Stephen Gill | 想象一下，如果照片是有生命的
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《Coming Up For Air》 ©️ Stephen GillStephen Gill ，1971年出生于英国布里斯托，是一位影像创作者。他的艺术灵感主要来自于周围的环境，他不断突破摄影媒介的极限，催生出一种独特的视觉语言。在这种语言中，纪实性与偶然性、实验性与干预性相结合。
作为一名公认的摄影师，Gill还被形容为人类学家、社会学家、档案学家和出版商。他可以很好地把艺术和技术结合在一起，形成他标志性的风格。他的作品非常多样性和与众不同，包括照片的葬礼 （photographic burials，作品名字）、拼贴、水下摄影世界，以及黑影照片（photograms ），让物体同时出现在镜头前后。他的多层次作品是超现实主义化和诗意化的，通过把虚构的信息和实质的信息奇妙的并置，让观者对范围和主题感到疑惑，最终提升和阐明一个地方的精神气质，不仅仅从它的外观，也从它的感觉。
1992年，Gill在布里斯托参加了他的第一个摄影课程，拍摄他周围的街道和城市风景。1985年，他参观了Arnolfini，这是一个当代艺术公共空间，于1961年创立于布里斯托。在这次参观中，他受到了展览“涂鸦艺术”（Graffiti Art）的启发。如今，几十年过去了，Gill回到了他的出生地，回顾展出他大量的作品，包括以前从未展出过的和新的项目，如他的最新系列《请通知太阳》（ Please Notify the Sun），以及他著名的过往作品。该展览是为了庆祝Gill30年来的非凡实践，也是Arnolfini60周年纪念活动和首届布里斯托摄影节的一部分。
《Outside In》 ©️ Stephen Gill以下是GUP杂志的作者Laura Chen与艺术家Gill的对话对我来说，你的作品是不同种类的目录，是事物的积累，是生命的形式，包含着世界的每一个小细节和碎片。特别是《与蚂蚁交谈》（Talking to Ants）和《由外而内》（Outside In）的照片。你把物体和昆虫放置到你的相机机身里，这更像是摄影的研究。你是什么时候开始对生物学着迷的？微观和宏观世界的哪些方面让你感兴趣？毫无疑问，这一切都源于我的童年。我开始对摄影感兴趣，是因为我最初痴迷于收集昆虫和我在显微镜下观察的池塘生物。像是一个世界里还有另外一个世界，或一滴水中的世界。作为一个孩子，想象力是非常丰富的，进入这些你创造或发现的世界，是十分兴奋的。即使是现在，我已经成年了，我的作品也是以类似的心态创作的。特别是《Talking to Ants》，完全回到了我小时候的生活：进入这些世界，并在那里度过很多时光。它是一种尝试，试图抓住一个地方的感觉，让摄影不仅仅是一种纪录描述的工具。尽管我很喜欢摄影强大的描述性优势，但从2005年起，我就开始放弃它们了。在一些系列中，我开始减少对信息的依赖，更多地依赖于对一个地方的感觉。有时我会试着让这个地方本身，来指导我的工作。故意减少自己的控制，这让我觉得很兴奋。《Talking to Ants》 ©️ Stephen Gill你的作品从对地方的直接描绘，发展为更抽象和实验性的解释，通过将主题真正地置于框架内，作为与周围环境合作的一种方式。是什么导致了你与周围环境的这种转变？你能详细解释一下，“让一个地方指导你的工作”这个概念吗?就像撞到了一堵玻璃墙，你会推动自己，并将你的摄影推向极限。摄影是一种对主题的窒息、限制和压抑。这是我最大的担忧，通过拍摄来压制主题。我并不是在说这种媒介不好，我只是觉得它有更多的可能性，当我第一次开始探索时，就像打开了一扇小门并穿过。你只需要到这些技术参数的另一边，相机，镜头和光学元件。我开始思考如何才能让主题不言而喻。2001年，当我在哈克尼维克拍摄的时候，我用了一个带塑料镜头的塑料相机，尽管一些信息没拍到，但还是发生了一些令人惊奇的事情。这一切都是为了捕捉氛围。在某种程度上，我仍然把它视为纪实照片，但它是在想象一个地方的感觉，而不是它看起来是什么样子。它更多地体现了主题，但部分东西也是你自己的想法。《Outside In》 ©️ Stephen Gill这有些讽刺，因为你被告知要保护好你的相机，但我在某种程度上逃离了摄影。我尽我所能地去推动摄影。我从来都不太珍惜相机，所以在这5年里我毁了很多相机。我把它们拆开，修补一些残缺的旧的。我一边做一边修。我记得把冰放进相机，在冰开始融化之前，我必须迅速工作，这是我在2009-2013年间做的。我从来没有想过这个概念和工作方式是一个有利可图的利基方法或市场的缺口。这是非常个人的，因为我觉得我已经耗尽了摄影这个媒介，或者它已经耗尽了我。我想对许多事物做出回应，所以这是关于推动媒介，而不是基于美学。归根结底，它是关于，努力找到一种，表达某些事物的方式。《Outside In》 ©️ Stephen Gill你曾经把你的作品描述为“目的与偶然相碰撞”。你的实践在多大程度上依赖于偶然性?在过去的16年里，我一直在思考这些问题。摄影的危险之处在于，有时摄影师把太多脑子里想的东西投射到被摄对象身上，而没有给被摄对象一个呼吸或说话的机会。摄影有一种可怕的习惯，那就是把想法强加于人，拒绝太多已经存在的信息。我一直在考虑目的和偶然之间的平衡。你可以驾驶一些东西，但你不知道它将如何着陆。你可以组合一个矩形，给予轻微的控制，但你并不确切地知道在这个矩形内将发生什么。我喜欢思考这两者相遇和碰撞的点。随着年龄的增长，我喜欢这种后退的想法，并鼓励被摄主体向前迈进一步。也许你在精心策划这个画面，但在某些情况下，你实际上并不在那里。在《The Pillar》中，当鸟儿们自己拍照时（使用有运动传感器的特殊相机），我终于一起走了出来。《The Pillar》 ©️ Stephen Gill我注意到你也倾向于思考和创作，系列性和合集性的作品，比如说你早期的作品《取款机》（Cash Points）、《广告牌》（Billboards）、《桥梁》（Bridges）和《道路工程》（Roadworks）。你把主题当做系列合集来处理的方式让我想起了Ed Ruscha，他也会挑选一些简单的主题，比如游泳池和停车场，然后去拍摄它们。你能与我谈谈有关这种存档和收集的方法吗？Ruscha真的是你的灵感来源吗？或者在这个过程中有没有其他艺术家影响了你？我一直对这种客观的、描述性的拍照方式很感兴趣，这不是风格，也不是我的标志性风格。如果有人在我年轻的时候，对我有影响的话，那就是 August Sander 和他的超级描述性类型学。但我最近意识到，我这么做的另一个原因，在我生活了20年的伦敦，视觉上非常嘈杂，是一种持续的视觉轰炸。尽管我有在伦敦工作的强烈愿望，但我认为我不可能深入了解，我脑海中正在发生的一切。我决定我进入伦敦的唯一方式，就是拍摄我感兴趣的东西，或者我想描述、探索、研究的东西，或者以某种方式回应的东西。就像你说的《Cash Point》或《Billboards》这是一种探索我感兴趣的东西的方式。在某种程度上，这也说明了我没拍摄很多东西，我用摄影来过滤掉其他的一切，这样我就可以专注于一件事。随着年纪渐长，我不再害怕伦敦视觉上的混乱和噪音，我开始变得更加自信，创作的作品不再是概念性的或狭隘的主题，而是更多地涉及地域。这是一种解脱，我变得更加放松，让事情自然地发展。《Cash Point》 ©️ Stephen Gill《Billboards》 ©️ Stephen Gill《Bridges》 ©️ Stephen Gill在你去拍照之前，你会列一个清单，或者给自己设定一个去搜寻这些特定主题的挑战吗？还是当你回到工作室回顾你所拍摄的东西时，你才会开始意识到主题的存在?通常是我已经决定好了这个主题，在这个意义上来说我是很自律的。我很少同时致力于几个系列。奇怪的是，一旦我的思想被调整到某件事上，我就只能看到这些，有时会持续好几个月。在某种程度上，每个人都会这样。我们都只看到自己想看到的。例如，如果你想买一双新的红鞋或别的什么，你会看到很多人都穿着它，因为你的大脑会刺激你的视觉。我会带着这个想法离开我的房子或工作室，然后花6到8个小时去寻找。我从不过分质疑一个想法，它是否是个好主意，是否可行，或者其他人是否会喜欢它。我就是去做了，把它从我的身体里释放出来。我也永远不会想到观众。这纯粹是一个主题，足以承载和创作作品。最后，我会把它组装起来，看看它是怎么回事。《Hackney Wick》 ©️ Stephen Gill除了你在骑车和散步时遇到的形形色色的事物，你也热衷于收集东西吗?在伦敦的时候，我经常收集一些东西，一直都是这样。我注意到我的女儿也这样做，但她肯定没见过我这样做。我有一双饥饿的眼睛，它们永远不会休息。当我在制作《哈克尼威克》（Hackney Wick）时，我收集了一些东西，比如花朵，这些东西最终会成为另一个系列《哈克尼之花》（Hackney Flowers）的素材。《Hackney Flowers》 ©️ Stephen Gill你的很多作品经常轻微甚至完全失焦，例如在你的系列作品《B Sides》和《Coming Up For Air》中。你的图像非常细节，但又非常模糊和超现实。你愿意谈谈你是如何达到这种效果的吗？为什么？《Coming Up For Air》这可能是我最喜欢的系列之一，开始于2008年左右。当时的伦敦让我觉得很疲惫，我有很多展览，还出版了很多书。现代城市生活，无论你住在哪里，都是非常紧张的，我对此非常敏感。我想创作一组作品，它不是对现代世界的描述，而是对现代世界的一种反应。即使这些照片是在日本拍摄的，但它肯定不是关于日本的，而更多的是对我当时在伦敦生活的反应。《Coming Up For Air》是如此的多层次，对我来说意义重大。我一直认为这就像你在水下游泳时，你会听到那种令人惊叹的低沉而奇怪的声音。这是一种尝试，试图在摄影中制造出一种类似于那种浑浊、柔和、拉长的声音。把音量调小，这样就只剩下照片了。我对我的一个朋友说：“想象一下，如果照片是有生命的。”这就像用手指堵住你的耳朵和静音这种紧张的生活。这段旅程带我去了很多水族馆，我意识到当我离开水族馆时，我开始用和水生动物一样的方式看待人类世界。从鱼类的角度看，这感觉就像一个虚构的水下世界。也许摄影也是一种治疗。《Coming Up For Air》 ©️ Stephen Gill自从搬到瑞典，你进一步探索了你对动物和自然世界的迷恋。在你最近的系列《夜行队伍》（Night Procession）和《柱子》（The Pillar）中，你使用了带有运动传感器的特殊摄像机。你能告诉我们你和这些动物之间的动态关系吗，以及在如此近距离捕捉它们的技术细节?当我搬到瑞典的时候，我不确定我是要永远停止摄影，还是从零开始。不过我一直明白的一件事是，自然将在我的工作中发挥重要作用。与伦敦相比，我的想象力需要付出更多的努力，这里有如此多的事情发生，风景是如此令人兴奋。我必须提取出，一直存在，但不总能看到的主题。当我第一次来到瑞典的时候，我每天早上都会看到动物和鸟类的痕迹。我能感觉到它们在夜间忙碌，这就是我在森林里安装摄像机的原因。我想尝试一下，因为我一生都生活在城市里，但我不希望它是一个关于，来自城市的人走进大自然的项目。我不想把我的先入之见强加于自然，让自然指导我，指导我的工作。过了一段时间，尽管有很大的偶然性，但有时我设想一些可能发生的事情时，开始变得非常准确。去预测动物的行为方式或它们会在哪里，你会像动物一样认识和思考。谈到你从伦敦Hackney Wick的街道搬到瑞典的乡村，有没有什么文化差异影响或启发了你的摄影?我在伦敦的工作充满了焦虑。最大的不同就是，在瑞典需要更努力地发挥想象力，但我喜欢这样。它使我能够以不同的方式探索事物。我对我们还看不到的东西非常感兴趣。在你最近的系列作品《Please Notify the Sun》中，你花了10周时间仔细观察一条鱼，并获得了令人难以置信的艺术性和多样的结果。你是如何准备这次观察之旅的？疫情的封锁状态，是否有助于你放慢脚步，更全面地反思生活?多年来，我一直在考虑这个项目，但一直没有精力。我真的筋疲力尽了，没有勇气开始。其实我一直在准备，我认为在这条鱼体内的旅程中，所需要的东西。我把这个项目看成是一次大型的探险，像是去太空之类。由于新冠疫情的发生，我所有的展览和旅行都被取消了。所以尽管当时我的身体状况不是最好的，但我认为是做这件事的时候了。我不能旅行，所以我必须在鱼体内旅行（拍摄鱼体内的世界）。我和孩子们去钓了一条鱼。第二天，我开始了这个项目。《Please Notify the Sun》 ©️ Stephen Gill最后，摄影集是你职业生涯的重要组成部分。您在2005年创建了自己的出版公司Nobody Books，并出版了大量的书。是什么让你对摄影集这么有激情？你认为它们是展示你的摄影作品的最终形式吗？是的话，为什么呢？当我年轻的时候，我非常喜欢摄影集，从这个意义上来说，制作摄影集一直是我心底所期望的。我喜欢用书籍形式来呈现作品有很多原因：它们非常便携，非常大众，也不昂贵。从精神上来说，做一本书真的很好，因为这是一种结束。当你花很长一段时间沉浸在某件事上时，知道一个项目什么时候结束真的很有必要，否则我就永远不会停止。当这本书完成后，它让我可以继续下一件事。我从来没有想过我的出版业会变做这么大，所以最后我有点害怕出版业会开始扼杀艺术。我一直小心地把我的书籍制作和工作分开。我也注意到，当你制作这些书的时候，人们总会第一次看到一些东西，即使对你来说，这些是你多年前做的项目。《Hackney Flowers》 ©️ Stephen Gill（疫情期间预约观展VX：mugetang2017）
由艺术家木格创办于2015年，是一个复合型艺术实践空间，目前有Mugetang Gallery、木格堂艺术教育(MIA)、木格工作室三个品牌内容，具有艺术创作，青年艺术家孵化、艺术项目策划和组织、艺术家书出版及收藏功能，致力于呈现当代文化表达的多样化艺术项目，2012年成立木格工作室，2015年成立木格堂艺术教育MIA，2018年成立画廊空间Mugetang Gallery，2020年发起螺旋艺术家展览支持计划。Email⎥mugetang@foxmail.com
Add⎥成都市蓝顶当代艺术基地2期48栋
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