飞去来器——OCAT双年展 | 廖雯：创作是一个逐渐生长的过程

《升》，廖雯，椴木、硅胶、粉水晶、珍珠，90 × 98 × 87 cm，2021

致谢艺术家

所在单元：百物之息

单元策展人：于渺

地点：华·美术馆3楼

《风穿过我们的身体》，廖雯，椴木、硅胶、环氧树脂、汉白玉、LED灯，220 × 132 × 30 cm，2021

致谢艺术家

所在单元：百物之息

单元策展人：于渺

地点：华·美术馆3楼

《月梯》，廖雯，椴木、石榴石、氧化铁粉、喜马拉雅盐、火山岩、环氧树脂、硅胶、黄麻绳、枸橘根及其他综合材料，200 × 66 × 266 cm（高度可变），2021

致谢艺术家

所在单元：百物之息

单元策展人：于渺

地点：华·美术馆3楼

▲ 华·美术馆：从个人角度出发，你怎么理解此次双年展的主题“飞去来器”及分展览主题“百物之息”？

▲ 廖雯：可能因为我做雕塑经常接触到工具，我对飞去来器的第一印象是：这是一个凝结了人类智慧的超凡的工具。后来我去看了飞去来器的设计原理，它支翼的切面使它可以凭借空气动力稳定上升，器身的形态和重力分布又可以使它回飞——真是简洁、巧妙又有杀伤力。但它同时是高度依赖自然条件的工具，需要适度的风力风向和使用者敏锐的观察才能发挥作用。

“飞去来器——OCAT双年展”展览现场

因此，于我而言，“飞去来器”作为主题很有包容性，我在分展览中看到了许多作品对日常经验、技术、人与自然等课题的关注与探讨。“百物”虽然没有“万物”这个词的宏大感觉，却能表达一种真实且力所能及的对周遭的关照。和百物共处，并且分享某种共通的频率和节奏。我觉得我们这次展览中的作品和动线设计都蛮有这种气息感和流动感，有体现彼此间的吐故纳新。

“百物之息”单元现场，图片由艺术家提供

▲ 华·美术馆：在“百物之息”中，你的作品讲述的是什么故事？

▲ 廖雯：其实“百物之息”中的三个作品是彼此独立的叙事，但是它们都是关于女性群体经验的，比如我对丰产仪式、疗愈仪式和生理周期的关注。这些作品都是将仪式中的物质空间换转为身体性空间的尝试。

《升》，廖雯，椴木、硅胶、粉水晶、珍珠，90 × 98 × 87 cm，2021，图片由艺术家提供

《升》这件作品的灵感来源于古希腊的妇女节。在秋收的时节，雅典的已婚女性会到城郊进行为期三天的仪式，这个几乎禁食禁言的仪式是为了祈求女性生育的顺利和作物的丰收。这件作品有种首尾相连的形态，上升的躯干逐渐过渡成下降的触角，在硅胶制作的腐肉处勾连起来，形成了一个封闭的循环。我想要通过这种封闭的循环去强调女性在生育活动中的劳作。

《升》，廖雯，椴木、硅胶、粉水晶、珍珠，90 × 98 × 87 cm，2021，图片由艺术家提供

但与此同时，这种雕塑形态其实也限制了它的触角触及到其他的领域——就好像在被雅典城邦极力推崇的妇女节期间，女性在城郊的聚集也暗示了她们在秋收中的缺席——那几天男性们忙碌地在农田里收割作物并为来年重新翻土。

《风穿过我们的身体》，廖雯，椴木、硅胶、环氧树脂、汉白玉、LED灯，220 × 132 × 30 cm，2021，图片由艺术家提供

这次委任的作品是《风穿过我们的身体》，它表现的是我老家端午节的推风火疗愈活动。和古希腊妇女节所处的边缘的女性空间类似，这场活动发生在家庭里较边缘并具有女性气质的空间：厨房。我把屋顶做成了皮肤包裹脊背的样子，在屋顶下方嵌着一盆草绿色的水，里面几个白蛋映出屋顶昏黄的灯光。这个仪式虽是借由植物去祛除湿气和火气，但我觉得它更是为我们提供了一个交流与建立信任的空间，去降解身体和心灵淤积了很久的毒素，就好像作品下方渗出的一颗颗汗滴所表现的一样。

《月梯》，廖雯，椴木、石榴石、氧化铁粉、喜马拉雅盐、火山岩、环氧树脂、硅胶、黄麻绳、枸橘根，及其他综合材料，200 × 66 × 266 cm（高度可变），2021，图片由艺术家提供

《月梯》的构思最早来源于一个说法，即女性的生理周期会受到月相变化的影响。我平时也常常观察生理期时经血的不同颜色。我觉得经血的色泽暗示着了能量的渐强或减弱。这件作品是从天花板一直垂到地面。顶部的三个椭圆环其实来自于一块木料，它们连接旋转后就从平面变成了一个立体的结构。在这个结构中间有个红色的网兜里放着一块石榴石，据说石榴石是能够滋养气血的。再往下是七个装有不同程度红色液体的容器，它们对应了经期间不同颜色的血液。天上的石榴石与地面血泊中长了根须的火山石，形成了在天空与地面的连接，血液在这之间流淌。我觉得它是流动的，同时又是被撕扯的。

《月梯》，廖雯，椴木、石榴石、氧化铁粉、喜马拉雅盐、火山岩、环氧树脂、硅胶、黄麻绳、枸橘根，及其他综合材料，200 × 66 × 266 cm（高度可变），2021，图片由艺术家提供

▲ 华·美术馆：从创作及个人体验的角度出发，你怎么理解“仪式”？

▲ 廖雯：我一直以来都对群体活动中看不见的秩序和失序感到很困惑和好奇。随着这两年创作的逐渐推进，我对仪式与神话也愈加关注，我开始自问“仪式”究竟是什么？我为什么要对这一逐渐消失的文化感兴趣？

今天我们公共领域中的仪式早已失去了它曾经的功能与效用，但私人领域中“仪式感”的构建活动，依然以不同的形态发生于日常的各个角落。

像文化理论家韩炳哲所说：“仪式给生活带来某种稳定性。”我觉得仪式赖以存在的基础依然没变：通过仪式中分离、阀限与聚合的过程，使仪式的主体——不论是个体还是群体——重新去获得相对稳定的状态，从而可以重新投入社会生活中。但仪式所需要的心灵状态却在今天的社会中逐渐分崩离析：郑重其事的态度，对未知和不可控的周遭的敬畏，以及群体间共秉承的信念。

我们习惯了碎片化且朝生暮死的信息洪流，习惯了对物质伸手可得的便利，在效率至上的环境中我们甚至滋生了“人定胜天”的狂妄幻觉。近年的世态更是放大了那些被我们忽视的裂痕，但另一方面也是一个契机，促使我们思考如何去面对当下瞬息万变的世界，又如何去调整自身以存在于这些波动之中。

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在OCAT双年展中的作品便是“节律之仪”这个方向的创作。我延续了对仪式中身体与空间关系的探究（比如在《升》仪式的场所是城郊的土地，《盲目的猎人》的场所是病床，《阿多尼斯的花园》是屋顶）。在《风穿过我们的身体》中，我开始强烈地意识到边缘空间所具有的权力隐喻。不太一样的地方是，这次委任创作让我将我的视线从远方的仪式神话，转移到了我真正体验过的东西，这种经验是靠阅读和理解所不能够带来的。同时，我觉得自身的体验也帮助了我更感同身受地理解远方的仪式，帮助我寻找到某种共通的特质。

《阿多尼斯的花园》，廖雯，椴木、硅胶、粘土、白水晶、玛瑙、没药、银莲花，93 × 40 × 42 cm，2021，图片由艺术家提供

《Sketch 0.1》，廖雯，即兴表演，2018，图片由艺术家提供

我早期对硅胶这个材料实践也影响了我现在对雕塑身体表面的处理。那会儿做了很多的翻模和硅胶外上色，由于没有条件，所以大多数时候都是翻自己或翻身边的朋友。这些经验让我对身体的皮肤、肌理和触感更加敏感。

《忧疑》硅胶局部创作过程，2020，图片由艺术家提供

▲ 华·美术馆：“女性”的身份是否为你的创作带来不一样的视角？

▲ 廖雯：我好像没有办法在自己的创作中，用传统意义上的“男性视角”或其他性别认知的视角来进行工作。但我可以肯定地说，我的视角与工作方法中，既有“女性化”的部分，也有“男性化”的部分。它们有的来自于我的生理构造，有的来自于构建我知识体系和世界观的由男性书写的世界，有的来自其他神秘未知的领域。但这些东西好像很难剥离开来单独地谈。

其次我并不认为“女性”是一种“身份”。我觉得个体与个体间的差异，不同文化背景的人的差异是远远要大过性别差异的。

作为一个创作者，我认为很幸运的是，这几年通过我的工作，我确实开始关注女性主义思想，也能够更自觉地关注我所处的社会之中的女性的处境，并且为此发声。同时这些关注也为我的创作带来了更多维的思考。

采访、编辑 | 蔡晓倩

廖雯，1994年出生于四川成都，现居住于深圳，2016年毕业于四川美术学院版画系，2019年从中央美术学院实验艺术学院取得硕士学位。廖雯的艺术实践根植于对日常身体的感知，尝试以鲜活的雕塑语言叙说隐匿于身体内部的情感变化，其实践同时亦涉及表演和影像。早期研制木偶的经历，为她带来了雕塑创作的独特视角；作品时常复现身体局部与器官，体现出艺术家通过再现疼痛感来唤醒身体体悟的倾向。她近期的实践侧重于“仪式中的身体”这一主题，将悬置于冲突临界点的身心状态，外化为暂处于临时稳定状态的雕塑结构。