PAM回顾｜“薛峰：迢迢”｜深圳当代艺术家系列之一

直至1997年，深圳同一年建设和开放了何香凝美术馆和关山月美术馆，深圳的当代艺术由此呈现出了日渐明朗的学术定位和版块性的崛起和活力。而2005年，由黄专先生参与发起的OCAT在深圳正式成立，标志着深圳当代艺术的主体意识的觉醒，可以说中国当代艺术的深圳立场和独立工作，助推了中国当代艺术的学术梳理和价值建构。深圳的当代艺术在这个阶段，也经历了空降式和事件型艺术的兴奋期，涌现出了数目惊人的双年展。客观而言，这一系列实践松动和培育了深圳当代艺术的土壤，也推动和塑造了今天的深圳当代艺术发展的基本面貌。

坪山美术馆的成立，便是在此背景下的应时而生和顺势而为。在过去两年多的工作中，我们始终强调以历史的眼光、当代的支点和审慎的判断来介入当代艺术的现场和地方艺术的建设，此次推出的深圳艺术家个案系列，也是基于深圳当代艺术的现实情境和发展阶段，期望以激发、助力和沉淀的行动推动深圳当代艺术的主体建构。我们希望通过个案的梳理来呈现深圳当代艺术的结构与肌理，肌理越饱满，城市也会更有精神的厚度和潜能。

深圳当代艺术呈现出个体迁徙、频繁流动的状态，我们对“深圳当代艺术家”的界定也因应这种特质。他们中既有深耕二三十年的艺术家梁铨、周力，也有在深圳开启其艺术的重要岁月后又北上的蒋志，还有新生代的80后艺术家李燎；既有近几年离开学院迁徙到深圳的薛峰，也有处于候鸟状态、将深圳作为“落脚城市”的沈少民。我们都将他们纳入到深圳当代艺术家的范畴进行考察、梳理和展览呈现。我们当然深知其判断本身一方面会推动地方艺术生态的基础建设，同时也意味着这个工作会充满挑战和艰辛。但我们坚信，发展到今天的深圳当代艺术，亟需对自己过去短暂而丰富的历史进行回顾、梳理和审视，并对此时此地的现场形成观察和判断。深圳当代艺术要继续靠前走，就需要有一些自我的审视和冒险。

记得已故的深圳当代艺术的重要推动者、艺术评论家黄专说过一句话：“不是什么时代都能进入历史，只有那些真正改变了我们的生活价值的时代才能进入历史；不是任何人都能进入历史，只有那些真正具有创造能力的人才能进入历史。” 坪山美术馆就是在寻找那些“改变”和“创造”，并将其编织到当代艺术的深圳叙事之中，我们希望以此为深圳、为中国南方当代艺术生态搭建出一些牢固和有时间重量感的“基础设施”。

坪山美术馆馆长 刘晓都
深圳当代艺术家系列读本策划 钟刚

《改造-13》，160×200 cm，布面油画，2011年 Transformation-13, 160×200 cm, Oil on canvas, 2011

2011年，薛峰设计了一个室内改造方案，来考察这样的问题：如何将绘画本体的理念置入到具有实用功能的日常生活空间。艺术家试图扮演设计师，用油画制作代替设计效果图，并漫长地等待着绘画渗透进现场空间的那一刻——即便有时无限接近，那一刻从未到来。艺术家认为，建筑建造完成时，房间的视觉效果是能够“终止想象的”，它将进入功能性的使用阶段；观看工程设计效果图的过程是“可以继续想象的”，它处于可改造的阶段， 处在未成形的、迷人的边界上。“改造”系列中，描摹了一扇、两扇、三扇敞开门内的空间深度的绘画，并非为了解决现实的居住问题而设立。相反，从创作最初的那一刻起，艺术家就明白，绘画是将“功能” 沥干的进程。绘画最终能达到的只是绘画自身。对于它而言，日常空间仅仅是一副药引。

《旅游册》（复印件），杭州市旅游局发行，2009年10月10日印刷，9.3×20.9 cm，64 页 Travel Brochure (Replica), issued by Hangzhou Tourism Bureau, printed on October 10, 2009, 9.3×20.9 cm, 64 pages

对薛峰而言，绘画是一种方法，能在现实世界的维度，拉近自己与自己想象世界的距离。通过绘画，他一步步寻找意识中忽闪忽灭的自我镜像。即是说，绘画在物理世界的自我和想象世界的自我之间，起到了沟通的作用。图像是绘画作为沟通媒介的重要部分。观看图像的方式——定点的或散点的，聚焦的或散光的，静止的或蔓延的，决定了自我与自我的沟通格式。薛峰成长于杭州，他曾热衷于像游客一般漫游并欣赏西湖的景象。2013年，他用一张杭州市旅游局出版的旅游手册封面为图像原本，创作了作品《背景》。《背景》由六个连续画面拼合而成，当观众的目光落于最左边板块的塔，湖中的游船只留下难以辨别的抽象笔触。反之，目光落于最右边的游船时，塔也变得模糊了。《背景》是一个整体，同时也能分解为六个画面。这种“聚合 - 分解”的叙事方式也许正象征着艺术家所观看到物理世界与想象世界互相牵引的模式——记忆时时刻刻都在重塑着我们的视觉。有时候，一直在寻找的恰恰在过去已经发生。

《背景-13》，200×500 cm，布面油画，2012年 Background-13, 200×500 cm, Oil on canvas, 2012

《改造 2021-1》，160×200 cm，布面油画，2021年 Transformation 2021-1, 160×200 cm, Oil on canvas, 2021

艺术家时隔十年之后再次创作新的“改造”系列作品，是对现实日常空间的改造的再次改造。由于这幅创作与初始的“扮演设计师”的观念时间间隔久远，日常空间不再是设计、 描画或写生的对象，而成为想象的对象，在记忆中不断退远。艺术家用新的十年去修正过去十年，用“正在发生时”重新对应“过去完成时”的工作。然而，在创作的构图上，“退远” 或“修正”不易被察觉，艺术家经历的十年在绘画的媒介中，仅以细微的差异示人。

《改造 2021-2》，160×240 cm，布面油画，2021年 Transformation 2021-2, 160×240 cm, Oil on canvas, 2021

三扇门吸引观众走进郁郁葱葱的风景，让他们分辨不出置身室内抑或户外。两块等大的白色方块左右闪动，干扰着纵深的焦点。一条游船从一块白色正在划向另一块白色，船不在水里，却浮在地板上。艺术家在新的“改造”系列中，保留了之前的图像底本。对于新置入的内容，艺术家这样形容：“舞台已经成型，演出即将登场”。

《倒叙-18》, 160×200 cm，布面油画，2011年 Flashbacks-18, 160×200 cm, Oil on canvas, 2011

“改造”系列偏于具象，“倒叙”系列偏于抽象，抽象的底本却来自具象的原形。“倒叙” 系列中，“改造”系列中的门框、地脚线和地板化为白布，只剩下笔触和线条；所有物质形象的造型被抽取后，画面化归为纯粹的形式。一个物象潜藏着多种延伸的可能，一张绘画却只能呈现其中一种。从“改造”到“倒叙” 的递进关系，展示了艺术家开发绘画的演进模式。

《倒叙-21》, 160×200 cm，布面油画，2011年 Flashbacks-19, 160×200 cm, Oil on canvas, 2011

《笔触场 2019-5》，160×120 cm，布面油画，2019年 Brushstrokes Aura 2019-5, 160×120 cm, Oil on canvas, 2019

在多个系列的绘画中，薛峰的笔触总是显白地延续着——笔触可以组织画面，模仿自然，重塑图像，编织抽象的语言；“笔触场”系列（《淹没-7》亦属于此系列）是艺术家持续较长的创作——笔触可以塑造体积，塑造肌理，塑造层次，可以制造自己的场。

《笔触场 2015-2》，200×250 cm，布面油画，2015年 Brushstrokes Aura 2015-2, 200×250 cm, Oil on canvas, 2015

《淹没-7》，180×150 cm，布面丙烯油画，2013年 Drown-7, 180×150 cm, Oil and acrylic on canvas, 2013

《笔触场》，尺寸可变，不锈钢、丙烯、雕塑，2021年 Brushstrokes Aura, Dimension variable, Stainless steel, acrylic painting, sculptures, 2021