“ 昨天是新的一天 Apocalypse of Yesterday ” 导览 Exhibition Guide

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批判现实主义的视角在 陈卫闽 身上则体现得尤为深远并跳跃。作为川美恢复高考后的前两届学生，陈卫闽历经了从知青下乡插队到整个改革开放的加速主义进程，在这之中，他所长久居住的山城重庆也经历由历史陪都到三峡工程直辖市、唱红打黑之城以及今天的网红之都。重庆，粗暴地被不同阶段的主流所光顾：意识形态的、消费主义的、进步主义的，这些浪潮在今日的重庆之上形成一组乱码。这种时代与城市的复杂性为陈卫闽的创作带来了独特的营养。在此次即将展出的新作《壬寅》系列中，陈卫闽直言不讳地聚焦了广泛存在于中国城乡之间的社会问题，值得思考的是，在这些画作完成的几个月后，中国则爆发了一起性质极为严重的相关事件，并在媒体中持续发酵至今。然而，我们并不能说《壬寅》是这一切事件的预言，恰恰相反，这些事件在各个角落都每每发生，这也更加凸显了陈卫闽作品中对边缘关怀的急迫性。这再一次关联到他所属的西南艺术家群像，他们所强调的“生命流”并不是抽象的个人叙述，而是一次与宏大叙事的一场贴身肉搏。

陈卫闽 (b.1959)

出生于福建，现生活工作于重庆。作为四川美术学院77、78级艺术家中的重要成员，陈卫闽的创作回应着中国当代艺术发展脉络里，特属于西南艺术家群像中那锋利的批判现实主义视角。然而无论是“伤痕美术”、“乡土美术”抑或是上世纪中国当代艺术现场中普遍存在的表现主义质地；在跨入千禧年后，陈卫闽将几种基因创造性地融合在一起，诞生了描绘中国城乡变迁的《城市边缘》系列；而这种夹生却生机勃勃的融合则与中国独特的现代化进程紧密吻合，同时也体现着中国作为后发国家在奋不顾身地投身于全球化格局时所置换的代价。城乡结合部的荒诞景观、消费主义的怪异嫁接、民间神魅的传统绘画、这些丰富的肌理令陈卫闽作品中的波普语言指向了一个个具体的生态系统；而在中国逐渐步入主导地位的今天，种种社会现实依旧会把我们带回到陈卫闽作品中那一个个明艳动人、鲜活却又充满悲凉与无奈的楼宇窗监。

陈卫闽曾参与“1999年传递——变化中的中国当代艺术”（1999）“重庆辣椒”（2003）、改造历史2000-2009年的中国新艺术”（2010）、“第七届塔什干国际当代艺术双年展”（2013）“未曾呈现的声音”（2013）等重要群展，作品在俄亥俄大学美术馆、特利索利尼美术馆、卡尔顿大学美术馆、捷克大使馆、国家会议中心等机构广泛展出。

王国锋(b.1959)

出生于辽宁，目前生活和工作在北京。2019年入选国际摄影奖协会（IPA）亚洲排名前15位当代摄影艺术家；2014年获得AAC艺术中国“年度摄影艺术家”大奖（2014）；2014年获莫斯科国际摄影奖荣誉奖（MIFA 2014）、2007年获荷兰ING“REAL当代国际摄影大奖提名"。

 他的重要个展包括：“过滤”，今格空间，中国北京（2021）；“如何拼起图像碎片？“，今格空间，中国北京（2019）；”绝对景观 -- 2018韩国光州双年展特别展”，韩国光州（2018）；“探针”，德萨画廊，中国香港/北京（2015）；“报导”，德萨画廊，中国香港（2013）；“理想宣言”，俄罗斯艺术科学院美术馆（MMOMA），莫斯科（2007）等。

 他参加的重要群展包括：“穿越禁忌”，伯尔尼美术馆，瑞士伯尔尼（2021）；“哈瓦那双年展”，古巴（2019）；“另一种选择”，罗马国立当代美术馆，意大利罗马（2018）；“第三届今日文献展”，今日美术馆，中国北京（2016）；“文化碰撞 --穿越东北亚”，香港艺术中心，中国香港（2015）；“陌生的亚洲”第二届北京国际摄影双年展，中国北京（2015）；“中国当代摄影2009-2014”，民生现代美术馆，中国上海（2014）；“破碎的皇宫”，澳大利亚白兔美术馆（2013）；“非线性实践：2012年光州国际艺术双年展特展”，韩国光州（2012）；“中国和日本的当代美术”釜山市立美术馆，韩国釜山（2010）；“第六届上海国际艺术双年展”，中国上海（2006）；“第二届莫斯科国际艺术双年展”，俄罗斯莫斯科（2007）；“时间之后的时间”美国芳草地艺术中心，美国旧金山（2003）；“当高度变为形式：全球化时代的艺术”，沃克艺术中心，美国明尼阿波利斯（2002）等。

回到柏林墙的另一头。在疫情发生以后，居住在柏林的艺术家 卢青 制作了一面属于自己的红色软墙，他带着这面墙分别在城市各处游荡：公园、地铁站、胜利纪念碑、隔离墙旧址。如何通过日常性来调动集体情感是卢青作品中的核心议题。在独在异乡为异客的彼方，那些洒落在红色软墙上敏感而细碎的光斑，随着微风被轻轻吹起；红色的墙成为了卢青身份的侧写：一个来自中国的青年，正在讲述着红色中国的故事。

卢青(b.1989)

现漂流在北京。2013年毕业于四川美术学院，获学士学位；2021年毕业于柏林白湖艺术学院，获大师班学位。卢青的工作以在现实生活中的个人情景出发，观察和解构自身的感受和现象，回溯自己的成长语境，结合背景语言。从断裂的角度来看待我的不同场域里所透露出的日常。怀疑所有，并对自身也是不信任的状态。会以视频，装置，行为，绘画等不同的媒介来表达。个人展览经历：（2021）器空间个人项目“断裂的平行视觉”；（2020）第13届欧洲宣言展平行展“连字符”普罗旺斯美术馆项目；（2019）巴黎“黄色反射”群展项目；（2019）澳门牛棚行为艺术节；（2018）柏林“Bunker Publication”群展。

Back to the other side of the Berlin Wall. After the outbreak of the epidemic, Lu Qing, an artist living in Berlin, made a red soft wall of his own. He took this wall to wander around the city: parks, subway stations, the Victory Monument, and the old site of the separation wall. How to mobilize collective emotion through everydayness is the core issue in Lu Qing's works. Being a stranger in a foreign land alone, the sensitive and fine light spots scattered on the red soft wall were gently blown up by the breeze, the red wall turning into the profile of Lu Qing's identity: a young man from China telling the story of Red China.

Lu Qing (b.1989)

currently drifting in Beijing, he graduated from the Sichuan Fine Arts Institute with a degree of bachelor in 2013 and a master class from the White Lake Academy of Art in Berlin with a master class in 2021. Lu Qing's work starts with personal situations in real life, associated with observation and deconstruction on his own feelings and phenomena, and then retracing his own growth and contextual words. The work shows a fractured perspective on the everyday revealed in my different arenas, it totally means a suspicion in things exterior and an interior mistrust as well, it will express in different mediums such as video, installation, performance and painting.

Personal exhibitions: ‘Fractured Parallel Visions’, a solo project by Ware Space (2021) ; ‘Hyphen’, a parallel exhibition to the 13th European Manifesto, Musée de Provence (2020) ; Paris ‘Yellow Reflection’ group exhibition project (2019) ; Macau Cattle Depot Performance Art Festival (2019) ;‘Bunker Publication’ group exhibition in Berlin (2018) .

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在 曾宏 的作品《形状-人民》中，“社会主义现实主义”的工作方法得到了某中个人化的演进，笔触的叠置就像一个个融合在集体主义中的个体，“人民”被飘摇地悬挂在历史的断线之上。正如艺术家所言：“形状、形体和形象是我思考绘画的基础，而叙事则成为隐藏的结构，来连接画与人之间的关系。”其实，自库尔贝以来的现实主义概念就讲求社会抵抗行动与作品语言革命的具身性咬合，而社会主义工厂的工作经验与今天作品中对于现实命题的深切关注，依旧是曾宏工作中所践行的古典逻辑。如曾宏所画，在《形状-人民》中，“人民”作为一个锋芒毕露的词语，被穿插投射在幕布上词语的意义在彷徨和塑形中被消耗殆尽，在绘画中成为一个被弱化的形象。然而，这种弱化并非抽象，则依旧是对现实命题的象征性阐释。形象与现实从未离场。

曾宏(b.1974)

生于四川资阳，毕业于四川美术学院。现居住与工作于北京。个展：2018《红色笔记》，今格空间，北京；2017《肥皂》，杨画廊，北京；2015《抽帧》，望远镜艺术家工作室，北京；2015《曾宏》，杨画廊，北京；2012《曾宏》，Boers-Li画廊 ，北京。

近期群展：2021《靡菲斯特的舞步》，沪申画廊，上海；2021《学习－艺术家的自我学习和共同学习》，HABITAT空间,上海；2020《拼拼凑凑的利维坦》，Bridge Projects，洛杉矶；2019《饥饿地理》，泰康空间，北京；2019《拼拼凑凑的利维坦》，LUHRING AUGUSTINE BUSHWICK，纽约；2019《工厂、机器与诗人的话－艺术中的现实光影》，798艺术区，北京；2019《快乐的人们》，中间美术馆，北京；2019《在网络的标志下》，clc gallery venture，北京；2019《灼手的余温》，户尔空间，北京；2018《全在从事世界掘金》，佑品空间，武汉；2018《新群众》，南艺美术馆，南京；2018《堡垒》，单行道画廊，北京；2018《北京新语》，三远当代艺术中心，北京。

我们应如何描述宏大？自2015年以来，整个世界范围内的民粹思潮迅速崛起，而疫情则加速了世界从物理到精神方面的全面割裂。可以说，这场席卷全球的灾难瓦解了那些形同装饰的抒情叙事，而所有人都不得不去承认并面对，一个大时代的来临以及一个权力高度在场的社会。作为新一代具有多重海外经历的华裔艺术家，张敬琟 的创作展现出同辈里所罕有的厚重而深沉的对宏大叙事的关注，在《广场、回廊、秩序》系列绘画中，艺术家对紫禁城——这一中国古代最高权力的所在地进行了一次及其丰富的拓扑。可以想像，这场研究将会穿越这个集政治、宗教、风俗于一体的中国建筑集大成者的诸多面向。但对于艺术家来说，这并不是一场无限宏大的征程，而是一次向内之旅。正如艺术家所言：“将一座蕴含着浓厚政治历史意义的庞大建筑群，一步步转化为几件轻盈的私人藏品。”

张敬琟(b. 1994)

生于北京，现生活、工作于北京。2016年毕业于伦敦大学学院斯莱德艺术学院本科学位，2018年获得英国皇家艺术学院绘画专业硕士。张敬琟的绘画作品力图表现艺术家身处建筑空间中捕捉到的能量和情绪变化。在创作过程中，她习惯以铁丝编制雕塑的方式理解建筑设计的本质，从而消化这些即真实又捉摸不定的感受。因而她的画面即便轻薄、抽象，其背后都有十分具体的依据和逻辑，并客观记录着艺术家每一人生阶段最真实的精神状态。张敬琟的参展经历包括：“一双·新亚裔艺术家群展”（蜂巢当代艺术中心，北京，2021）；“临界构型” （狮语画廊，上海，2020）；“正在生成”（候鸟空间，北京，2019）；“英国艺术家联盟2017年优秀毕业生展” （Mall画廊，伦敦，2017）。

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在中国当代艺术发展的近几十年历程中，由于其特殊的社会体制与权力关系，让其不论是在存在属性上还是系统建制上都生长出了一套独特的叙事脉络。艺术家 李昕頔 将中国当代艺术发展的独特性作为自己工作的重要背景，也将西方当代艺术史中的重要的机构批判思潮在中国现场进行了重新的梳理与再生产。在此次展览中，《无题（工作灯）》将画廊空间的照明灯管取下，安装在艺术家所制作的形似包豪斯屋顶装置中，其下洒满康复新液与灭蟑螂凝胶。这令观众不由想象，在画廊的白盒子空间熄灯的晚上，一只只随着艺术品国际运输的木箱而登陆798艺术区的美洲大镰在黑暗中爬出。这种奇妙而令人不适的联想体验也正是容纳批判性思考当代艺术在中国所遭受的复杂机遇，一个愉悦的、抵抗的、谄媚的、治愈的、资本的、异化的弗兰肯斯坦。

李昕頔 (b.1996)

生活和工作于北京。2018年从芝加哥艺术学院雕塑系毕业后，李昕頔回到家乡北京，继续进行个人艺术创作之外，也在艺术机构内全职从事展览设计和项目管理等相关工作。

李昕頔的艺术实践深受汉斯·哈克(Hans Haacke)和安德里亚·弗雷泽(Andrea Fraser)等在机构批 评(Institutional Critique)领域起到推动性作用的艺术家的影响，他的装置作品经常以无厘头的幽默以及对现实事物出其不意的戏仿，质疑艺术机构的本质以及它们在生产当代文化与定义当代社会审美方面的作用。除了个人艺术实践外，李昕頔还以雇员的身份参与着公共艺术机构的日常运行。其职业经历极大地促进了他对艺术机构运转方式的理解，并启发了他对相关制度体系内所谓的“惯例”进行自省式的反思。用艺术家的话来说，他的双重身份(艺术机构雇员/对既定体系的敏感观察者)中所隐含的对立关系，并未对他的艺术实践造成困扰。与此相反，这两种角色所蕴 含的某种同源性则引发了他在实践中的种种思考。

During the development of Chinese contemporary art in recent decades, due to its special social regime and power relations, it has developed a unique narrative context both in terms of its nature of existence and its system. Artist Li Xindi takes the uniqueness of the development of Chinese contemporary art as an important background for his work and reorganizes and reproduces the important trend of institutional criticism in the history of Western contemporary art in China. In the work “Untitled (Work Light)”, the artist removed the lighting tube in the gallery space and installed it in hisBauhaus-like roof installation, which is sprinkled with Kangfuxin liquid and cockroach-killing gel. This made the audience easily recall the scene of American cockroaches crawling out of the international transportation wood crates in 798 Art District, in the darkness when the white box space of the gallery was turned off. This wonderful yetuncomfortable associative experience is also a complex opportunity to allow critical thinking about contemporary art in China, meanwhile a Frankenstein of pleasure, resistance, flattery, healing, capital, and alienation.

Li Xindi (b. 1996) 

lives and works in Beijing. Li studied sculpture in The School of the Art Institute of Chicago. After completed his study in 2018, Li returned to his home Beijing and started working as a full-time exhibition designer and art administrator while continuing his individual artistic practice.

Following the paths of pivotal artists who work in the realm of Institutional Critique, such as Hans Haacke and Andrea Fraser, Xindi Li’s installation works pose questions and critically comments on the nature of art institutions and their role in producing culture and defining aesthetics in contemporary society with unexpected parody and non-sequitur humor. Aside from his individual art practice, Li has also worked in private and public art museums professionally; these professional experiences have significantly contributed to his understanding of the functioning of art institutions and initiated his constant introspective examining of the norms within the institutional system. In the artist’s words, the inner conflict created by the dual identity (being an employee and a mindful critic of the established system) does not affect his artistic practice significantly but it is the homology embedded in the two seemingly opposite roles that intrigues him the most.

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作为自小在广东生活与成长的 熊浩棋 作品中透露着独特的港口经验，其作品呈现出一种有迹可循的外来主题。这种夹生的“舶来性”受到香港文化的影响，而香港做为前英属殖民地又携带着一种独特的国际性。在此过程中，率先流入东南沿海地区的英剧成为了艺术家自小以来的视觉记忆，而在近期去往英国生活居住后，艺术家更加切身地理解了一种特定的文化理念是如何通过文艺作品来实现对人们视觉审美的改造的，即，视觉的政治身份。而在此次所展出的作品中，艺术家不仅描绘了其儿时记忆中的英剧《傲慢与偏见》，还描绘了作为典型文化产品的迪斯尼动画《冰雪奇缘》中的桥段。而所有着些段落，都被艺术家强势地以鲜红色重新阐释，这种“强势的红”则间接关联着艺术家对于自身身份到理解与演绎。

熊浩棋 (b.1997)

出生于湖北武汉，现生活、工作于伦敦。现就读于英国皇家艺术学院。在近期的实践中，熊浩棋以传入中国的英剧及迪士尼动画形象为线索。用红色探索这些舶来的文化产品是如何参与塑造了年轻人群对于亲密关系与自我价值的认知和理解。对于艺术家来说，红色是写生人物所必须的颜色，而在英国生活中逐渐感受到的信息差异加剧了这种文化层面上的不安定感，这也让他的绘画进行起来更为反复轻薄，这种工作方式直指着外来剧作为文化产品的介于理想、真实、与意识形态的虚构质地。

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长期旅居法国的经验令 刘广隶 更加敏感于那些处文明与文明交流之间，长期摩擦碰撞所产生的灰色空隙与文化碎屑。这些历史的残片因为其面目的模糊与驳杂而鲜有被主流权力话语所认领。而长期身处“之间”位置的生命体验令艺术家对这些间隙有着深厚的认同与深沉的珍视。在这次展出的作品《出家众》中，艺术家基于三国时期“朱应、康泰出使扶南（今柬埔寨），偶遇天竺使”的具体事件，动画以第二人称“你”对未来的回忆展开（叙述均重组改编自历史文献，以“肖像”为线索），试图以抽象的方式描绘“出家”意象下的集体记忆。离家的修行者，存在于各式各样的文化和宗教中，他们的远行曾真实地促进了跨文化交流，将风景带离此处，抵达远方。而在疫情成为常态的今天，“距离”也再次变成了一个暧昧的定义，这个距离曾经在全球化风行的时代被全面地消解，但今天却变得无比在场，并沦陷为了意识形态相互掣肘的阵地。但我们应该相信，在这场动荡的洗礼过后，人民最终会变得更加地澄明。正如《出家众》中所言：“在无限世的来生之后，你们必然会拯救自己。”

刘广隶 (b.1990)

生于湖南冷水江市，现工作、生活于巴黎。毕业于Le Fresnoy法国国立当代艺术影像研究中心。他的创作关注“图像生产”及新媒体技术，涵盖绘画、影像艺术、3D动画和虚拟现实等领域，试图探索数字媒介如何影响我们的当代叙述和集体记忆的重建。他曾获得奥地利林茨电子艺术节大奖Golden Nica（电脑动画组）、卡塞尔纪录片影展最佳短片Golden Key等奖项。

近期参与的电影节与美术馆放映包含：台湾国际纪录片影展，台北（2022）；Videoformes新媒体艺术节，克莱蒙佛朗，法国（2022）；安娜堡电影节，安娜堡，美国（2022）；真实电影节，巴黎，法国（2022）；奥本豪森国际短片电影节，奥本豪森，德国（2022）；烧掉自己的船，向海洋敞开，广东时代美术馆，广州，中国（2022）；HiShorts! 厦门短片周，厦门，中国（2021）；Memento，却道艺术，巴黎，法国（2021）；Festival International de Videoarte, 布宜诺斯艾利斯，阿根廷，首奖（2021）；北京国际短片联展，北京，中国，特别提及奖（2021）；Chicago Underground Film Fest, 芝加哥，美国，荣誉提及奖（2021）。

策划人

蒲英玮 (b.1989)

现工作、生活于中国北京。2013年毕业于四川美术学院，获学士学位；2018年毕业于里昂国立高等美术学院，获硕士学位并获得评委会最高嘉奖。蒲英玮的工作被定义为一种具有强烈乌托邦热情的观念艺术实践。艺术家将其在公共领域中所践行的多重媒介与身份叙事理解为一次全面的动员。以个人史作为一个绝对的出发点，通过展览、写作、设计、讲演、教学等不同形式的工作，艺术家试图生产一种跨越了种族、国家、伦理等宏大命题的“元政治”。这种政治与我们所经历的现实同样复杂并充满悖论。

近期个展：“血字的研究：革命现实主义的再次起源”，MAMOTH（2021）；“晦涩历险：思辨波普与泛中主义”，星美术馆研究中心（2021）；近期群展：“ON|OFF 2021：回到未来”，和美术馆（2022）、“第十三届上海双年展：水体”，上海当代艺术博物馆（2021）；近期策划展览：“华文码头：从唐人街到红色国际主义”，OCAT深圳馆（2020）。他曾获得约翰·莫尔绘画奖（2012），其文章《帝国遗产——论〈踱步：七十年的走过〉与其缄默》获得IAAC国际艺术评论奖二等奖（2019）；入围华宇青年奖（2018），入选中国艺术权利榜（2019）；入围集美·阿尔勒国际摄影季发现奖（2020），入选Gen.T亚洲新锐先锋榜单（2020），入围保时捷中国青年艺术家双年评选（2021），影片《访谈录》入选法国卡昂电影节（2018）。