丹尼尔·戈登 Daniel Gordon｜摄影切割术
艺术家丹尼尔·戈登（Daniel Gordon）1980年出生于波士顿，在巴德学院学习摄影，又取得了耶鲁大学艺术硕士学位。从早期开始，他的作品就备受策展人和收藏家的青睐，被许多重要展览收录。
丹尼尔的作品色彩浓烈，充满活力。他搜寻网络图片并打印出来，从马蒂斯的画作和经典肖像中汲取灵感，在工作室内拼贴成三维雕塑，再用相机将其拍摄下来变成二维图像，最终以超大尺幅呈现。他的作品拓展了肖像摄影和静物摄影的多样性，并混合多种视觉冲击力媒介，但始终致力于探讨摄影的本质。
Fern and Fruit, 2021 ©Daniel Gordon
No Title #5, 2003 ©Daniel Gordon
游戏并非无中生有，他显然借鉴了法国艺术家伊夫·克莱因（Yves Klein）的造型，据说他唯一收藏的真迹就是克莱因的画作。但克莱因的飞跃照片是两张合成的，丹尼尔则偏偏要直接拍出不可能的照片，要在PS被引入主流的时代里，偏执地追求图片的「真」。
Poppies and Avocado, 2021 ©Daniel Gordon
尽管他后来的肖像系列和静物系列作品在外观上变得相当炫目，但依然延续着对摄影最初的好奇，那就是透过镜头，将平凡的时刻变得非凡。这种魔法的发生需要不同元素复杂组合：
戴安·阿勃丝、李·弗里德兰德这些老派摄影师在街头创造魔法，而我在工作室里造景，但是我对他们感兴趣的事物同样好奇，就是以摄影的方式改变空间与时间，创造出一些与现实不同的真实，就像最初的飞行照片，看似实现了人类梦想，其实我只是个穿着秋衣秋裤不停跳跃的白痴。
House Plant with Apples and Banana, 2022 ©Daniel Gordon丹尼尔的「游戏」不断升级，愈发丰富。他发现，随着技术的进步，大量图片储存在网络和智能手机上，虚拟世界里藏着图像的海洋，而图像后期处理软件和喷墨打印等硬件的技术发展，又大大改变了照片的物理外观。「这令我非常兴奋，技术的进步使摄影、绘画和雕塑之间的边界变得模糊而有趣，我的创作就是在此基础上展开的。」
Silver Fern and Pomegranate, 2022 ©Daniel Gordon丹尼尔从网络上搜索、购买现成的图片，按它们在现实世界中的比例缩放并打印出来，以泡沫芯做骨架，将打印后的素材照片贴在上面，从而构建出三维的静物场景或者人物肖像，对其进行布光，用大画幅相机拍摄下来，再次转印在巨幅画布上展出。
Begonia Leaves and Seashells, 2021 ©Daniel Gordon从图像到雕塑，然后回到平面，二维和三维之间的转化激发了丹尼尔的兴趣，经过数次变身，最终的成品具备了绘画的特质。他的这些拼贴作品也被评论界认为拥有马蒂斯的色彩和毕加索的构图。
丹尼尔从不避讳灵感来源，他认为马蒂斯时代的绘画技法是现代Photoshop软件的物理版本，那种将前景和背景融合，从多角度观看的方式完全可以移植到当代摄影中。还有野兽派的色彩和情绪也可以以摄影的方式最终呈现。
Pink Roses with Apples and Pear, 2021 ©Daniel Gordon2013年的系列作品「绿线（The Green Line）」意在向马斯蒂1905年为妻子所画的肖像致敬，其中一张作品叫作《绿色条纹》，因为光线在女士的脸庞中间留下一道深色阴影。作品中，丹尼尔不只强调绿色，而是如绘画般大胆运用各种鲜艳色彩。他的构思和制作十分复杂，又层次分明，不同饱和度的橙色层层递进，展示出女性面部骨骼的起伏，一道绿色阴影如同乐曲的休止符，戛然而止，营造出某种诡异氛围。还有暗示女性迷人特征的金色头发、嘴唇、耳朵、碧蓝的眼睛，这一切都是为相机之眼精心制作，为了最终按动快门的一刻。深浅不一的颜色、纸张撕裂留下的白色边缘，以及胶水黏合的痕迹，也是故意为之，在摄影灯和大画幅相机的再现下，「丑陋」的瑕疵变得有意义，成为组成照片魔法的重要元素。
Blue Poppies, 2021 ©Daniel Gordon丹尼尔的确是融合大师，不仅融合各种技法和艺术形式，也将自己的人生经历融合进去。父母都是医生，他从小就熟悉外科手术场景，工作室内的造景如同一场纸上外科手术；在一所试验性高中就读，格式塔理论成为他情感教育的启蒙；在耶鲁大学受到格利高里·克鲁德逊（Gregory Crewdson）和保罗·格雷厄姆（Paul Graham）这些当代摄影大师的影响，克鲁德逊也是造景，以电影的布景方式拍摄单幅照片，格雷厄姆则擅长营造微妙的影像叙事性，丹尼尔两者皆有，以自己的方式吸收导师们的教诲。他生在互联网并不发达的80年代，又看到古斯基这样极具艺术性和商业性的大师以超强后期技术独树一帜。林林总总，丹尼尔穿梭其间，感受摄影艺术的各种魅力，还组织出一场「乱」的盛宴。
White Ranunculus and Artichoke,2021,©Daniel Gordon比肖像更「乱」的是他的静物系列，盖蒂博物馆曾以「剪切！当代摄影的纸上游戏」为标题展出丹尼尔的作品。在一幅名为《牡蛎和鱼》的静物中，深蓝的冷色调里调和了砖红色的暖，1.2m×1m的尺幅，真如一幅色彩浓郁的静物画，主题也相当古典。古旧的黏土容器旁边散落着腐烂的水果、鱼和牡蛎，它们离开了水，仿佛被加勒比海炙热的阳光晒得没了生气，但花盆里的热带植物却颇为坚强，甚至开出了粉嫩的小花儿。原始的拼贴素材显然被摄影后期软件处理过，刻意留下的像素化缺陷，以及打印机产生的线条纹理，强光下物体的硬质阴影是人为做出来的，刀刻般印在背景上创造出三维深度。丹尼尔的每一个排列组合的动作都给观众留下线索，有迹可循，但当其被相机重新拍摄之后，一切又都变得合理。这些生硬、断裂的边缘在画布上变得欢快而富有节奏，传递情绪。
Jade and Fruits,2021,©Daniel Gordon从最早的作品飞行系列起，丹尼尔一直用胶片拍摄，并且拒绝使用任何后期。在拍摄的前期，他极尽「造假」的功夫，在工作室内精心布置，大费周章，甚至可以将其看成是一场融合了多种媒介的行为艺术，但是一旦画面被相机定格，就不做任何干预，这是反图像处理的态度。更重要的是，在超现实的外观下，丹尼尔一直执着思考的是摄影这种媒介的本质，即如何创造超越真实的最直接的影像。2020年，由于疫情无法冲洗胶片，丹尼尔改用数码相机创作了一些小幅作品，拍摄主体依然是静物，只是色彩淡了许多，主题也更加日常，不变的技法，透露着艺术家心境的微妙改变。
关于艺术家
丹尼尔·戈顿（b. 1980）在巴德学院（Bard College）获学士学位后，在耶鲁大学艺术学院（Yale School of Art）获得艺术硕士MFA，现生活工作于纽约布鲁克林。戈顿近期的个人展览包括纽约James Fuentes画廊的「Night Pictures」、「Blue Room」及「New Canvas」，休士顿摄影中心（Houston Center for Photography）的「Hue and Saturate」，洛杉矶M+B画廊的「Selective Color」，瑞士苏黎世Bolte Lang画廊的「Hand, Select & Invert Layer」，荷兰阿姆斯特丹摄影博物馆（Foam Museum）的「Shadows, Patterns, Pears」，以及纽约Wallspace画廊的「Screen Selections and Still Lifes」。他曾参与的重要机构展览包括洛杉矶盖蒂博物馆（J. Paul Getty Museum）的「Cut! Paper Play in Contemporary Photography」，旧金山Pier 24摄影博物馆的「Secondhand」，纽约MoMA PS1的「Great New York, 2010」，以及纽约现代艺术博物馆（Museum of Modern Art）的「New Photography Series」。
戈顿的作品在全球重要公共机构的收藏包括纽约现代艺术博物馆、纽约古根海姆博物馆、旧金山Pier 24摄影博物馆、阿姆斯特丹Foam摄影博物馆、荷兰利瑟的VandenBroek基金会。艺术家曾出版的摄影书包括《Houseplants》(Aperture 2019)，《Spaces, Faces, Tables and Legs》(OSP, 2018)，《Intermissions》(OSP, 2017)，《Still Life with Onions and Mackerel》(OSP, 2014)，《Still Lifes, Portraits, and Parts》(Mörel, 2013)，《Flowers and Shadows》(Onestar Press, 2011)，以及《Flying Pictures》(powerHouse Books, 2009)。
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