作曲一定要注意多样性，包括速度、音调、风格、节奏，是独唱还是二重唱、三重唱、合唱等等。但多样性并不等于复杂性，音乐剧的音乐可以多样且简单。比如《异想天开》中的音乐和乐队成分都很简单，但它仍然是一部非常经典的作品。

但简单与单调又是不同的概念。音乐的单调可能由于作曲者能力有限，但是音乐简单是因为作曲者能够用最简单的表达来达到最有效地体现角色当前思想与情感的目的。

音乐剧的作曲不是一朝一夕能够成就的，作曲者需要多加练习才能找到真正属于自己的音乐。

音乐，作为音乐剧最重要的组成部分之一，赋予了音乐剧灵魂。但如前所述，音乐剧是剧本、歌曲、舞蹈等一系列元素的融合而产生的作品。

在FLY计划接下来的课程讲座回顾中，我们将继续为大家带来音乐剧创作其他方面的知识与创作技巧分享。

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