常青画廊将参加2022年“艺+巴黎”艺博会paris+ par art basel| 展位 A04

阿岱尔 · 阿德斯梅 （Adel Abdessemed）1971年出生于阿尔及利亚康斯坦丁，现生活和工作于法国巴黎。阿岱尔·阿德斯梅采用多种创作媒介，包括绘画、雕塑、表演、视频和装置。他的作品经常涉及战争、暴力和宗教等主题，并以残酷暴力的意象为特征试图描绘当代世界。记忆、创伤、大火、陶醉和清醒：身为柏柏尔（阿尔及利亚的少数民族）的法国艺术家阿岱尔·阿德斯梅三十多年来一直致力于创作坚定而炽热的作品，并很快在国际舞台上引起了共鸣。

▲ 阿岱尔·阿德斯梅（Adel Abdessemed）《讨厌的花瓶》Le vase abominable, 2013, 混合媒体底座上的赤陶花瓶, 260 x 110 x 110 厘米, ©️艺术家与常青画廊

▲ 阿岱尔·阿德斯梅（Adel Abdessemed）《可可丽可绘画，74 岁的莫奈开始了他的战斗……睡莲之战》Cocorico painting, A 74 ans Monet se lance dans sa bataille... La bataille des Nymphéas, 2017-2020, 可回收金属表面印刷, 130 x 180 x 4.5 厘米, ©️艺术家与常青画廊

▲ 尤安·卡波特（Yoan Capote）《安魂曲（出埃及记）》Requiem (exodo), 2022, 油画、钉子、24k 金箔、安装在木板上的画布上的鱼钩, 120 x 120 厘米/47.24 x 47.24 英寸, ©️艺术家与常青画廊

丹尼尔·布伦（Daniel Buren），创作于1964-1965年的一系列绘画作品作为起点，它们以圆形图案和不同尺寸、色彩的线条组合构成。自上世纪六十年代，布伦从材料的最优使用以及背景（支撑物）和形式（绘画）之间的关系角度出发，逐渐形成了一种彻底、激进的个人创作风格。在1965年后半年，布伦决定以一种视觉工具来代替涂色的条纹，于是使用工业材料制作了一种8.7厘米宽的垂直条带，使彩色和白色的条带在作品中交替出现。紧接着，布伦进一步简化了作品的视觉构成，他让这一视觉工具有规律地重复，并且排除了任何形式变化——仅允许不同的颜色和一成不变的白色相互交替。此后，这一始终如一的视觉工具开始与各种不同的变量、以及材料和环境等因素相互结合。在此过程中，布伦激发我们对作品和其呈现方式、以及艺术家在更普遍意义上所介入的真实环境和社会气氛展开反思。

▲ 丹尼尔·布伦（Daniel Buren）《纸上绘画和拼贴》Peinture et collage sur papier, 1964, 丙烯、石墨、粗麻布、红纸粘于纸板上, 64.6 x 50 厘米/25.43 x 19.69 英寸, ©️艺术家与常青画廊

卡洛斯·克鲁兹·迭斯（Carlos Cruz Diez, 委内瑞拉, 1923-2019）作为当代艺术的重要人物，全能型、社会型艺术家与动态艺术的先驱，卡洛斯·克鲁兹·迭斯是无可争议的色彩大师。在他的整个职业生涯中，他尝试并开展了大量的研究，这些研究是他艺术语言的象征。卡洛斯·克鲁兹·迭斯首先将自己定义为一名画家，他不断关注委内瑞拉与世界发生的巨大变化。从一开始，他就对新作品的探索产生了浓厚的兴趣，并不断寻找非常规的技术与工艺，这在他的作品中发挥了关键作用。从 1994 年开始，他便出现在数字革命的前沿，使用计算机的调色板来辅助作品的创作。

▲ 卡洛斯·克鲁兹·迭斯（Carlos Cruz Diez）《空间颜色干扰巴黎2》Chromointerférence spatiale Paris 2, 2014, 铝、塑料嵌件色谱, 100 x 100 厘米/39.37 x 39.37 英寸, ©️艺术家与常青画廊

贝林德·德·布鲁伊克（Berlinde De Bruyckere）于1964年出生于比利时根特，她也在那里生活和工作。艺术家的实践深受艺术史、古典神话，以及社会结构崩溃中的日常现实的影响，她的作品透过其自身的物质性，邀请我们反思人类的处境。艺术家对深入了解人类现状的迫切愿望促成了这些雕塑的呈现形式，它们展示了一种深刻的痛苦，并探讨了如脆弱、死亡、孤独、痛苦与纪念，一系列与人类相关的永恒主题。

▲ 贝林德·德·布鲁伊克（Berlinde De Bruyckere）《大天使 V》Arcangelo V, 2021, 蜡、木头、动物毛发、硅胶、铁、环氧树脂, 335 x 83 x 85 厘米/131.89 x 32.67 x 33.46 英寸, ©️艺术家与常青画廊

▲ 卡洛斯 · 加莱高亚（Carlos Garaicoa）《Carabanchel》, 2022, 摄影静帧印刷, 153 x 213 x 15 厘米/60.23 x 83.86 x 5.9  英寸, ©️艺术家与常青画廊

安东尼 · 葛姆雷（Antony Gormley）出生于1950年的英国伦敦。因其雕塑、装置和公共艺术作品而广受好评，并持续检视人体与空间的关系，直面自然和宇宙中人类存在的基本问题，在十九世纪六十年代为雕塑打开了新的可能性。葛姆雷不断尝试让艺术空间成为一个可以呈现新的行为、思想和感情的地方。

▲ 安东尼 · 葛姆雷（Antony Gormley）《解脱 III》RELIEF III, 2021, 铸铁与高强度钢, 33.8 x 199.2 x 42.7 厘米/13.30 x 78.42 x 16.81 英寸, ©️艺术家与常青画廊

席帕 · 古普塔（Shilpa Gupta）在印度孟买生活和工作，从 1992 年到 1997 年，她在SIR J. J. 美术学院学习雕塑。艺术家的作品涉及社会和心理边界对公共生活的感受。她的作品将观众从自满的、假设的、客观的社会剧场中拉出来，以另一个视角观看这个世界。

▲ 席帕·古普塔（Shilpa Gupta）《访客时间》Visitor Hours, 2021-2022, 制枪金属, 20 x 0.5 x 7 厘米/7.8 x 0.19 x 2.7  英寸, ©️艺术家与常青画廊

苏伯德 · 古普塔（Subodh Gupta）是印度最高产的艺术家之一，他参加过许多国际展览。他的作品涉及多种媒体，其中最著名的是他的大型雕塑作品。这些作品由日常金属物品组成，如午餐盒、锡罐和炊具。1964年，他出生于印度比哈尔邦的克高尔，后来在印度巴特那的艺术与工艺学院获得了绘画学士学位。如同今天在印度工作的众多艺术家一样，古普塔的作品涵盖了一个不断变化的印度经济和文化景观，其中物质主义和政治影响塑造了未来，而非传统。他在作品中使用的物品以标志和符号的形式出现，以自信且简单的方式将当今印度复杂的社会、经济以及文化状况编纂成一体。古普塔使用多样的艺术手法来表达和创作大型雕塑、绘画、装置、摄影、影像和表演作品。也许人们应该把这位艺术家定义为雕塑家，因为他意识到物体的物理存在，材料的美学和象征属性，以及空间、时间和身体之间的关系。

▲ 苏伯德·古普塔（Subodh Gupta）《我的村庄 (XVIII)》My Village (XVIII), 2022, 布面油画, 209 x 198 x 5 厘米/82.28 x 77.95 x 1.96 英寸, ©️艺术家与常青画廊

▲ JR《未装裱，查理卓别林由 JR 评论，孩子，查理卓别林和杰基库根，美国，1923 年，夜间，巴黎，2021 年》Unframed, Charlie Chaplin revu par JR, The Kid, Charlie Chaplin & Jackie Coogan, USA, 1923, de nuit, Paris, 2021, 2021, 彩色印刷、不透明有机玻璃、框架、卡纳莱托胡桃木外壳, 153 x 103 x 6.5 厘米/60.23 x 40.55 x 2.55英寸, ©️艺术家与常青画廊

安尼施 • 卡普尔（Anish Kapoor）1954年卡普尔出生于印度孟买，他的父亲是印度人，母亲是犹太人，他从小在印度孟买长大，在青年时期去以色列学习机械工程，19岁那年前往英国，并在那里开启了自己的艺术生涯。1979年，他去印度旅行，重新审视了自己的文化根源，让他意识到自己是一位边境艺术家，身处于东西方之间。但是卡普尔并没有因此给自己设定文化坐标，他经常强调“我只是在英国工作的艺术家”，在他看来不同的文化形式，都表达着同样的真理。敏锐的感悟力和丰富的生活经历成为卡普尔创作的基础，多重文化经验造就了其独特的艺术表达。

▲ 安尼施•卡普尔（Anish Kapoor）《绿色到黄色到金色缎面》Green to Yellow to Gold Satin, 2019, 铝、颜料, 210 x 210 x 24.5 厘米/82.67 x 82.67 x 9.54 英寸, ©️艺术家与常青画廊

汉斯·欧普·德·贝克（Hans Op de Beeck）于1969年出生于比利时的蒂尔瑙特，现今在布鲁塞尔生活和工作。他制作大型沉浸式装置、电影、雕塑、照片、绘画和文本。2018年，贝克为法兰克福Schauspiel剧院创作并执导了自己的第一部作品《盛宴过后》，同时还参与了布景、音乐和服装的制作。他的作品反映了我们复杂的社会以及普遍人类思考的问题——生命的意义。他激发观众的感官，并邀请他们进行真正的影像体验。

▲ 汉斯·欧普·德·贝克（Hans Op de Beeck）《下班之后》After Work, 2021, 木材、聚酰胺、涂层, 131 x 35 x 35 厘米/13.7 x 13.7 x 51.57 英寸, ©️艺术家与常青画廊

‍米开朗基罗 · 皮斯特莱托（Michelangelo Pistoletto）‍是“贫穷艺术运动”的主要人物之一。在他的作品中，镜子构成了包括人类、社会以及宇宙空间的世界图像。在皮斯特莱托看来，发生这种镜面反射的空间既不是有限的也不是个体化的，它是宇宙空间的整体性，因此，它是每个人的宇宙空间。皮斯特莱托回忆道：“在1961年，我开始在抛光成镜子的黑色地面上画自己的脸，我看到它朝着我走来，在一切都在移动的环境中脱颖而出，这令我震惊。我还意识到我不再需要在另一面镜子里看着自己，而是可以通过直接看进画布来复制自己。”

▲ ‍米开朗基罗·皮斯特莱托（Michelangelo Pistoletto）《怀孕》La Gravidanza, 2015, 镜面不锈钢丝网印刷, 250 x 125 厘米/98.42 x 49.21 英寸, ©️艺术家与常青画廊

帕斯卡尔·马尔蒂那·塔尤（Pascale Marthine Tayou）于1966年出生在喀麦隆的恩康桑巴，现生活和工作于比利时根特。他自九十年代后便蜚声国际，尤其是在参加第十一届卡塞尔文献展（2002年）和威尼斯双年展（2005年 和 2009年）之后。塔尤的作品旨在通过自己在欧洲的经历重新定义后殖民问题，并探索诸如移民、个体在社会的角色扮演以及民族和文化认同等问题。塔尤的作品总是在现场构思而成，与此时此地紧密联系。每一个新的展览项目都被他视为对生命的一种庆祝，也是与一切事物之间的关联体验，即是有关地域、人、文化、历史，以及构成这个世界的材料与物体。

▲ 帕斯卡尔·马尔蒂那·塔尤（Pascale Marthine Tayou）《粉笔》Chalks, 2022, 粉笔, 220 x 180 厘米/86.61 x 70.86 英寸, ©️艺术家与常青画廊

希思黎 · 哈发（Sislej Xhafa） 将艺术与空间体验相结合，特定地点的能量在面对他的作品时被激活。他通常脱离其原始背景、地点和时间，并将材料、意义和形式并置，以便在不引人注目的情况下创造视觉力量。哈发认为身份会不断变化——因此，移动和迁移对于价值体系的形成至关重要。他的作品展示了这种身份建构的运动。它们代表了一种转变，其意义是物理位置的变化，但也象征性地表现为意义、情感和思想的转变。他的作品在广泛的媒介中得以体现，从雕塑和绘画到表演和摄影。希思黎·哈发通过其作品与社会或历史叙事的复杂关系，摆脱了明确的标签和分类，流离失所和我们周围环境不断变化的社会习俗是他艺术实践中的两个重要主题。