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展览 | 「饱和」（Saturation） Thaddaeus Ropac 画廊巴黎庞坦

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「饱和」

Saturation

崔旭京（Wook-Kyung Choi），《无题》（Untitled），c. 1960s

巴黎庞坦

展期：即日起至2022年9月24日

地址：69 Avenue du Général Leclerc, 93500 Pantin

展出艺术家：

韩冰

崔旭京（Wook-Kyung Choi）

曼迪·埃尔-萨耶（Mandy El-Sayegh）

玛莎·琼沃斯（Martha Jungwirth）

瑞秋·琼斯（Rachel Jones）

多纳·尼尔森（Dona Nelson）

梅根·鲁尼（Megan Rooney）

图·凡·特兰（Thu Van Tran）

策展人：奥娜·道尔（Oona Doyle）

Thaddaeus Ropac巴黎庞坦空间最新展览「饱和」（Saturation）于今日开幕。展览汇集跨越两个世代的当代艺术家，她们的作品聚焦充满实验性、姿态性及抒情性的抽象新形式。抽象表现主义的相关艺术家玛莎·琼沃斯（Martha Jungwirth，生于1940年，奥地利）、崔旭京（Wook-Kyung Choi，生于1940-85年，韩国）和多纳·尼尔森（Dona Nelson，生于1947年，美国）与年轻一代的艺术家展开对话，包括韩冰（生于1986年，中国籍，常驻法国）、曼迪·埃尔·萨耶（Mandy El-Sayegh，生于1985年，马来西亚籍，常驻英国）、瑞秋·琼斯（Rachel Jones，生于1991年，英国）、梅根·鲁尼（Megan Rooney，生于1985年，南非籍，常驻英国）和图·凡·特兰（Thu Van Tran，生于1979年，越南籍，常驻法国）。玛莎·琼沃斯和曼迪·埃尔·萨耶去年秋天在 Thaddaeus Ropac 画廊巴黎空间分别举办了首次个展，而这次展览是瑞秋·琼斯和梅根·鲁尼的作品首次在巴黎空间展示。韩冰、崔旭京、多纳·尼尔森和图·凡·特兰受特别邀请参加展览。

瑞秋·琼斯（Rachel Jones），《温柔的峭壁》（Tender Crags），2022年

在色彩理论中，“饱和度”（saturation）是描述颜色表现力的术语，代表某种颜色的最高强度。“饱和”也指涉当下的社会状态，其特点是信息泛滥，情感过剩与精神超载。根据社会学家莫妮克·黑考尔（Monique Haicault）的理论，这种饱和的状态尤其对女性造成影响。因此，展览特别精选女性艺术家的卓越作品，以诠释抽象艺术，摆脱过往以男性为中心的阐述视角。

艺术家如何吸收信息和改造她们周围的世界？她们对以“注意力经济”为标志的网络和都市环境做出了怎样的回应？饱和点先于溢出点，并随时触发溢出的状态。这个瞬间从展览中可见一斑，充满张力和重复性的作品透过浓缩和富有诗意的维度、颜料和材料的叠加，以及它们的色度探索，体现艺术家对“饱和点”的理解。随之发生的“溢出”则可以从笔触肆意的姿态和流溢、即兴的创作、材料的转化、图像和文本之间的自由关联，以及绘画向装置和表演的扩展中观察到。展出的画作呈现出别致的氛围，皆因几位艺术家进一步探讨“饱和度”的气象学意义 —— 饱和的空气含有最大数量的水蒸汽。

玛莎·琼沃斯（Martha Jungwirth），《大洋洲》（Australidelphia），2020年

展览中，每位艺术家呈献两到五件作品，大部分是为展览而特别创作。从玛莎·琼沃斯长达六米的纸本绘画到崔旭京的细腻水墨；从瑞秋·琼斯将小尺寸、无伸缩的画布与大型景观相结合，到曼迪·埃尔·萨耶通过创造沉浸式环境扩展绘画的维度，这八位艺术家各具特色的色彩、形状和笔触在庞坦空间的三个展厅首次汇聚，并相互呼应。

参展艺术家之间的另一个共同点则是她们与诗歌、文学和音乐的紧密联系 —— 无论是绘画过程还是方式，抑或是作为原始材料。艺术家通过绘画表达的意愿与对语言的反思交织，由此发展出抒情抽象的新形式。

曼迪·埃尔·萨耶（Mandy El-Sayegh），《网格（果园）》（Net-Grid (Orchard)），2022年

在曼迪·埃尔·萨耶的装置和绘画作品中，她广泛取用新闻、诗歌、中文和阿拉伯文书法等各种信息来源，解构语言代码，包括诸如“果园”（Orchard）和“海风”（Sea Breeze）等有特别含义的词语，并层层堆叠这些内容，以揭示语境如何通过社会文字游戏被稀释。

崔旭京分别在1965年和1972年出版了两本诗集。在60年代，她有时会在画作中加入自己的诗或报纸头条和谚语，如“谁是这场血腥战争的赢家”或“粗心的泼妇”，这些词句都涉及当时的政治和社会背景。

玛莎·琼沃斯以弗拉基米尔·纳博科夫（Vladimir Nabokov）的回忆录《叙述记忆》（Speak Memory）和希腊神话作为灵感来源，而她的笔触似乎揭示写作和绘画之间的联系，她把笔触描述为“内心状态的地震记录图”（seismograms of inner states）。琼沃斯在她的艺术家书籍中记录了这些印象，亦在此次展览中展出。在她的宣言诗《我心中的猿》（The Ape in me，1988年）中，琼沃斯写道，绘画是一个直观的空间，存在于可识别的图像之外及“口语之前”。

韩冰，《公寓》（The Apartment），2022年

梅根·鲁尼将诗歌作为一个反思的过程。她的画作乍一看很抽象，却隐藏着她想象的叙述。她分享道：“在一幅画的深处总是埋藏着故事。”

诗歌也是韩冰创作的出发点，她将自己关于城市的发现描述为“未知作者的诗”。

瑞秋·琼斯经常与诗人合作，并深受音乐的影响。她的画作可以像乐谱一样被阅读，线条、颜色和纹理在变化中被重复，牙齿和口腔则是关键主题，唤起关于表达的概念。

图·凡·特兰（Thu-Van Tran），《灰色调》（Colors of Grey），2022年

图·凡·特兰通过玛格丽特·杜拉斯（Marguerite Duras）、约瑟夫·康拉德（Joseph Conrad）和阿尔伯特·加缪（Albert Camus）的文学作品对殖民历史展开调查，探索身份和语言之间的联系。她的《灰色调》（Colours of Grey）系列在颜色和历史事件之间建立充满寓意的联系。

本次展览的艺术家拥有不同的文化背景，其中几位对历史上和今天的代表性和边缘化问题进行了反思。在为观众带来独一无二的视觉体验之余，展览亦揭示批判性的思考，并宣扬一种带有反抗意味的抽象主义。