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佩斯首尔扩张新空间举办「光与空间运动」代表艺术家群展及玛丽·阔思个展

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佩斯首尔扩张新空间举办「光与空间运动」代表艺术家群展及玛丽·阔思个展玛丽佩斯首尔群展空间新空间艺术家个展阔思画廊崇真艺客

玛丽·阔思：看见与未见的

佩斯画廊 · 首尔

首尔汉南洞Le Beige大楼2-3层

持续展出至2022年4月30日

群展：弯折的光II

佩斯画廊 · 首尔

首尔汉南洞Le Beige大楼1层

持续展出至2022年5月28日

佩斯画廊再度扩展位于首尔的展览空间，纳入画廊所在地的汉南洞Le Beige大楼一层及花园。扩张后的首尔画廊将占据超过一万平方英尺的展览空间，并为今后展出体验式、沉浸式及互动式艺术作品而进行设备升级改造。首尔新空间以“光与空间运动”代表艺术家的群展“弯折的光II”（Bending Light II）拉开序幕，展出彼得·亚历山大（Peter Alexander）、拉里·贝尔（Larry Bell）、罗伯特·欧文（Robert Irwin）、詹姆斯·特瑞尔（James Turrell）、弗雷德·埃弗斯利（Fred Eversley）和海伦·帕什加（Helen Pashgian）等艺术家的重要作品。而同为“光与空间运动”先锋之一的美国艺术家玛丽·阔思（Mary Corse）的个展 “看见与未见的”（Seen and Unseen）也将同期在大楼的二至三层空间中展出。佩斯首尔计划于2022年夏季举办首尔当地跨媒体艺术家群展，并将于6月在新空间后部开设占地1600平方英尺的复合型茶室，后者亦会面向公众出售艺术书籍、版画及印刷品，并展示媒介多样的艺术作品。

佩斯画廊首尔空间占据了首尔汉南洞Le Beige大楼的三层空间。摄影：Sangtae Kim

佩斯画廊再度扩展位于首尔的展览空间，将Le Beige大楼的一层及花园空间纳入旗下。摄影：studio_kdkkdk

个展 “玛丽·阔思：看见与未见的”在大楼的二至三层空间中展出。摄影：studio_kdkkdk

佩斯首尔为玛丽・阔思举办首次个展“看见与未见的”，这也是继艺术家在去年于首尔APMA艺术博物馆的展出广受好评的回顾性大战后，再次回归首尔。此次个展将展出阔思纪念碑式的原色绘画，以及其“白色内光带”系列的绘画作品。展览还将呈现艺术家诞生于1960年代的两件标志性的灯箱作品。个展现已开幕并持续展出至4月30日。

玛丽·阔思的韩国首次美术馆个展“以光作画正在首尔APMA美术馆展出现场

“玛丽・阔思：以光作画”在上海龙美术馆展览现场，龙美术馆供图，摄影：韩小易

玛丽・阔思在过去超过60年艺术生涯中，一直探索和研究“光”的特质，而其独特的绘画方法得到不少赞誉。于1960年代后期，阔思于一次驱车过程中，留意到一种工业物料——工业玻璃微粒——能增强路标的能见度，阔思加以利用此物料与颜料结合，研发出新的绘画技法，展示出光线折射的美学。是次在画廊的二楼展出艺术家三幅长达2米的正方大型绘画，画布中在黑色和白色的粗条垂直带之间夹原色。阔思以其黑白单色作品闻名，对以微粒作为微小的棱镜并不只是简单地反射光，而是透过折射落在绘画表面的颜色深感兴趣。阔思数十年来对这种棱镜效应的好奇，反映于她最终走向发展彩色组成的方向。这一发展使艺术家能够“更深入地了解白光”并探索纯色。阔思于作品中的红色、黄色和蓝色的大长方形色块上层叠着玻璃微粒，包裹在哑光黑色条纹之间，并与带有微粒的明亮白色条纹并列，在平面构图中营造出空间的深度感。

Mary Corse, Untitled (White, Black, Red, Beveled), 2022,Glass microspheres in acrylic on canvas,84 x 84 x 4 inches, Photography by Flying Studio, Los Angeles©Mary Corse. Courtesy the artist and Kayne Griffin, Los Angeles

Mary Corse,Untitled (White, Black, Yellow, Beveled) , 2022 Glass microspheres in acrylic on canvas,84 x 84 x 4 inches,Photography by Flying Studio, Los Angeles©Mary Corse. Courtesy the artist and Kayne Griffin, Los Angeles

Installation view of Mary Corse: Seen and Unseen, Pace Gallery, Seoul, 2022, Photography by studio_kdkkdk © Mary Corse, courtesy Pace Gallery

而在画廊的三楼则展出阔思的两个灯箱作品和四幅白色画作。在艺术家早年的创作实践中，阔思开始研究量子物理学，尝试将光从她的墙上作品解放出来。为了实践此兴趣，阔思创造出一系列氩气灯箱作品，并称其为“光的绘画”。灯箱使用单丝悬挂，以特斯拉线圈和高频发电机为驱动力，穿透墙壁传输着电磁场。这些作品产生了不可思议的光谱效应。与她创作的灯箱装置作品的同期，阔思创作出她著名的“白光”画作，作品中的几何抽象元素呈现了一种类似于极简主义的美学。阔思于1996年于她“内光带”系列基础上继续创作其“白光”画作。在这些作品中，阔思独特的绘画笔触，将玻璃微粒融入丙烯颜料，使沿着白色画布延伸的垂直条带打破了画布的平面特质。而观者于展览空间的不同位置会看到作品中的垂直带时而出现、时而消失。从木板背面向墙壁逐渐变细的斜边亦增加了画作在墙前盘旋的错觉。

Mary Corse, Untitled (White Multiband with White Sides, Beveled), 2022 Glass microspheres in acrylic on canvas,82 x 56 x 4 inches,Photography by Flying Studio, Los Angeles©Mary Corse. Courtesy the artist and Kayne Griffin, Los Angeles

Mary Corse, Untitled (White Inner Band with White Sides, Beveled), 2022 Glass microspheres in acrylic on canvas,82 x 67 x 4 inches,Photography by Flying Studio, Los Angeles©Mary Corse. Courtesy the artist and Kayne Griffin, Los Angeles

Installation view of Mary Corse: Seen and Unseen, Pace Gallery, Seoul, 2022, Photography by studio_kdkkdk © Mary Corse, courtesy Pace Gallery

“光与空间运动”起源于1960年代南加州，通常与极简主义、几何抽象和欧普艺术相关联。与此运动相关的艺术家，虽然每个的创作都有个人独特之处，但艺术家都倾向于将创作实践从古典理想中剔除，转而支持一种积极的、多感官的美学体验。艺术家除了追求作品于不同媒介中呈现出的多种美学，更主要关注观众的感知和他们与作品的互动交流。

于画廊一楼的新空间举行的“光与空间”的艺术家群展“弯折的光II”是首尔空间于2020年举办“弯折的光”首个群展后再度回归。是次群展回归除了继续展出彼得·亚历山大、罗伯特·欧文和詹姆斯·特瑞尔的作品，亦加入拉里·贝尔、弗雷德·埃弗斯利和海伦·帕什加的作品于新空间亮相。展览精选了代表“光与空间运动”不同面向的艺术家作品，亦呈现每位艺术家在其职业生涯的里程碑式发展。群展“弯折的光II”反映了佩斯一直支持开拓新领域的艺术家及他们对探索人类感知的历史，展览将会持续展出至5月28日。

佩斯首尔扩张新空间举办「光与空间运动」代表艺术家群展及玛丽·阔思个展玛丽佩斯首尔群展空间新空间艺术家个展阔思画廊崇真艺客

Installation view of Bending Light II, Pace Gallery, Seoul, 2022, Photography by studio_kdkkdk © Courtesy Pace Gallery

詹姆斯・特瑞尔自年少时起便对航空业深感兴趣，并在十六岁时获得了飞行员执照。飞行令他对空间、光线、颜色和感知的感官体验产生了巨大的影响。在他的作品中，特瑞尔试图将其艺术品非物质化，他提议创造一种超然体验——让每位观者感受到独有的冥想体验。群展“弯折的光II”展出了特瑞尔的装置作品“Beneath the Surface”，这件嵌入空间墙体之中的装置由玻璃与LED灯构成。装置的神秘色彩让人联想起色域派画家的作品。广阔而看似悬浮的装置以其持续而微妙的色调变化渗透到观众的感知领域深处，创造出一种“无言思考”的体验。

James Turrell, Beneath the Surface, 2021, Photo by Flying Studio©James Turrell, Courtesy the artist and Kayne Griffin

罗伯特・欧文透过无限的想象力和对非传统材料的运用，创作出能直接对应于场地或建筑空间条件的装置。尽管作品使用多样而奇异的材料，欧文的创作实践重点仍然是观众的感知体验——“去看，就是去忘记你所见之物的名字”，艺术家的这句名言正体现他的创作理念。是次展出的装置作品“Sunshine Noir”是由垂直的荧光灯管组成，艺术家将荧光灯管包裹在剧院凝胶层中，使他能够控制从灯管所发出的光的强度。通过对光质量的控制，艺术家可以实现色调的变化，而它是无法透过平面上颜料的普通反射而实现的。灯管表面上的黑色和白色胶带细条会产生色差、深度和反射的裂缝。欧文对颜色、纹理、光影的运用，改变了一种超越空间、图像和语义限制的视觉体验。

Robert Irwin, Sunshine Noir, 2011, Photography by Philipp Scholz Pittermann©Robert Irwin / Artists Rights Society (ARS), New York (ARS will provide)

拉里・贝尔作为欧文的学生，学习到“感知主义”的概念，这深深地影响了他的创作实践。1960 年代初期，贝尔在一家画框店工作，对玻璃及其透射、吸收和反射光线的特性深感兴趣。贝尔尝试于画布上的几何抽象绘画中加入玻璃，并朝着此方向发展，及后成为他标志性作品之一。起初，艺术家在其画布建构立体感，试图实现立体的错觉，而贝尔的玻璃立方体雕塑就是由此脱变而成。艺术家以特殊手法处理玻璃表面，使这些立方体雕塑能够反射不同波长的可见光谱的颜色——此现象会根据观者所身处的不同位置而变得可见。这些雕塑呈现在透明的玻璃基座上，仿佛悬浮在空中。贝尔作品的这种虚幻特征采用了感知主义的核心原则，将难以持久的感官体验作为艺术作品的主要主题。

Larry Bell, Untitled, 1967, Photography by Christopher Burke Studio©Larry Bell, Courtesy the artist and Pace gallery

彼得・亚历山大被荷兰画家维米尔（Johannes Vermeer）的画作中呈现的“水底下的光”的某种特质，与马克・罗斯科（Mark Rothko）画作中的柔和边缘所吸引。艺术家试图在其艺术创作中捕捉一种短暂的感觉。亚历山大的聚氨酯雕塑以折射光线而并非自身发光而闻名，是此展出的作品“Fresh as a Daisy”一排垂直的液体颜色线似乎随着时间的推移而凝结——保持着它们无常的状态。不均匀的线条组合在不同的调色板中具有散射的边缘，保持一种类似于空间中传播光的流动状态。

Peter Alexander, Fresh as a Daisy, 2019©Peter Alexander, Courtesy the artist and Pace gallery

亚历山大并不是唯一一个对维米尔画作中对光的处理而着迷的艺术家。海伦・帕什加从事艺术史学术研究，专注研究十七世纪荷兰黄金时代的艺术大师，她以非传统媒介作实验，探索这些画作中描绘的光的效果和感知。在古典绘画中，光可能具有隐喻或寓言的关联，但在帕什加的创作实践中，光占据了举足轻重的地位——不仅是媒介亦是信息。帕什加及后用固体丙烯酸元素铸造热树脂以生产半透明球形，这些球体呈现出宇宙星体般的外观，看似包含着光线。而观者的移动是体验其作品的重要一环，这个过程展示了作品中所捕捉到的多层明暗光线的视觉效果。

Helen Pashgian, Untitled, 2018, Photography byJoshua White ©Helen Pashgian and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong, Seoul, and London.

弗雷德・埃弗斯利作为一名受过专业训练的航空工程师，将科学结合于他的艺术创作实践中。埃弗斯利意识到树脂具增强感知体验的迷人能力，其抛物线镜片创作体现了艺术家树脂实验的最高成果。埃弗斯利之所以被抛物线所吸引，是因为其独特性质——是唯一将所有形式的能量向单一一点聚集的形态。埃弗斯利采用一种细致的方法，首先将不同粘度的染色聚酯树脂倒入连接到电机的圆形模具中，仔细控制电机速度、添加到树脂中的催化剂及其混合程度，决定了颜色之间的相互作用、饱和度、不透明度和亮度。艺术家最终创作出一个高度抛光的凹透镜，它反映了观众及其周围环境的影像，打破了艺术与生活之间的屏障。