Bedsheets, pillow cases, dye made of hibiscus and anemone, ash, salt, duck tape, iron oxide, rainwater
天线空间荣幸地推出群展“你的肉体，我的诗”（And Your Flesh Is My Greatest Poem），本次展览由Mohamed Almusibli策划，参展艺术家包括：Dala Nasser, Hana Miletic, Isabelle Cornaro, Ser Serpas, Shahryar Nashat, Sitara Abuzar Ghaznawi。展览将于9月27日持续至11月3日，此展览仅限内部邀约。
群展“你的肉体，我的诗”以一句诗摘贯串了策展人穆罕默德·埃尔姆斯布里（Mohamed Almusibli) 汇集的6位艺术家的作品。西塔拉·阿布扎尔·伽兹纳维（Sitara Abuzar Ghaznawi）、伊莎贝尔·科纳若（Isabelle Cornaro）、沙赫里亚尔·纳沙特（Shahryar Nashat）、达拉·纳塞尔（Dala Nasser）、哈纳·米利缇契（Hana Miletić）和赛尔·赛尔帕斯（Ser Serpas）运用各自独有的媒介语言，以抽象的手法探索身体的诗意表达。艺术家们满腔热忱地投入这一系列堪称优美尸骸*的绘画与雕塑，但还是携带生活中免不了的伤疤。观看抽象、人造的身体诗学，其复杂性与一般的身体哲学自是大有不同。艺术家以作品指涉身体的年老肤褶、软骨、溢液、胀气，并借此测试这些身体剩余的部位是否仍可运作，以及身体作为概念层面上的存在是否具有合法性。策展人埃尔姆斯布里将种种试验统合在诗句之中，邀请观众对这些被拆解的感官器具展开反思。
科纳若庞大的树脂柱状物系列《Streams II》（2019），其上是一些身体和人造垃圾的浮雕。纳塞尔天然染色的布料则令人想到艺术家海蒂·布赫（Heidi Bucher，1926-1993）影响深远的乳胶“皮肤”，二者的差别在于布赫常常动辄使用超过三米乘两米半的尺幅，合拢出伤痕般的深洞造型；而纳塞尔的《Al-Mina》（2021）则倾倒在地面上，作品经由木炭、灰、盐和其他天然色素打磨上色，微妙地记录了被废墟环绕的身体。
Resin and aluminium powder
赛尔帕斯以无框画布绘制的不同尺寸肖像作品较为轻快。艺术家通过RealSelf网站来追踪整容手术前后对比照片，在此之上绘制一系列匿名整形手术患者的大片皮肤。在2022年的一幅未命名作品中，赛尔帕斯描绘了戴着医用绿色乳胶手套的患者；在同年创作的另一幅规格较小的作品中，患者腹部周围皮肤泛着红色和病态的黄色，抑或是柔嫩，但这是作品讲述敞开身体的所有线索了。
在这方面，纳沙特的作品可以说是毫不忌讳地展示了由树脂制成的一捆肉块（Bone-In, 2022 ）、一幅肉骨相连的风景画（Boyfriend_10.JPEG, 2022）以及床垫上肉眼可见的一袋袋伴侣的尿液（Lover_25.JPEG, 2022）。同样，从阿布扎尔·伽兹纳维那酒吧高脚凳身形（Psalm, 2021）的镀铬双腿间窥视，我们看到玫瑰、网袋、铝箔、空烟盒，这些材料构成现成品雕塑，正是艺术家特有的风格。
Metal, Organic glass, Fabric, Found materials
跟赛尔帕斯手法类似的是米利缇契，她的纺织雕塑《Materials》和《Softwares》（2019-2021）结合了手工和机械编织，只是米利缇契似乎更注重疗愈其语用学。作品直接取自公共场合中被损坏的物件，将这些无生命体修复并转化成新的形式。
我们的存在就栖居在我们自己的体内。这件事情的崇高美感之一，莫过于它谜一般的功能，以及它被封存保护起来，鲜为人知的状态。生活中，我们任凭直觉展开种种伟大的身体探险，为的正是避免碰触到这个核心，或者至少不惜一切代价避免损伤它。将任何一具身体视为其拆分肢骸的总和，便能引发真实界的危机（a crisis of the real）。理论家茱莉亚·克里斯蒂娃（Julia Kristeva）在她开创性的精神分析著作《恐怖的权力：论卑贱》（Pouvoirs de l’Horreur: Essai sur l’abjection, 1980）中如是写道：“没有什么是熟悉的，记忆之影亦复如是”。这位身体的公知为了真诚告白，不免有点故作浪漫。[1]
[1] 茱莉亚·克里斯蒂娃，《恐怖的权力：论卑贱》，1980年版，第5页。*“优美尸骸”（exquisite corpse）源于法语词“cadavre exquis”，是一种文字或图片接龙游戏。此处为一语双关，隐喻本展览的状况。该游戏是超现实主义者创造的，类似于一种叫做“consequence”的老式客厅游戏（old parlour game，亦可理解为老式桌游），即玩家轮流在一张纸上写字，将其折叠以掩盖部分字迹，然后将其传递给下一个玩家，让其继续发挥。据安德烈·布勒东（André Breton）记载，“优美尸骸”一词出自一群超现实主义者首次玩该游戏时创作的短句：“Le cadavre exquis boira le vin nouveau.”（优美的尸骸当饮新酒）。原文：穆罕默德·埃尔姆斯布里（Mohamed Almusibli）
以材料为基础，达拉·纳塞尔通过抽象和另类的图像制作进行创作，将一种跨学科的方法应用到她的绘画、表演和影像作品中。纳塞尔研究人类与非人类之间的纠葛，这些纠葛源自开采作业和历代殖民抹杀所造成的环境、历史及政治条件长期以来的恶化。纳塞尔在她的作品中使用了一系列的材料来检验历史、生态和毒性，从而去创作特定语境下的装置艺术作品。她的作品专注于因基础设施系统的失败而导致的流变毒性、河川在边界之间的流动，以及近期环境负债背后的神奇历史背景。
达拉·纳塞尔（b. 1990，黎巴嫩，现工作和生活于贝鲁特）2016年毕业于伦敦大学学院斯莱德美术学院，而后在耶鲁大学艺术学院研学，师从A.L史特纳（A.L. Steiner）并于2021年毕业。她的作品在国际平台上均有展出，包括耶鲁大学艺术学院，纽黑文（2021）；BetonSalon，巴黎（2019）；贝鲁特艺术中心，贝鲁特（2019；2017）；沙迦艺术基金会，沙迦（2019）；Ghebaly Gallery，洛杉矶（2018）；维多利亚·米罗画廊，伦敦（2018）等。
哈纳·米利缇契 Hana Miletic
哈纳· 米利缇契通过联结摄影与编织来反思表现形式和社会再生产的问题。艺术家以她记录公共空间维修的修护的照片为蓝本，编织她的纺织品。米利缇契把编织工艺流程作为一种对抗工作中某些经济和社会状况的方式，如加速性、标准化和透明度，这无一不需要大量的时间和精力来完成。
哈纳· 米利缇契（b. 1982，萨格勒布，现工作和生活于布鲁塞尔）在国际上众多艺术机构、展会和画廊均有展出，包括美因茨美术馆，德国（即将展出）；天线空间，上海（即将展出）；卢森堡当代艺术博物馆，卢森堡（2022）；第58届十月沙龙 x 贝尔格莱德双年展，贝尔格莱德（2021）；The Approach，伦敦（2021；2019）；维也纳美术馆，维也纳（2020）；La Maison de Rendez-Vous，布鲁塞尔（2019）；WIELS，布鲁塞尔（2018）等。哈纳·米利缇契于2021年获得第22届巴洛斯艺术奖（Baloise Art Prize）。
伊莎贝尔·科纳若 Isabelle Cornaro
伊莎贝尔·科纳若运用绘画、雕塑、装置和影片来挑战观众对艺术对象的认知方式。她的多媒体作品精心编排、审慎并置，对传统的表现模式致敬并加以创新。在强调景深的同时，一如普桑（Poussin）擅长的传统透视法则那样，科纳若也遵循近大远小的法则。她解释道：“所有的物体都与自然表现和图像构建相关”。
伊莎贝尔·科纳若（b. 1974，欧里亚克，现工作和生活于巴黎和日内瓦）于1996年在卢浮宫学院获得艺术史学位，并于2001年和2002年分别在巴黎国立高等美术学院和英国皇家艺术学院修习版画和纯艺。近期展览包括：贝加莫现当代艺术馆（2022）；路德维希现代博物馆，科布伦兹（个展，2021）；橘园美术馆，巴黎（个展，2021）；蓬皮杜艺术中心，巴黎（2021；2020；2014）；蓬皮杜卡纳尔中心，布鲁塞尔（2020）；奥克西塔尼当代艺术美术馆，塞里尼昂（2020；2019）；翰墨博物馆，洛杉矶（2018）；军械库当代艺术展会，纽约（2018）；东京宫，巴黎（群展，2017；个展2015）等。2021年，她获得了马赛尔·杜尚奖的提名，法国国际当代艺术传播委员联合会，巴黎，法国。
赛尔·赛尔帕斯 Ser Serpas
受到非盈利组织和时尚领域经验的影像，赛尔·赛尔帕斯（b.1995，洛杉矶）将过度消费作为她艺术的一个核心主题。她的一些拟人化创作结合了累叠的布料和被遗弃的物件，突出了它们之间的感性互动。赛尔帕斯的素描与绘画源自互联网上发现的图像或智能手机拍摄的图像，展示了赤裸的、性别化的、支离破碎的躯体，而他们的身份和容貌无从见得。
赛尔·赛尔帕斯的作品近期展出于LC Queisser，第比利斯（个展，2022）；Barbara Weiss画廊，柏林（个展，2022；群展，2020）；Balice Hertling，巴黎（个展，2021)；Progetto，莱切（2021）；Conceptual Fine Arts，米兰（2021）；Karma International艺廊，苏黎世（群展，2022；个展，2021；2020）；Fitzpatrick画廊，巴黎（2021）；氧气双年展，第比利斯（2021）；Kevin Space艺术协会，维也纳（2020）；瑞士学院，纽约（2018）等。
沙赫里亚尔·纳沙特 Shahryar Nashat
人体和其它表现形式在沙赫里亚尔·纳沙特创作的雕塑、录像及其它作品中发挥着核心作用。然而，这不仅仅是一个视觉分析问题。更确切地说是当过滤经验的科技在助长碎片化和疏离感时，纳沙特得到的作为一具肉身意味着什么的丰富经验。欲望、死亡、脆弱和韧性是他强调的主体要素。纳沙特尤为关注框架和基座，他把它们当作作品中不可或缺的部分。他还经常改变画廊的建筑和照明，使他的展览可以作为艺术反映人类生活现状能力的具象沉思录来运作。纳沙特的创作兼具预知力和神秘感，这也使得它们成为迈入不确定之未来的窗口。
沙赫里亚尔·纳沙特（b. 1975，日内瓦，现工作和生活于洛杉矶）已然是众多机构的重要个展展示对象，包括MoMA，纽约（2020）；国立丹麦美术馆（SMK），哥本哈根（2019）；瑞士学院，纽约（2019）；巴塞尔美术馆，瑞士（2017）；Portikus，法兰克福（2016）；Schinkel Pavilion，柏林（2016）；卡彭特视觉艺术中心，哈佛大学，马萨诸塞州（2015）；东京宫，巴黎（2014）；纽伦堡艺术协会，德国（2010）；圣加仑美术馆，瑞士（2009）等。近期值得关注的群展有：“Honestly Speaking: The Word, the Body and the Internet”，奥克兰美术馆，新西兰（2020）；“Made in L.A. 2016: a, the, though, only”，翰墨博物馆，洛杉矶，美国（2016）；第20届悉尼双年展，澳大利亚（2016）；蒙特利尔双年展，加拿大（2016）；第8届柏林双年展，德国（2014）和第54届威尼斯双年展，意大利（2011）。沙赫里亚尔·纳沙特的作品被全球多家博物馆永久收藏，如蓬皮杜艺术中心，巴黎；贝加莫现当代艺术馆（GAMeC），意大利；圣加仑艺术博物馆，瑞士；芝加哥艺术学院；沃克艺术中心，明尼阿波利斯。
西塔拉·阿布扎尔·伽兹纳维 Sitara Abuzar Ghaznawi
西塔拉·阿布扎尔·伽兹纳维运用混合媒体和装置来创作。她的作品探索西方文化同质化和等级制度的叙事，通常采用批量生产的材料，如铝箔、边角料或工业胶布。她没有试图掩饰这些材料的功利性本原，玫瑰是她作品中反复出现的母题纹样，她时常通过玫瑰的并置将所使用的材料提升到诗歌的高度。她的作品被框定在似是指代西方艺术准则的盒子般的结构中，被材料携带的谦逊之感颠覆。
通过复杂的文化指涉和对材料的极简主义方法，艺术家西塔拉·阿布扎尔·伽兹纳维挑战了制度规范并质疑了品味的概念。
西塔拉·阿布扎尔·伽兹纳维（b. 1995，阿富汗，现工作和生活于苏黎世）最近展出于LC Queisser，雅典（与Marina Xenofontos的双个展，2022）；Galerie Maria Bernheim，伦敦（2021）；LC Queisser，第比利斯（个展，2021）；苏黎世美术馆，瑞士（2020）；Fri Art弗里堡美术馆，瑞士（2019）；NEST，苏黎世（2018）等。
策展人
穆罕默德·埃尔姆斯 Mohamed Almusibli
穆罕默德·埃尔姆斯布里是一位工作于瑞士日内瓦的独立策展人。他曾与多个机构合作，如日内瓦当代艺术中心、弗里堡的FriArt Kunsthalle、伦敦的AutoItalia等。2019年，他与詹姆斯·班通和玛格丽特·米卡诺斯基共同创立了艺术空间Cherish，并于他们的客厅开展活动。
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