星空间｜2021西岸艺术与设计博览会

2021上海西岸

艺术与设计博览会

WESTBUND

ART & DESIGN

星空间将参展2021年WESTBUND上海西岸艺术与设计博览会主画廊单元，展位A210。

VIP 预展 / VIP PREVIEW

凭邀请函入场 Invited Only

2021.11.11        13:00 - 19:00

2021.11.12        12:00 - 13:00

公众开放日 / Public Days

2021.11.12        13:00 - 18:00

2021.11.13-14   12:00 - 18:00

地点 / VENUE

上海，西岸艺术中心

上海市徐汇区龙腾大道2555号

West Bund Art Center

2555 Longteng Avenue, Xuhui District, Shanghai

参展作品介绍

Exhibited Works

陈可 Chen Ke

包豪斯女孩 No. 15 Bauhaus Gal No. 15

布面油画 Oil on canvas

80 × 60 cm

2021

陈可的“包豪斯女孩”系列肖像基于写满时代气质的包豪斯历史档案图片。艺术家采用古典绘画的审美规范去表现这些朝气蓬勃的现代女性，主人公们表情专注，沉浸在自己的思绪里，她们无视来自画外的注视。图片档案在成为绘画的过程中接受了一种“身体植入”，艺术家回忆自己对某些时刻的印象，比如气味、光线和触感，用这些超出图片存储更清晰、长久的被动记忆去复活黑白历史照片中的形象。

“女性第一次以独立的姿态集体出现，她们的面容与神情超越了那个时代，与当代女性的气质并无二致。在她们身上我似乎看到自己二十多岁时的影子，也看到女性与周遭环境磨合的艰难历程。我想要转译这些面孔，诠释生命的短与长，时间的快与慢。”

李珊  Li Shan 

对面楼转角-上海陕南邨 Corner of the Building Opposite — King Albert Apartments, Shanghai 

纸上油画 Oil on paper 

29.5 × 22 cm 

2018

作为“无名画会”的重要成员和团体中唯一持续创作的女性，李珊很大程度上延续和发展了“无名画会”的艺术理念。从未进入艺术院校学习的李珊以“在野者”自居，相信艺术应遵循本能，她的早期作品以北京周边的户外写生为主，取景和构图不拘泥于客观现实，用色尤其注重内心的主观体验，形成了自由、率真的绘画风格。重拾画笔后，李珊开始周游世界，她走到哪里就画到哪里，不断添加着她的绘画清单，既像是漫无目的又像是一种精心安排。李珊喜欢上海，每次旅行都会选择开在旧租界里的民宿，这些老房子外的风景也成了她描绘的对象。

“我很喜欢上海的老房子。每当我从窗口向外望时，不由得心中想：那一个个窗里正在发生什么？”

鞠婷 Ju Ting 

+-042316 

木板丙烯  Acrylic on board 

123 × 95 cm 

2016

鞠婷创作方法的形成总是伴随着偶然性，2012年她在工作室碰巧发现了一块剩余的木板，随后每天漫无目的地在木板上涂抹层层颜料。颜料积累到一定程度之后，她逐渐对表面以下产生的层次印象模糊。鞠婷决定使用木刻刀刻开画面，观察其内部结构，这也为她日后的创作不断的打开了空间。比如每层的丙烯不再限于一种颜色，有时会出现三种或更多。这意味着在刻开画面之前，每一层的丙烯因为颜色和肌理的不同，已经形成画面，获得独立性。而最终用刻的方式，将这些隐藏其中的“内容”显露出来时，材料与语言的纯粹性是更重要的。当平面的绘画被立体的肌理所替代后，艺术家也终于找到了自己想要的东西。

康好贤在2019年底的疫情期间开始尝试采用喷枪的方式进行创作，并将这一技法娴熟地拓展到了大尺幅的画布上，描绘了虚构与现实交错的比弗利山庄的生活场景，向上世纪70-80年代迷幻时代致敬的《再见幻想》就是其中具有代表性的一件作品。伴随着时代的发展和战后物质的极大丰富，年轻人开始从趋于一致性的状态中觉醒，越来越重视自我个性的表达。这种表达不囿于服装、造型等外在层面，也体现为特立独行的性格与思考方式。然而，当人类社会进入互联网时代，年轻人的态度反而再次变得趋同，人与人之间的疏离感倍增。

“我们是否会再次陷入思考，思考这种变化是否是当下人的真正所需呢？”

刘鼎新作《夜的世界》是一组纸上绘画作品，它借鉴了电脑识别图像的方法，以图像堆叠和图像破坏的视觉方式，在纸上形成多层空间并存的视觉感受。多种绘画材料的同时使用，水墨、水彩、蜡笔、荧光等，硬边细长的线条、笔触感强的曲线、浓淡不一的墨色、晕染的彩色色块等在同一画面中制造了多种质感的对比。涂鸦式的画面中暗藏了变化多端的精灵与题记式的经文片段。这些出自金刚经和莲华经的佛经经文是对多种世界和经验的描述：声音的世界、心灵的世界、颜色的世界等等。这些描述让人们超越即时和眼前的经验，通过获得一定的超越性的视角来把握个人的存在。刘鼎在画中转抄这些字句片段，既将它们作为图像的构成，也借助它们来传递意义。

刘海辰的绘画以北方经验为源点，以错觉主义的绘画技巧来转译个体的心理现实，通过描绘人与自然力量的交织，喻示时代的变迁，命运的无常，以及英雄主义的浪漫悲情。《长日将尽》是一幅布面木炭作品，作品以消逝感探讨了时光之于人的无常，在时光之下人是无能为力的。《长日将尽》的开始没有明确的预设，艺术家在直觉判断下选择描绘一幅图像，木炭与画布的接触干预了一个图像的生成，并提示出作品的可能。

“当我反复地在画布上描绘时，木炭带来了松弛隐约的视觉，一个形象不断地生成、瓦解，在描绘的过程中体验着消逝，在是否有效中挣扎。这就是绘画自己开始了思考，接下来就交给绘画本身，同时我也进入自己的世界，成为它的构建者和裁决者，在无效和虚无中突围。”

猫头鹰是刘焕章十分钟爱的题材，贯穿于他多年的创作实践。作为一种颇具神秘感的夜行动物，猫头鹰的形象中含有艺术家的某种自我隐喻。创作于1986年的《夜》，在刘焕章动物雕塑中堪称体量惊人。而在他的猫头鹰系列中，这件作品的风格也称得上最为简约和变形，最大化地利用了石材本身的天然形状与黑白相间的色彩。这尊猫头鹰的雕像，同时令人联想到一张表情夸张的面孔，甚至具有了一种抽象雕塑的意味。2016年，刘焕章第四次在中国美术馆举办个展，石雕《夜》就是其中展出的代表作之一。

出生于1930年的刘焕章被誉为“艺术史中的长跑队员”，他是第一位在中国美术馆举办个人展览的雕塑家，91岁高龄的他仍在持续创作。刘焕章的雕塑风格融汇中西，既有中国早期石刻艺术的雄浑朴拙，又可见西方现代主义的概括简约。

在2018-2019年间，刘商英数次到访新疆罗布泊地区，展开了“荒原计划”，这也正是他迄今为止遇到过挑战性最大的绘画项目。在望不到边界的雅丹地貌上，个人的能量尤为薄弱，任何肢体和意志的对抗都显得过于轻柔，但这种来源于自然场域的裹挟却也给艺术家带来了绝对强度的启示。

“在罗布泊，我第一次直接用地上的沙土作画，第一次让自然主动参与绘画。我曾被大块画板拍倒，并怀疑自己是否有资格在那里绘画。由于罗布泊的路途艰险，导致无法当时将画完的画马上运走，唯一的办法是将所有作品就地掩埋，等油彩干掉再取出拉走。而在掩埋的八个月时间里，自然持续参与，并赋予绘画更多意料之外的维度。所有这些你都不可能事先设计和预料，但的确就这样发生了。”

上世纪90年代初，作为美联社的特派记者，刘香成带领团队在苏联解体前拍摄的一系列历史性照片为他赢得了1992年的普利策现场新闻摄影奖。他用镜头记录下了帝国的倾覆对于普通人、都市、文化和社会风貌的影响，从而揭示了苏维埃宏大叙事的复杂性、缺陷和脆弱。他的作品不仅强调新闻层面的在场，更突显了其个人对新闻事件的独特思考，是极具个人趣味的美学表达。 

画面中，企图推翻戈尔巴乔夫的政变刚刚失败。莫斯科民众走上街头，身边散落着反政府武装阻挡政府军进攻联邦大楼时留下的乱石和残片。出生于莫斯科的艺术家孔·特鲁科维奇在他2019年创作的油画《结局前的倒数第三个节点》（The Antepenultimate End）中借用了这张摄影的图像，目前该作品正在高古轩画廊纽约Park & 75空间展出。

邱炯炯的许多作品来源于他最感兴趣的题材，其中又以人物肖像最为引人注目：层叠斑驳的效果中，调侃诙谐的人物形象若隐若现。他摆脱了一般的肖像处理方法，用夸张变形和朦胧笔触在对象与观众之间造成隔膜。

古希腊神话是文艺创作的常用母题，《丽达与天鹅》的故事就一次次再现于西方绘画大师的笔端。作为一位热衷于重访艺术史且深受中外文学经典影响的电影导演和画家，邱炯炯将镜头拉回到他永远的“片场”——四川乐山，定格在了潮湿阴沉的小镇窗前，以其惯用的“川南口音”，在他熟悉的日常生活场景中与先贤们展开对话：

“邻家姑娘叫丽达，她眼含秋水，倚在潮湿的窗边，品尝着一种古意盎然的零食——卤鹅掌。”

在“显影绘”系列作品中，艺术家以摄影媒介为原料创作了他的化学绘画和暗房冲印。孙彦初的摄影植根于传统摄影，创作方式实际上不是用镜头和相机拍摄，而是用化学、相纸和画笔作为摄影创作。在经过此种技术的几次实验后，孙彦初用经验和直觉来控制化学药水、温度、光照和显影过程，从而展现出他的显影绘作品中独特的效果。他说，这种创作的过程和显影后的结果——黑墨的层次和颜色的渐变效果——非常像中国传统的绘画和书法，艺术家从小就接触到这些。孙彦初的“显影绘”作品融合了他对中国传统绘画和西方现代摄影创造的热情。

金氏彻平 Teppei Kaneuji 

多域（溜冰公园）#1 ZONES (Skate Park) #1 

反光贴纸，油彩，木板 Oil on wood panel, reflection sticker 

180 × 240 × 3.3 cm 

2016

金氏彻平创作的素材来自于他喜爱并熟悉的动漫、广告、写真、商品等日本流行文化，这些元素也遍布于他前辈的作品中——他们被称之为超扁平/超平面。而金氏的创作一直在试图在这条路上走得更远，在诸多系列中从不同的角度去探索空间造型的多种可能性。他在“多域”列中将拼贴与绘画结合，生活中的图像或反光产品被绘画颜料黏着在画面上，正像是现实生活中，如此多种多样而相互差异的文化和人群被某种力量强行放在了同一个“域”之中。物质化的流行视觉文化作为素材在他而言只是媒介，着手将这些肤浅的卡通或流行产物的堆积，正是他对它们充斥着当代生活的怀疑与思考。

2015年起，王一凡将艺术创作的重心转移至肖像绘画，并从一开始就以身边的亲友为对象，画面的主人公洁夫正是王一凡的姐夫。在绘画进行之前，王一凡会认真地给他的模特“说戏”，具体描述他所需要的姿势与表情，但作为他的模特，往往对自己最终会被置于何种“情”、“境” 并不知情。

“洁夫是我常画的三个人之一，他欲望非常少，连话都懒得说。他的长相就由此状态而成，像颗有表情的果子。《静静的洁夫》是他没表情的状态，我就不动声色地画下来。”

温凌不喜欢使用华丽的语言，而是痴迷于用简单的线条精确地复刻他脑海中印象。他所描绘的内容通常来自于生活的各个截面或切片，强烈的现场感和极度具体化的细节，能把观众带入其中。作品中的故事貌似轻松，但往往描绘了现实的残酷。

四张180cm见方的画布组成了温凌的全新力作《辛德勒餐厅》，这是他迷彩系列作品中尺幅最大的尝试。作品描绘的是月饼脸成员们不顾自身老弱病残的现状，费力来到餐厅大快朵颐的故事。作者将漫画的形式感放大，将画面强行分割成100个小画面。观者被某种阅读顺序所强制。画面中眼花缭乱的红色虎皮花纹，类似于本身并无意义的迷彩图案，强化了作品的去中心化倾向。

温凌 & 烟囱 Wen Ling & Yan Cong 

庭院和摩拜单车 Courtyard & Mobike

布面丙烯 Acrylic on canvas 

156 × 311.5 cm 

2018 

温凌和烟囱都具有专业的学院背景，他们不仅在生活中是很好的朋友，也是艺术创作上的拍档。他们的合作从漫画开始，每隔几年就会一起创作一些作品，用看似轻松的手法讨论严肃的现实话题。二人的合作中充满了即兴创作制造出的不确定性魅力，个人特质的最大发挥引发了1+1大于2的结果。

巨幅的《庭院和摩拜单车》是他们在2015年香港巴塞尔艺术博览会携手亮相之后最重要的共同作品。烟囱和温凌以接龙的方式展开即兴创作：烟囱用丙烯喷漆先画一格，温凌再用油画颜料画下一格；内容则是毫无交集的两个故事：烟囱画的是夏日庭院生活，温凌画的是扫码共享单车。色彩上，两人默契地仅使用绿色系进行创作，不同的绿色既能区分各自的区域，又能在同一个色调中形成节奏感。

徐毛毛 Xu Maomao 

嬉戏的母猴 Frolicking Female Monkey 

布面丙烯 Acrylic on canvas 

100 × 100 cm 

2021

母猴曾在徐毛毛之前的作品中作为配角出现，在新作《嬉戏的母猴》中，艺术家以涂鸦方式对她进行了符号化的处理。这是一个关于自我认知的故事：细看之下，画面中的母猴同时拥有女性和男性两种性别特征——巨大的乳房和下垂的睾丸。母猴高举双手直面观众，使自己一览无余，坦然而无畏，俨然是一种宣言。乳房上的心是悲伤的，说明了这个认识过程的不平静、痛苦和挣扎，红色的背景则释放出强大的激情和生命力。

“经历了种种纠结，最终我们还是学会并接受了一个不一样的个体的存在及其存在的方式，就是好像这个母猴一样，我展现我自己，你请便。”

烟囱 Yan Cong 

他真是牛逼的画家！你买吧！ He Is So Fucking Good! Buy It! 

布面丙烯 Acrylic on canvas 

224 × 152 cm 

2021 

烟囱创作了大量带有漫画特征的作品，其中夹杂着许多杜撰出来的空想，让观众误以为作品即为艺术家本人的生活，在“真实感”的掩护下借机吐槽。

他自2013年开始的“画廊主”系列就是其中之一，在烟囱笔下，画廊主成为了一个既可恨又可怜的形象，艺术家在对他讽刺和揭露中批判了金本位现实下残酷的艺术世界。其新近完成的大尺幅作品《他真是牛逼的画家！你买吧！》源自于艺术家多年前一次与收藏家见面的经历。他意识到，自己的画廊老板始终在对他进行在他看来言过其实的吹嘘，即便艺术家本人在场时也毫不收敛。对烟囱而言，目睹画廊主对他的阐释和推广无异于在众人面前赤身裸体一般令人不堪，但同时，这位口若悬河、兴奋异常的画廊主也令他感到心酸。

“热爱瑜伽和健身的老板混身筋肉，像个发狂魔鬼一样地说着推销的言语。艺术家觉得难堪愤怒，藏家抱有怀疑。这张画大概率是卖不出去了。”

与同时代艺术家对宏大主题的偏好不同，张晖更为注重表现日常景观与内心感受，树木、花草、山石、人物都是他在绘画中始终关注的对象，在造型、色彩、构图、笔触的细微变化间，他日复一日地盘旋在他建立的绘画主题中，不断挖掘着其中的丰富性。艺术家以旁观者的视角关注的不仅是外表，而是身处这一时空当中的人具有的深层心理结构及感受。他用夸张的手法和稚拙的构图营造出一种浪漫天真的氛围：一道弧线完美的虹霓如拱桥一般悬挂在色彩暧昧的天空之上，与下方斑斓、清晰的山峦形成了鲜明的反差，也因此而颇富诗意。

“走在山路上，有阳光，有空气。草的味道和山石间散发着城市里没有的气息。在低处仰望的是山顶，到了山顶遥望的是远方。遥望远方有希望，有慰籍，有彩虹，万籁俱寂。”

1952年出生的张伟19岁开始自学绘画，并很快成为“无名画会”的主要成员。1974年他在北京家中与同伴举办的展览是中国最早的地下画展。80年代初，张伟开始尝试抽象绘画的创作。2005年，以艺术家身份旅居纽约20年的张伟回到北京，在诸多尝试之中，他在2012年开始骑着哈雷在画布上作画，将两种象征着不受束缚的因素：哈雷和抽象绘画巧妙地结合在一起。对张伟来说，骑着摩托车作画是他近年来最喜欢的作画方式之一。

他说，这种“行动绘画”集合了他所至爱的三种东西：绘画、哈雷和备受瞩目。游戏心理常常会带张伟进入最佳的创作状态，他善于利用偶然的发现来完成作品，注重创作的过程。

24幅朱新建的作品《美人图》全部创作于2013-2014年。朱新建是中国“新文人画”最重要的代表人物，他笔下的“女人”在80年代引发了强烈的争论，随即也为他赢得了巨大的声誉，这些既有中国传统水墨画修养，又高度体现画家个人视角的“私绘画”，承载着中国画现代变革的重要意义。朱新建的裸女画，延续了近30年，其中经历了多次嬗变，本次展出的为其最晚期的作品。2007年患中风后，朱新建改用左手绘画，使得造型更为简洁概括，更接近了中国古代文人画的理想境界，也更直接地通向国际当代绘画的共同话题。

开放时间 | Gallery Hours

周二至周日 | Tue - Sun  12:00 - 18:00

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798艺术区 797东街 A05

A05, 797 East Street, 

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