OCAT B10新馆 | 向京：塑造公共生活、大众思维的作品都可以被称为“雕塑”

《尽头》，向京，玻璃钢着色，玻璃钢着色雕塑、墙、球面镜、凸面镜，雕塑每件171×68×55 cm，2000 - 2022年

《尽头》属于艺术家创作的“镜像”系列，也是这个系列中含义最具开放性的一件作品。“镜像”这个主题起源于艺术家对镜子中的事物与真实事物之间关系的兴趣：一方面，镜子折射出的事物形态并不是真实事物本身；另一方面，人们观察镜中事物的视角也包含着自我关照。无论是观看自身，还是观看他人，以及观看“观看”，这件作品敞开了观看的主体，拥有不同的观看情境。1999年，艺术家向京的作品《窥》应邀参加由何香凝美术馆主办的“第二届深圳雕塑艺术年度展”，本次展览重构式呈现了与《窥》作品观念一致的作品《尽头》。

OCAT深圳馆：OCAT双年展这个品牌项目已经拥有20多年的发展历史，从1998年由华侨城集团支持、何香凝美术馆主办的“第一届当代雕塑艺术年度展”发展而来，一直到2021年的OCAT双年展，这个品牌项目总共举办九届展览，一直以开放的雕塑概念，推动当代艺术的公共性问题的实践与探索，同时推动当代艺术与公共环境、公共社区的交流对话。

作为曾经参与该项目的艺术家，您是如何理解“雕塑”这个概念的？能否谈谈您参加该项目的情况，当时创作的作品，以及对您来说印象深刻的记忆和故事。

向京：有幸参加了首两届“当代雕塑艺术年度展”，亲历了这类由地产带动周边文化项目以及社区文化生活、生态的模式在中国逐步展开，且在过程中发展为各样的形式。反观OCAT探索的模式，则充满了理想主义色彩。雕塑自带公共属性，在历史上能找到多种例子，为权力所用，成为公共教育、意识形态输出的重要工具，出现在公共生活的空间等。而自现代艺术至当代艺术时代，个体表达成为艺术的重要诉求，介质边界模糊，让雕塑不再固化为有限材质、形态的艺术。只要具备作者属性、公共发言属性，无论是否具备传统“雕塑”的外衣，对于塑造公共生活、大众思维的作品，都可以被称为“雕塑”。虽然这对“雕塑”本身的定义产生了非常大的困扰，但对艺术介入社会是有进步意义的。这也是为什么“当代雕塑艺术年度展”到第三届时，已经将各类装置艺术都包揽了进来，构成更具表达力、公共性、社会实践属性的艺术输出。

创作中的向京

我本人是坚持个体创作，没花太多时间思考公共作品的创作者。参加华侨城集团支持的“第一届当代雕塑艺术年度展”的《空房间》是我职业生涯里做的第一件大尺寸作品，不过是把一件架上小雕塑放大，也是第一次尝试在真人大小的雕塑上画上颜色，让她更接近真实的人物。这也是表达青春期女孩子在私密空间中自我遐想状态的一件作品，私人性非常强。当时对作品摆放在公共空间，和大众发生关系，还没有太多经验。布展时，听说搬运工人搬到这件作品的时候，终于有了一丝兴奋，因为这是当时唯一一件对老百姓来说，能看出具体人形的作品。

我第一次体会到这样的作品放置在公共空间，私密气质被瞬间刺破的那种冒犯感，含义被无法预估地随意解释，因而消解了所有你试图放置的意义，当然，意想不到的张力也由此产生。包括后续论坛的设置，也让我受到了作品脱离了我的“抚育”，自身具备的生长性，以及抽向作者的鞭子。

《窥》曾参展“平衡的生存：生态城市的未来方案——第二届当代雕塑艺术年度展”（1999年10月16日—2000年10月16日）

OCAT深圳馆：您的参展作品，从最初的想法到最后的呈现，因展览及场域的变化而产生了哪些有意思的变化？

向京：1999年“第二届当代雕塑艺术年度展”的规模比第一届一下子扩大了许多，参展艺术家们不再只来自我所熟悉的学院系统，注入了不同面相、不同背景的创作者，以及国际艺术家。

我的作品也由原本的青春期题材，迈入对公共性、开放性的探讨。这一届的参展作品叫《窥》，讨论何为“观看”。恰逢从北京移居上海，两种城市体验的交融，让我想到用两种不同的材料做了相同模样的女人。她们手拢面庞，相向而望，仿佛要从另一张脸庞里窥视出什么。原本的计划中，我希望借当地的某种材料，或者就地栽培一棵爬藤植物，沿着麻质的那件作品攀爬，至一年展览结束，经历四季，生长出另外一种形态，去雕塑化。而另外一件作品是镜面材质，恰可以作为对“观看”的隐喻，映照出内与外的整个变化过程。

《窥》的制作过程

最后，由于自己经验不足，沟通不畅等原因，未能完整实现这个复杂的想法，只是呈现了作为“雕塑”的作品。一年之后，由于材质缺陷，雕塑因风吹日晒而变形损毁，最终回收到深圳某垃圾场，完成了它的生命周期。

这场展览让我理解了阔大的公共空间并不适于承载过于细腻的含义，探讨“观看”的作品，在“被观看”的过程中，语义发生了很大的扭转，凸显了我的作品过于闭合的逻辑轨道。我以为的开放性在真实的公共空间中微小发声，淹没于我经营的观看和含义闭环里了。

《尽头》，向京，玻璃钢着色，玻璃钢着色雕塑、墙、球面镜、凸面镜，雕塑每件171×68×55 cm，2000 - 2022年

OCAT深圳馆：从最初的“当代雕塑艺术年度展”，到“深圳当代雕塑艺术展”和“深圳国际当代雕塑展”，再到“深圳雕塑双年展”，直至OCAT双年展，这个品牌项目推动雕塑的公共性、公共艺术与城市、社区和生态的关系等方面的探讨和实践，请谈谈您对该项目的理解以及对于当代艺术的公共性/公共艺术的理解，您的作品是否在当时引起了令您印象深刻的参与和对话？

向京：因衷于自己的成长路径，暴露出的局限性和展览需要的开放视野有一定的相背之处，所以基本未参与后续的“OCAT双年展”。一方面，我热切建构、实践自己的艺术理念，向内生长；另一方面，则关注到OCAT的成立，理念的不断拓展，在不同的城市发掘命题、探讨时代风向、艺术社区的模式、艺术对于城市的作用等，这些不断向外的开拓。和OCAT学术创始人黄专老师的私人友情让我能更深入地理解OCAT之于全国当代艺术生态、艺术实践的价值，让我随时随地能投身这个先驱机构的任何活动，不只是“OCAT双年展”。更看到最终由OCAT的工作，影响辐射到一个个富有生气的商业社区的建设过程。OCAT在上海做的“上海浦江华侨城十年公共艺术计划”系列个展，基本都是策展人和艺术家共同讨论、历经一年左右的时间落地的，包含了个人创作、公共命题、学术深化几个层面，每一个案例都令人印象深刻，也积累了许多有价值的文献。在当代艺术领域，OCAT的艺术实践在改革开放的黄金十年具有非凡的意义，业界不断把它当作做研究的范本，也会让我们更多思考“何为艺术、何为艺术实践“这类基础命题，不断反思自己工作中的惯性。

《尽头》，向京，玻璃钢着色，玻璃钢着色雕塑、墙、球面镜、凸面镜，雕塑每件171×68×55 cm，2000 - 2022年

OCAT深圳馆：请谈谈您对OCAT双年展这个品牌项目发展历史的整体印象和看法，以及您的建议和期待。

向京：纵观当代艺术四十余年的历史，充满实践精神，以及对艺术制度的挑战。华侨城作为一个央企背景、以商业房地产为主营产业之一的集团，能在当代艺术的历史进程里成为一个富有勇气的实验者和特殊案例，不得不提到OCAT学术创始人黄专老师，以及华侨城的任克雷先生。任先生作为南方改革开放的先驱人物任仲夷之子，对文化事业有足够的信任和尊敬。学术建设一向是当代艺术的硬伤，黄专老师是艺术圈鲜少具备学术理想的才子，遇到华侨城项目，能以公共项目做“外衣”，学术建设为核心价值，可谓是遇到学术实践的好机缘。

《尽头》，向京，玻璃钢着色，玻璃钢着色雕塑、墙、球面镜、凸面镜，雕塑每件171×68×55 cm，2000 - 2022年

我们早年间参与华侨城项目的时候，对于历史叙事没有太多意识。目睹了行业的成长和泥沙俱下的生态，亲历了OCAT的创立和OCAT美术馆群的发展，终于意识到黄专老师留下的文化遗产之弥足珍贵与不可复制，这里面有华侨城领导的眼光与胸怀，更有黄老师的坚持与无私。从1998年“第一届当代雕塑艺术年度展”到如今，很多年里，我去深圳只认识华侨城，这里能聚集中国最好的艺术家群体，做最好的展览，是个令人十分尊重的企业。OCAT如同艺术家的老友，在黄老师故去之后，栾倩、方立华和新任馆长方谊翎这些同行还在守持OCAT的文化遗产不断耕耘，而时代发生着如此剧烈的变化，依然朴素的OCAT周边已经建起了一个繁华热闹的社区，理想主义色彩的场域稀薄了，但夹在时尚商圈中间的场地我们无比熟悉，开幕式还在进行，已经感受到了商业的挤压，令人无比唏嘘。

作为和OCAT共同成长的人，当然希望OCAT能坚持初心，持续做下去，也因为尊重历史而成为历史本身。

“参与的雕塑——OCAT双年展记忆片段“展览现场

OCAT深圳馆：OCAT经历17年发展，见证了中国当代艺术的许多重要节点和时刻。请谈一谈您和OCAT结缘、合作及互动的故事，有哪些令您难忘的经历？

向京：前面已经回答了很多。作为黄专老师的朋友，我们经常回忆起他，也回忆起在OCAT做过的项目，度过的欢乐时光，这一部分属于非常私人的感情。

另一个角度，时间教会我们看待记忆和历史，一个房地产集团如何撑起当代艺术的一块重要学术阵地？透过不断的社会实践去介入现实、讨论现实、讨论现实问题，见证艺术对于公共生活的影响力量，同时也见证这样的力量如何逐步弱化。因为华侨城集团的支持，OCAT的坚持，因为有更多人的参与，让这里一直是一个罕见的不计较经济回报的，依然能够做大型展览，持续释放学术思辨能量的地方。其实，单是持续二十余年的充满理想的耕耘就足以令人心生敬畏。

近几年，我们经历了太多“为了告别的纪念“，借对OCAT前世今生的回望，对国家改革开放时代的回顾，祝福艺术之光依然照耀。