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卷宗Wallpaper*专访 | 乔治·康多,以图像塑造历史的形状、频率与旋律

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卷宗Wallpaper*专访 | 乔治·康多,以图像塑造历史的形状、频率与旋律 图像 历史 形状 卷宗Wallpaper* 乔治 康多 频率 旋律 Condo 当今 崇真艺客
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George Condo是当今最具影响力的在世艺术家之一。纵观其毕生作品——上海龙美术馆(西岸馆)展出的“图像殿堂”,是他在亚洲首次最大规模个展,作品跨度40余年——如同走入一部现代艺术史图册,从立体主义、超现实主义,到二十世纪先锋运动的艺术风格,几乎都能在他创作的不同时期,不断看到如同教科书般的重新演绎:“任何画派风格他都可以化为己用、驾轻就熟”,已然成为最能概括其创作生涯的一句描述。



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龙美术馆,“George Condo:图像殿堂“展览现场

© George Condo

Courtesy the artist and Hauser & Wirth

Photo: JJYPHOTO



继“绘画已死”之后,绘画被Condo的“人工大数据”重新激活,或者说继续存在。甚至在2020年美国疫情爆发期间,年过七十、深居简出的Condo还创作了全新的“蓝调图像”系列。谈到这些作品,Condo形容它们为“在新冠疫情时代下被迫适应‘新日常’的无奈与悲叹”,不禁让人想起毕加索忧郁的“蓝色时期”。


年轻时混迹纽约东村名流圈,和朋友组建朋克乐队、曾是半个音乐人的Condo,在近期留下的工作影像中,伴着轰隆的音乐,在工作室对着一张画布,手执沾满颜料的笔刷,挥动手臂、一阵喷墨式射击——力量感,或者说热情,是其作品无论如何改头换面都保有的内核。



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George Condo



这种热情究竟从何而来?在观看Condo作画的过程中恍然:不断重提历史,或许是这位画家自我磨砺的方式,如同射击手切换不同目标,拳击手挑战不同对手;彼端不仅有假想的敌人,更有学习的对象。



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龙美术馆,“George Condo:图像殿堂“展览现场, Photo: JJYPHOTO



展览“图像殿堂”既呈现了Condo的“蓝调图像”,还有远望几乎一片黑暗的“黑调图像”,像是他多彩的图像世界突然关了灯,近看才能辨认出黑暗之下涌动的痕迹。


“‘黑调图像’基本是关于解构的,甚至它们的存在是为了毁坏其他存在。在我一生的创作中,有些符号已经在我的绘画中居住了太久,于是我把它们画出来,再狠狠摔在地上,强迫自己重画,直到透出一点‘存在过’的痕迹——一个疯狂的微笑、一抹惊异的眼神”,Condo说道,“你可以在展览中见证我的改变,我主动出击,挤压以往创造的形象,也挤压图像历史的形状。”



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上图:Impressions of Goya 1, 2016, Oil and pigment stick on linen, 167.6 x 144.8 cm / 66 x 57 inches, © George Condo, Ringier Collection, Switzerland, Courtesy the artist and Sprüth Magers

下图:Inhuman Being, 2019, Oil and pigment stick on linen, 208.3 x 213.4 cm / 82 x 84 inches, © George Condo, Photo by Martin Parsekian



如此一来,无论何种曾经兴盛的风格,都作为既定的靶心,等待被Condo命中;而他选择了自己最喜爱的方式——充满了变调的即兴演奏,在绘画中不断练习瞄准。真正的对手,或者说终极的目标,依然是此端存续着的生命、生命中体验到的全部,以及那个被称之为“自我”的意识。



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Visions of St. Lucy, 1992–93, Oil on canvas, 223.5 x 443.2 cm / 88 x 174.5 inches, © George Condo, Private Collection, Photo: Ellen Page Wilson



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“我在大学时学习古典音乐和绘画,但是⼀直以来,比起谱写⼀首交响乐,我更擅于‘画’一幅交响乐;比起演奏一支奏鸣曲,我更擅于‘画’一支独奏曲……我在‘描绘’音乐上比演奏它表现得要好得多,这基于我对自己的了解,我是谁,我善于做什么。


相较于绘画,音乐无法在物质世界中留存。每一首乐曲都是一次有限的“机会”:作曲往往通过单位时间内的重复、模进、引申等手法发展感官的体验,哪怕这种体验在当下无法转化成某种具体的情绪,甚至无法被记忆准确捕捉,却可以积累成为智识的前兆。由音乐所启发的共时性,超越了线性时间,被Condo运用到绘画中,以表现当下的新的真实,Condo称之为“人造现实主义”


Condo倾向于将同一时间内人的觉察变化,表现在同一张面孔之上。如果说立体主义着力于同时表现同一事物的不同侧面,以达到某种看得见的完整,Condo则认为,被多种媒介过滤后产生的不加评判的认知,摒弃矫饰的、冠冕堂皇的审美趣味,才更加趋近于心理现实。例如在同一个人物脸上看到迥然不同的表情,或是做出截然相反的动作,“拆解一个现实,再用相同的部分构件另一个现实”。



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左上:Father and Daughter with Face Mask, 2020, © George Condo, Private Collection, Photo: Thomas Barratt

右上:Up Against the Wall, 2020, © George Condo, Private Collection, provided by Long Museum, Photo: Genevieve Hanson

下图:龙美术馆,“George Condo:图像殿堂“展览现场, Photo: JJYPHOTO



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Condo的雕塑作品同样展现了他对人类心理的探索,并将这一理念延伸到了三维的物理空间,创作时采用了金属浇铸工艺来展现他的传统雕塑技巧,他利用切割法分解阶级性与习俗性的叙事,随心所欲地重塑艺术史与年代学。



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左上:Atlanta, 2002, © George Condo, Private Collection, Photo: George Condo Studio

右上:Tristessa, 2002, © George Condo, Private Collection, Photo: George Condo Studio

下图:龙美术馆,“George Condo:图像殿堂“展览现场, Photo: JJYPHOTO



由此,Condo一方面不断向过往寻找出击的目标,另一方面又在不断回应和进入当下的现实。在他持续一生的瞄准过程中,任一风格都是试图击败真正对手的习作,更进一步说,都是他为了击中终极目标而留下的“失败品”——根本不存在百分百的命中。这或许也是那些没有在“历史”中留下痕迹的失败者,不断吸引Condo提笔描绘的原因;同时也是Condo并不真的在意某一件单独作品的原因,都不过是为保持战斗状态的练习罢了。


Condo创作的历史,因此成为一次次击败“失败”的过程,他成为了个人历史上失败次数最多的那个人,劣迹斑斑同时又披戴荣光。而历史,也正是由那些真正的“失败者”塑造,他们彼时的困境,昭示着全人类的困境,成为最值得铭刻的共同记忆。超越“失败”的定义,只保留不断出击的热情。



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The Cloudmaker, 1984, Oil on canvas, 66 x 81.3 cm / 26 x 32 in, © George Condo, Collection of the artist, Photo: Martin Parsekian



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卷宗Wallpaper*简称 W*

George Condo简称GC



W*:“图像殿堂”这个展览带有⼀定的回顾性质,会展示您200多幅作品。您觉得这个名字“图像殿堂" 是否能够代表您作品的全系列?


GC:对于这个展览,我们想的是如何超越这座博物馆的墙⾯去做展览,同时超越⾼密度的时代感。当我和策展⼈Massimiliano说的时候,他说某种意义上我也许会做⼀组⿊调油画,或者蓝调油画,或者⼀组纯⼈像;但是我说,这些其实都不是⼀个系列画作,这个更像是“cycle”(循环),因为你会重新回到某个之前开始的点上,⽐如说回到15年前的⼀组绘画。就像现在,我们有了新的资讯,从翻盖⼿机过渡到了iphone10,它依然是个⼿机,但是更新过的。所以说我们的内容从某种程度上是关于这种循环的,以及外界的观点对这⼀切的看法是如何变化的,或者我⾃⼰的的观点在创作过程中是如何变化的。



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龙美术馆,“George Condo:图像殿堂“展览现场, Photo: JJYPHOTO



W*:像您之前提到的,本次展览中包括了蓝调系列,这个蓝调系列脱胎于蓝⾊给您的感觉,去表达蓝⾊给您的情感,可以和我们分享⼀下这个系列创作背后的故事吗?


GC:这其中有⼀些封城期间的故事,包含着那些带有恐慌感的时刻。当时,每个⼈都进⼊了⼀种孤⽴的状态,然后慢慢的整个情况⼜缓慢的开放了,⼈们开始去想、去试着回到⼀种重新正常的情况中。我之前⼀直住在郊外,完全没有住在城市⾥。我当时就看到我院⼦⾥⾯的⼩⿅跑来跑去,看着花,看着季节的变化。然⽽现在我得回到城市⾥⾯住,到城市⾥⾯⼯作,回到“真实世界⾥”。这种即将回到“真实世界”的感觉,让我很难过,让我感觉“蓝调的”忧郁。



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上图:Blues in A Minor, 2021, © George Condo, Private Collection, California, United States, Photo: Lance Brewer

下图:Blues in D flat, 2021, © George Condo, Private Collection, courtesy of Tian & Ran and Hauser & Wirth, Photo: Lance Brewer



(面对这种情况)我以为会有⼀种加速的感觉——“哦太好了,我们终于回到正常了“,但是我却感觉很失望。我真实地感觉到难过,关于这⼀切正在发⽣的事情,包括我们今后怎么办,这种⽆法决断的瞬间。所以我在画画的时候就想到这种蓝调、忧郁、被压抑的感觉。


你想想蓝调⾳乐,它是由⼀个和弦结构组成,在这个结构之上才会有即兴。我选择的颜⾊就是这个和弦结构,不同变化深浅的蓝⾊,偏绿的蓝、偏紫的蓝,这些就像是A⼩调,C⼤调。然后,我就像⼀个拿着⿊⾊油画刷的⾳乐家,我在这些蓝⾊的变调即兴创作和想象。⽐如说Wes Montgomery在创作他的蓝调,像Charlie Parker在变化中即兴创作,他们本已经有了曲调,然后他们有即兴的变化。



W*:您对蓝⾊这个颜⾊在中国的印象是什么呢?


GC:在中国,我们看到前朝的瓷器上,不同形态的蓝⾊,特别漂亮。当你想到(瓷器)蓝⾊之间的⽩⾊或者⿊⾊的线条,在蓝⾊之间⾮常突出。或许有⼈会被我的某⼀幅蓝⾊画作影响到,做⼀个⻘花瓷器吧。(笑)



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George Condo, Blues in C major, 2021, Oil on linen, 300.4 x 266.7 x 4.4 cm / 118 1/4 x 105 x 1 3/4 inches, © George Condo, Private Collection, provided by Long Museum, Photo: Thomas Barratt



W*:您⾮常了解⾳乐,那蓝调⾳乐在您的⼈⽣中扮演了什么样的⻆⾊呢?


GC:它对我⽽⾔是⼀个特别持久的事情。我通常会⾮常快乐地醒来,带着⾮常正⾯的情绪,但是当某些事情展开的时候,我会觉得⾃⼰和蓝调开始有了共鸣。因为,那关于你的灵魂,你内在的感觉,你的内在所代表的⾃⼰。特别是我想到不同年代的蓝调,像⼀些特别早期来⾃美国极南部地区的蓝调,然后它发展到了Julie Hendricks,就变成了⼀种⼏乎有电⼦感、机器⼈⼀般的体验,所以我觉得即使是机器⼈也会理解蓝调,只不过我们并不知道。



W*:您觉得,做⼀个⾳乐家和画家最⼤的区别是什么?


GC:技术上⽽⾔,你使⽤双⼿的⽅式不⼀样。对我⽽⾔,我拍⼀张照⽚,可能是我想画的东⻄,然后我把它转化成我的作品。对⾳乐家⽽⾔,必须靠记忆记住很多演奏内容,或者如果他不记住的话,他就得呆在乐谱架⼦前⾯。


对我⽽⾔,我在转化画⾯,也可以把⼀个⼈的照⽚转化成我的世界⾥的⼀个⻆⾊。它是很相似的⼀个过程,但是其中有我脑海⾥的图像认知过程,把它变成⼀个物质层⾯上的形状,到油画布上,所以它是物质化的,是空间中存在的实体,然⽽⾳乐是存在于时间中的,存在于瞬间的,从开始的⼀瞬间到结束的⼀瞬间,然后它就消失了,永远消失了。


但⼀幅画的存在永远都在,哪怕你不在看着它,它也在那⾥,或许在某⼀⾯墙上。⽐如说,我们现在不在卢浮宫,我们看不⻅蒙娜丽莎,但是我们知道她在那⾥。⽽⾳乐,在停⽌演奏的⼀瞬间它就消失了。这是⼀个⾮常美丽的概念:它存在于你听着它的瞬间。它可能也存在于某些地⽅,在以太中,在⼤⽓中。



W*:既然我们讲到了绘画,那我们来聊⼀聊您画的造物吧,他们被称作“typocular beings",对吗?


GC:有个作家叫做赫胥黎,他写了⼀本书叫做《天堂和地狱》。在这本书⾥⾯,⼤概是在1950年代写的,在这本书⾥⾯,他说有些真实的物体住在我们⼤脑的边缘。他们在持续的状态中存在着,⽽且他们不想让我们知道他们存在。他们就像是把⼀些粒⼦细胞结合在⼀起的某种⼒量,我觉得这是个超级疯狂的想法。这就像是我们之前谈到的蒙娜丽莎的故事。我们知道袋⿏和斑⻢存在,但我们并不能看到他们⾛上街头。


艺术家拥有将他们具像化的可能性。当我想象我脑海中的这个部分时,忽然间,这些⻆⾊们都很突出地出现了,你可以叫他们卡通⼈物,因为他们有⼀些⽼式卡通画的感觉,那种属于18、19世纪⼈物肖像的特质,但他们真的是很奇特的存在,在我的脑海深处。



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Visions of St. Lucy, 1992–93, Oil on canvas, 223.5 x 443.2 cm / 88 x 174.5 inches, © George Condo, Private Collection, Photo: Ellen Page Wilson



我记得我在看那本书,那天我画了这幅画,然后我睡觉去了。第⼆天我醒来的时候,这个⻆⾊就站在那⾥,看着我,⼏乎觉得他像个外星⼈,刚刚从⻜船⾥⾯爬出来,但你⼜⽆法确定。我觉得他就是这样的⼩⽣物,⾮常确定,从那⼀刻起,他拥有了社会上我们平常⼈的⽣活,他可能是个收垃圾的,他可能是个医⽣,他可能是个贵族,你也不确定。社会给这样的⻆⾊提供了⼀个奇特的空间。



W*:所以这些⻆⾊都是您⽣活中的真⼈吗?是和您有关联的⼀些⼈吗?


GC:对呀,我其实觉得,每个⼈都是他,他有⼀种普遍性。“我认出了这个⻆⾊,但我并不很清楚为什么”这样的感觉。并不是我拿⾛了你的⼀个固化形象,然后把它变成了⼀个卡通。而是在我脑海⾥,关于不同的绘画形象所产⽣的图像语⾔,然后他们通过这种⽂学化的⽅式存在在绘画⾥。这就是90年代⾄今我⽣活中发⽣的事情,我⼀直在⾏业⾥⾯,摔碎他们,消除他们,解构他们。



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Father and Daughter with Face Mask, 2020, Acrylic, pigment stick, metallic paint, wax crayon on linen, 208.3 x 203.2 x 3.5 cm / 82 x 80 x 1 3/8 inches, © George Condo, Private Collection, Photo: Thomas Barratt



这次在中国的展览中,我们会有蓝调绘画,有些⿊调绘画,⽽⿊调的绘画基本是关于解构,基本上甚⾄是完全毁坏这些存在,我⼏乎炸掉了这个“星球”,他们已经存在于此太久了。他们已经在我的画⾥⾯住了很久了。我就想:“回到你们的地⽅去,管你从我的脑⼦⾥什么地⽅出现的,从我的画⾥出去。” 我把他们画出来,然后狠狠摔在地上,然后我强迫⾃⼰重新画,直到只有⼀点点痕迹或者碎⽚留下来,某个疯狂的微笑,或者眼神的表达。



W*:在您的很多作品⾥,都有着戏剧化的景象,我们可以看到其中的喜剧和幽默,也有悲剧性。您会介意⼈们⽤不同的理解去看待您的作品吗?


GC:我们已经谈到了音乐、绘画,我觉得我们现在可以说说莎⼠⽐亚。神话、悲剧和喜剧,这些文学世界的⻆⾊们,他们是英雄也是失败者。我喜欢这些失败者们,我会将他们带⼊聚光灯下。


原始的⽴体主义,是在同⼀时刻于不同⻆度去看待事物。⽽我说的是⼀种⼼理学上的⽴体主义,去看多重同时存在的情绪。你在街上天天看到很多张脸,他可能对着⼿机尖叫,旁边⼀个⼈很严肃的⾛过去、下班回家。如果你结合这两个⼈物,同时你会得到⼀个结合了多重情绪和⼼理状态的⼈物。



W*:您提到了精神⽴体主义,有些时候⼈们也会⽤“⼈造现实主义”来形容您的作品,您怎么看待这两个定义?


GC:精神⽴体主义是在同⼀时间看到不同的⼼态和情绪,这就是它的定义。而“⼈造现实主义”是另外⼀个1980年代创造出来的理论,由⼀个著名学者提出。回到1900年、1800年的现实主义,你会回到⾃然和⻛景中,画树和光,⽽这都是⾃然的。⽽现在都是⼈造的物件,所以对我们⽣活的世界来说,现实主义的表达在核⼼上是建构在⼀个⼈⼯制造的世界上,才能让我们⾃由地表达和接触。我们之间的接触建⽴在⼈⼯之上,就像现在我们正在通过⼀个⼈造的虚拟环境说话⼀样。这很有意思的,因为你不能否认,如果我⽤⼀种经典的⽅式去画你,你在画⾯中会坐在⼀个椅⼦上,但在⼈⼯现实中,你在⼀个电脑画⾯中,⽽那会是⼀个⾮常具有当代性的画像 。



W*:每⼀个我们看到的,听到的,都是某种真相的碎⽚,⽽我们看不⻅真相。


GC:是的。我们⽣活在⼈⼯现实和VR中,你可以想像,就像我和蓝调系列⼀样,我习惯了那种想法。某⼀天你可以和身处上海的某个⼈说话,然后下⼀分钟你可以开⻋去商店,买⼀条⻥,然⽽当世界恢复正常的那⼀天,你开始准备⾯对⾯的⻅⾯,当你⻅到朋友和家⼈,感觉依然很好。但是我也挺喜欢独处的,我喜欢只有我⼀个⼈和我的作品。现在因为我们有这个⼤展,我很乐意和你分享我的感受。但是与此同时,我也很喜欢⼀旦我们都安排好布置好之后,我就要回到我的独处中了,只是简单的⽣活着。



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Untitled, 2006, Charcoal on paper, 33.7 x 25.4 cm / 13 1/4 x 10 inches, © George Condo, Private Collection, Photo: George Condo Studio



撰文:殷雅迪

编辑:wenjia

采访部分翻译:xinxin

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