上海西岸艺术与设计博览会 | 维伍德画廊 | A211 | 11.10 - 11.13
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West Bund Art & Design Fair
西岸艺术与设计博览会
维伍德画廊荣幸回归2022年上海西岸艺术与设计博览会。今年的展位将展示一系列战后和当代艺术家的精选作品，他们对虚空的概念、创作的物理行为以及时空的体验有着相似的探索。画廊专注于东西方的艺术和文化的交融，展出的艺术家包括林岚、博斯克·索迪（Bosco Sodi）、前川强、名坂有子、今井祝雄、丁昌燮、米歇尔·墨菲（Michel Mouffe）、奥拓·伯尔（Otto Boll）和雷纳托·尼科洛迪（Renato Nicolodi）。雷纳托·尼科洛迪（Renato Nicolodi）
雷纳托·尼科洛迪，《华盖》，2021，木板面丙烯、橡木框，196 x 196 厘米雷纳托·尼科洛迪（1980年生于布鲁塞尔）希望通过他的雕塑及绘画作品唤起一种普世的神性。他在作品中勾勒通往密闭通道的走廊和阶梯，通过光影的运用引导观赏者的视线停留在结构深不可见的内部空间里。作品的核心是某种“虚空”，他在作品中化用来自旧时代和过往文化的建筑原型，将其剥离原有的功能、装饰与教条。他创作的纪念碑、遗迹和神龛同时保有了原创者和观众的记忆与感受。如今的社会以超高的速度运转，一切都遭到质疑：科学，技术，自然，文化，甚至人类在社会中的位置。他的雕塑和绘画对于这个时代的人而言，无疑是一种精神灯塔，是邀请观众进行深思和反省的视觉之锚，是他们通往自我心灵空间的入口。
前川强，《无题（160139）》，1977，棉布面丙烯，92 x 183厘米第二代具体派艺术家前川强（1936年生于大阪）的艺术实践横跨数十年。在50年代早期，他开始在艺术创作中使用粗麻袋，而这也成为了他标志性的创作材料。早在1959年，他的作品便得到了具体协会创始人吉原治良的赏识，并随后于1962年正式加入协会。前川敏锐地意识到当时绘画所面临的创造性问题，他进一步将媒介的范围从二维扩展至三维空间，表现出画布的原始力量。
在具体派结束后的70年代，前川强逐渐不断研究麻布那种原始、谦卑的质地，并开始将布料作为他的唯一材料。以本次展出的1977年作品为例，它们变得更安静，更有结构性。艺术家也开始使用精细的麻布或棉布，在上面用缝纫机勾勒精致的图案。当时他的目标是“使用最少或不使用颜料的情况下，你又能表达出什么并且到达什么程度？”在某种程度上，这些作品与卢西奥·丰塔纳（Lucio Fontana）的空间概念产生了共鸣。
博斯克·索迪，《无题》，2019，布面混合媒体，120 x 80厘米博斯克·索迪（1970年生于墨西哥城）以其质感丰富、顏色生动的画作闻名。他的视觉语言超越了任何观念上的障碍。他的绘画或是他自己所称的雕塑物件正是由大地而来——作品的紧密物质性源於未经处理的单色顏料与木糠、纸浆、天然纤维和胶水的混合。艺术家在画布上一层层地涂抹，然后任材料自然风乾、开裂和升华。索迪常说，他的作品一半有艺术家创作，另一半则是自然的力量。索迪的作品深受侘寂美学的影响，即美孕育在残缺、无常与质朴中。本次展出的绿松色作品是索迪尤其收到中国绘画《千里江山图》中色彩的启发而于2019年在香港画廊驻场创作时完成的。索迪的作品就像地球母亲，饱含力量，且极富感染力。他的艺术实践专注于对材料的探索、创造性姿态，以及艺术家和其作品之间的精神联结，力求突破人们的观念壁垒。索迪的很多画作都没有名字，意欲剥离超越作品当前存在的任何倾向或联系。 他的作品本身成为了一种记忆，一种遗迹，象征着艺术家与原材料的对话。
林岚，《一段善水 V 》，2018，不锈钢，156 x 156 x 5厘米
近期刚刚于香港画廊开幕全新个展的林岚是一位香港的艺术家，擅长大型、特定场地和混合媒体作品，经常利用回收材料，如板条箱木头、旧家具、废弃的金属和雨伞织物。她的作品经常探讨与本地文化、历史、社会和时事有关的问题，其中一些主题包括公共艺术、城市中手工艺的丧失，以及艺术制作周期的再生。她通过她的非叙事性和对话性的装置作品来投射香港人的观点和想法。在过去的十年里，水一直是林岚的艺术实践中重要的主题，它代表着城市的连续性，以及一种富有韧性和灵活的质感。《一段善水V》是一件抛光镜面雕塑，让人联想到海洋的起伏。其由不锈钢制成，就像在光影游戏中铺展开来的海浪。
今井祝雄，《记忆之影 – 雕像》，未注明日期，棉布面丙烯、模具，33.2 x 24.4厘米
今井祝雄早期以其巨大、白色的立体绘画而闻名，此外他也是日本具体艺术协会（Gutai Art Association）最年轻的成员——1965年，年仅17岁的今井祝雄以高中生身份加入了具体派。在他至今长达60年的艺术之旅中，今井祝雄聚焦于媒介和时间的物质性，并通过跨领域的实践来捕捉和呈现。无论是绘画、声音、实验电影还是摄影，他的创作植根于具体派时期的信念和实验。最终，他的作品强调了“体验”时间的重要性，并挑战了媒介、材料和人类互动的可能性。
展位上的浮雕绘画系列《记忆之影》创作于2008-2009年间，继续发展了艺术家在具体派时期的理念。取代了以前的几何图形，今井祝雄开始将日常用品的塑料模具(如纪念品雕像）放在白色帆布下。我们在生活中对这些物件太过熟悉从而往往忽略了它们，但物体的存在通过浮现在画布上的轮廓再次展现。今井祝雄的艺术实践总是将画布推向极限，同时在媒介的物质性上进行超越边界的尝试。
米歇尔·墨菲，《（雾系列）火与雾》，2020，棉布面两层丙烯，56 x 91.5厘米米歇尔·墨菲（1957年生于布鲁塞尔）通过挑战绘画艺术的极限，探究其根本。他的作品由薄薄的颜料和釉彩层叠而成，半透明的层次彼此笼罩。此外，他摒弃了平整的画作表面，从画布的背后顶起细微的结构，或是对作品进行弯曲，创造出柔软波浪状的浮雕效果，让作品介于绘画和雕塑之间。由于其空间感和对画布二维性的突破，他的作品让观众体会到空间关系。线条与色彩之争被搁置，这两个元素得以相辅相成。
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奥托·伯尔，《无题》，2020，钢，版数：3/6，32 x 30 x 25厘米奥托·伯尔使用明确的、极简的感性手法进行创作。他作品中的钢以极简的造型切割空间。它们的结构宛若画在空气里的线条，在空间和区域里浮动、寄居。作品选用的3毫米钢条的两端被打磨至极度尖锐，两个尖端边缘完全消失，籍此艺术家成功地利用视觉表达传递出不稳定与紧张感，似在边缘徘徊，作品于在场与缺席之间、可见与不可见之间摇摆，暗示着存在和虚无的双重性，从而动摇观者对静态存在的认知。
名坂有子，《无题》，1984，木板和玻璃面石膏、油彩，45 x 45厘米名坂有子（1938年生于大坂）是日本具体艺术协会中为数不多的女性艺术家之一。她于1963年加入具体艺术协会，并随后成为具体派第二代成员中的重要人物。名坂有子使用色泽明亮的车用亮面漆进行创作，展现出精湛的技艺和前沿的工业材料——这二者正是具体派的标志。本次展位上的两件作品均为名坂有子1964-1965年的历史杰作。日本在1947年民主化进程中，新宪法赋予妇女平等的权利。到50年代中期，女性艺术家在前卫艺术运动中脱颖而出，成为战后解放的象徵。但是人们对女性工作仍持有刻板印象，认为她们从事的工作性质上是「不需受过教育」和「出于本能反应」的。妇女获得体制的认可，在男性主导的文化中却依然受到传统的质疑。然而名坂有子迅速找到美学和合成材料的新艺术语言，摆脱老派「女性化艺术表现」的先入之见。她以工业技术、模组化结构和未来派色彩开辟出极具个人特色的原创作品。艺术家运用给汽车喷漆的空气喷枪在方形的木板上封以一层薄薄的胶水、石膏和粘土的混合物后，再将木板放置于自制的机械转盘上。木板旋转的时候，她使用调色刀在其上刻出图案，这一手法被她类比为同样在转盘上完成的陶艺创作。鲜艳色彩、光亮表面和滑顺质感，这些元素指向了当时高度机械化社会所带来的新感觉和魅力。
丁昌燮，《默考No.23306 》，2003，棉布面韩纸，60.6 x 72.7厘米丁昌燮（1927-2011）是韩国单色画艺术运动的重要成员之一。在学习和实践西方抽象艺术，尤其是无形式艺术二十年后，他开始尝试着眼于韩国本土手工制作的材料——韩纸。本次展出的这件作品来自于艺术家艺术生涯中最后的一个系列《默考》，这是艺术家四十年来对楮（tak）这种材料探索的顶峰——楮是制作韩纸的原料，是一种由韩国本土桑树的内部树皮制成的天然材料。在这个系列中，丁昌燮引入了其他的天然颜料，大多是烟叶和木炭，细微的褪色混入纸桑树纤维的淡黄色。这是丁昌燮在他的艺术实践中寻求的创造形式，他试图把呼吸、气味和灵魂注入创作过程中，「从而成为过程本身的一部分，与纸成为一体」，丁昌燮如此形容与桑树纤维的对话，寻找他脑海中的构图与材料的自然反应之间的平衡。受东方唯心论的启发，丁昌燮追求一种自我消失的超越性状态，这源于「合一」的思想。Lewis Biggs在艺术家1992年泰特利物浦美术馆的展览中写道：「这些不是图像，而是以无形的方式对生活体验的比喻和再创造。是纸，而不是艺术家在对我们说话。」雷纳托·尼科洛迪 | Renato Nicolodi
维伍德画廊于2011年由鲍尔斯·维伍德（Boris Vervoordt）创立。秉承维伍德公司创始人阿塞尔·维伍德（Axel Vervoordt）对「虚无」（void）概念的追求，画廊的早期展览聚焦于欧洲、日本及韩国的战后及当代艺术，尤其注重零派和具体派艺术家。随着画廊参展国际艺博会和美术馆机构展，画廊的艺术家阵容不断拓展，至今已代理了超过30位国际顶尖艺术家及艺术家遗产。此外，画廊亦涉足古董、设计及建筑领域，延续着创始人阿塞尔五十年来的美学理念。
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