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Thaddaeus Ropac画廊参展2023年新加坡ART SG | 展位 BF03

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Thaddaeus Ropac画廊参展2023年新加坡ART SG | 展位 BF03 崇真艺客


Thaddaeus Ropac画廊参展2023年新加坡ART SG | 展位 BF03 崇真艺客

ART SG

新加坡滨海湾金沙会展中心


展位 BF03

2023年1月12日—15日



参展艺术家


米格尔·巴塞洛 Miquel Barceló

阿尔瓦罗·巴林顿 Alvaro Barrington

乔治·巴塞利兹 Georg Baselitz

奥利弗·比尔 Oliver Beer

李昢 Lee Bul

朱尔·德·巴兰库尔 Jules de Balincourt

曼迪·埃尔-萨耶 Mandy El-Sayegh

唐纳德·贾德 Donald Judd

玛莎·琼沃斯 Martha Jungwirth

亚历克斯·卡茨 Alex Katz

罗伯特·隆戈 Robert Longo

严培明 Yan Pei-Ming

罗伯特·劳森伯格 Robert Rauschenberg

汤姆·萨克斯 Tom Sachs

大卫·萨利 David Salle

肖恩·斯库利 Sean Scully




精选作品



玛莎·琼沃斯

Martha Jungwirth


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《无题》, 来自“女巫的飞行”系列, 2022年

油彩、纸本、画布
184 x 68.5 厘米 (72.44 x 26.97 英寸)



玛莎·琼沃斯(Martha Jungwirth)的“女巫的飞行”(Hexenflug)系列以西班牙艺术家弗朗西斯科·戈雅(Francisco Goya,1746-1828年)的画作《女巫的飞行》(Vuelo de brujas,约1798年)命名。作为与巫术有关的六幅作品之一,戈雅的画作描绘了一群正在腾飞的女巫,她们似乎要吞噬身处她们中间的人物,让旁观者感到恐惧。从当代的角度来看,巫术——传统上被视为一种邪恶和非自然的力量——暗指几个世纪以来女性权力被认为是对男性的威胁。琼沃斯在她的抽象化、修长的女性身影中间接地引用这幅历史画,她戴着尖尖的帽子,身着马裤,画面充斥着明亮的色调,对应着戈雅的女巫所穿的柔和的粉色、绿色和金色服装。




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《无题》, 2022年

油彩、纸本(绘画背面)

62 x 47.2 厘米 (24.41 x 18.58 英寸)



玛莎·琼沃斯的创作过程遵循身体的节奏,手指印、斑点和划痕是她在作品中留下的本能记录。她舒展的绘画传达了一种明显的自我意识,正如她所描述的,“我的艺术就像一本日记,如地震仪一般运作。这是我的工作方法。我和我自己完全相关。”在《无题》(Ohne Titel,2022)中,琼沃斯作品特有的鲜艳粉红、红色和黑色颜料密集地聚集在画作的中心,见证着她创作过程的物理强度。人物的雏形逐渐在充满表现力的颜料中显现,但又总是难以清晰识别,存在于真实和想象、体现和超验之间。周围的棕色纸本区域赤裸地暴露出来,这些未被触及的广阔区域,在构图中起着至关重要的作用,以一种微妙的感性和克制平衡着整体构图。



阿尔瓦罗·巴林顿

Alvaro Barrington


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《混凝土中的玫瑰,两朵黄玫瑰,新加坡,2022 》, 2022年

胡桃木框架、混凝土、丙烯酸、纸板,55 千克

带框 249 x 189 厘米 (98 x 74.4 英寸)



阿尔瓦罗·巴林顿(Alvaro Barrington)的新作歌颂了音乐在其创作中的核心地位——这是他作品的持续灵感来源。巴林顿将这些作品描述为他不断追求“将我喜爱的音乐变成实物”的结果。作品的标题参考了图派克·夏库尔(Tupac Shakur)的自传诗 《从混凝土中长出的玫瑰》(The Rose That Grew From Concrete),它探讨生命在恶劣环境中产生美丽和脆弱性的潜力。巴林顿解释道,他追求的精神是“即使在最艰难的条件下,人保有美丽、脆弱和坚韧的特质——这正是你能在玫瑰中看到的品质。”他对材料的使用——例如这幅作品中使用的混凝土和纸板——直接参考了他所成长的城市的景观。正如巴林顿所叙述,“混凝土承载着童年的记忆,当街上在铺设人行道时,我们小孩子会把脚放进去,或者到处画画,那是我们最初开始绘画的场所之一。”



乔治·巴塞利兹

Georg Baselitz


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《迭戈的脚》, 2020年

火镀铜, 27.5 千克
166.5 x 65 x 2.5 厘米 (65.55 x 25.59 英寸) 

Ed. 1 of 9



乔治·巴塞利兹(Georg Baselitz)的《迭戈的脚》(Diegos Bein,2020年)来自艺术家近期的镀铜腿脚系列,作品名向他崇敬的艺术家迭戈·贾科梅蒂(Diego Giacometti)致敬。从巴塞利兹最早的一组作品《P.D.的脚》(P.D.Füße,1960-63年)开始,脚一直是巴塞利兹持续探索的主题之一。这些对受损、截断的脚的描绘背离公认的美学概念,同时也反映巴塞利兹在战后德国的个人经历。他认为,它们是“被创造出来的脚”,他最初决定关注这个身体部位是想“选择令人不快的东西”。不过在作品《迭戈的脚》中,拉长的浮雕营造出别样的优雅,与他早期系列中肮脏、损坏、“令人不快”的描绘相去甚远。支离破碎的脚远离了它的肉体组织,获得更充分的审美和形式自主权,但仍触及大地,深深扎根。




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《无题》, 2022年

红墨水、纸本
带框 93.5 x 76 厘米 (36.81 x 29.92 英寸)



乔治·巴塞利兹的妻子埃尔克(Elke)于1969年第一次成为他绘画的主角,其后一直是他创作生涯的重要主题。在这幅创作于2022年的肖像画中,埃尔克的身体以一种全无戒备的坦诚姿态绘于纸面,供人观察。多年来,他选择以同样熟悉的姿势反复描绘埃尔克——如同这幅作品所展现的,她坐在椅子上,以此象征一种不断加强的爱之宣言,也反映了他对生命的变化、衰老的不可避免和肖像画功能的思考。作品鲜艳的肉红色调受亨利·卢梭(Henri Rousseau)1895年的石版画《战争》(La Guerre)的启发,并突出了他所描绘的脆弱性和感性。在埃尔克的身上,巴塞利兹叠加了三条不连贯的长袜腿,这些实心元素与周围的线描身体形成对比,赋予作品拼贴般的效果,也拓宽了作品的深度,并向达达艺术家汉娜·霍克(Hannah Höch)致敬。由此,他创造了一个独特的宇宙,将拼贴的形式与水墨画的结构融为一体。



罗伯特·劳森伯格

Robert Rauschenberg


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《H2坐着的鸭子》, 1991年

变色剂、黄铜板

124 x 154.4 厘米 (48.82 x 60.79 英寸)



罗伯特·劳森伯格(Robert Rauschenberg)于1988年至1992年期间在佛罗里达州卡普提瓦岛创作的“北极光”(Borealis)被认为是他最具实验性和创新性的系列作品之一。在整个系列中,他使用了1984 - 1991年在“劳森伯格海外文化交流组织”(ROCI)旅行期间拍摄的照片,他将这些照片用丝网印刷在黄铜、铜和青铜板上,之后加入变色剂,令照片在金属表面产生化学反应,从而改变图案的视觉观感。该系列的标题暗指极光(或北极光),它出现在地磁极附近的高纬度地区,是夜空中发光的弧线、条纹和色幕的扩散性光芒。劳森伯格在瑞典旅行时首次目睹了这一现象,之后谈及“北极光”系列时说:“我认为这个词应该成为这些关于侵蚀的作品之标题。”


为了创作《H2坐着的鸭子》(H2 Sitting Duck,1991),劳森伯格使用了两张ROCI旅行时拍摄的相片,分别为1987年在迈阿密拍摄的消防车和1989年在马来西亚拍摄的鸭子。他加入变色剂,使照片在黄铜板上产生新的视觉效果。蹒跚的鸭子在作品的顶部被复制了三次,其深色羽毛的色调亦被颠倒,在大面积变色剂所形成的大理石效果下,成为幽灵般的轮廓。作品标题中的“H2”取自消防车的侧面,水平的梯子形成一条轴线,引导人们的目光穿过作品。劳森伯格在他的作品中经常使用车辆的图像,其预示着前进与动力,让人想起未来主义者对速度和运动的关注。消防车冲向燃烧的建筑物的速度和鸭子的缓慢脚步形成具有讽刺意味的有趣对比。



亚历克斯·卡茨

Alex Katz


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《戴黑色帽子的薇薇安 1(微笑)》 , 2021年

油彩、亚麻画布

121.9 x 182.9 厘米 (48 x 72 英寸)



在《戴黑帽的薇薇安 1(微笑)》(Vivien with Black Cap 1 (Smile) ,2021)中,卡茨(Alex Katz)探讨人类面部表情的微妙之处,如向远处的凝视、头部的倾斜或微笑产生的皱纹。这一点通过肖像的特写和电影般的光线得到了加强,在这幅作品中,主角的脸几乎占满画面空间,她的黑发与淡绿色的背景形成强烈对比。尽管卡茨本人坚称他不属于任何流派,他的极简美学和平面化的绘画方式在许多方面都体现了波普艺术的风格。正如设计师卡尔文·克莱因(Calvin Klein)所描述的,“卡茨的肖像画充满强烈的色域和简洁的线条。尽管它们表面上很简单,却极具表现力,完美地捕捉所描绘对象的本质。”



唐纳德·贾德

Donald Judd


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《无题(89-18 拉斯科)》, 1989

喷漆、铝
30 x 90 x 30 厘米 (11.81 x 35.43 x 11.81 英寸)



唐纳德·贾德(Donald Judd)的作品以复杂的空间衔接和严格的色彩实验为特点。正如艺术家所说,“材料、空间和色彩是视觉艺术的主要方面。观众都擅于观察作品的材料[...],却没有人关注空间和色彩。”《无题(89-18拉斯科)》(Untitled (89-18 Lascaux) ,1989)是贾德作品充满丰富色彩的典范,该系列作品创作于他生命的最后十年。贾德在1984年发现了一种工业工艺,使他能够在弯曲的铝薄板上涂上珐琅,进而从根本上改变作品的色彩。简洁的几何形状则使贾德选择的颜色——纯粹、未混合、来自劳尔色卡(RAL)的标准颜色得以明确地呈现出来。



罗伯特·隆戈

Robert Longo


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《苏拉吉〈绘画,195 x 130 厘米, 1953年5月〉习作》, 2022年

墨水、炭笔、牛皮纸
117.8 x 87.6 厘米 (46.38 x 34.49 英寸)



罗伯特·隆戈(Robert Longo)在最近的系列作品中,用其标志性的媒介——炭笔重现二战后活跃于欧洲的艺术家的绘画。他对法国艺术家皮埃尔·苏拉吉(Pierre Soulages)的画作的重绘,体现隆戈对欧洲不定形艺术(Art Informel)和美国行动绘画(Action Painting)的探索。他借助苏拉吉的作品,通过精细地重现每一个笔触和黑色颜料的立体感,重新发现单色媒介的潜力。正如隆戈所说,“创造一个笔触与绘画一个笔触之间,有巨大的区别。”这令他能够放慢图像创作和被消费的时间,正如卢浮宫策展人德方·雷奥尔(Dominique de Font-Réaulx)所描述的,由此实现“这些作品敏感和亲密的意义”。



汤姆·萨克斯

Tom Sachs


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《欢乐小镇》, 2021年

合成聚合物、Krink墨水、画布

182.88 x 152.4 厘米 (72 x 60 英寸)



《欢乐小镇》(Fun Town,2021)来自汤姆·萨克斯(Tom Sachs)的“火箭工厂绘画”系列,该系列均与“火箭工厂项目”(Rocket Factory project)有关,一个允许人们用三个品牌的虚拟组件部分组装自己的NFT火箭的“跨维度制造厂”。该系列的作品即是这些现有的NFT组件的代表,又是独立的艺术作品。图片右下方的“Frankenrocket”表明,火箭由不同品牌的组件组成——在这幅作品中,两个组件来自百威啤酒(Budweiser),第三个印有个护品牌“Trojan”的标志——与由相同品牌组件构成的“完美火箭”相反。“我们为火箭工厂选择的30个品牌都经过深思熟虑,”萨克斯解释道,“品牌形成了我们的归属感。我童年时,在厨房的餐桌旁,我们会讨论爸爸的新车或妈妈的新衣服。品牌是我们这个时代的主流宗教——消费主义——的基础。我们与品牌的关系是我们定义自己的一种方式。我们挑选了30个火箭品牌,其中部分与我有深刻的联系,或因我在某种程度上认同它们。”



奥利弗·比尔

Oliver Beer


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《共振绘画(移动你的脚)》, 2022年

颜料、画布

90 x 90 厘米 (35.44 x 35.44 英寸)



奥利弗·比尔(Oliver Beer)通过雕塑、绘画和表演实践探索共鸣和谐的主题。“共振绘画”(Resonance Painting)系列则将该主题形象化。他解释道,“人们从未意识到音乐具有物理形式:如果你能看到音乐如何振动我们周围的空气,你就会发现精美的三维几何图案”。正如《共振绘画(移动你的脚)》(Resonance Painting (Move YourFeet),2022)所展现的,艺术家在画布上捕捉到这些几何图案。


比尔的每幅画都以他在创作时所听的一首歌曲命名,《移动你的脚》(Move Your Feet)即是来自丹麦流行二人组Junior Senior的同名歌曲。艺术家在水平放置的画布上洒满干燥的粉末状颜料,其下放置一个扬声器,当他播放乐曲,声波震动画布,移动颜料,营造声波的视觉表现。然后,艺术家用他开发的独特凝固技术将画布表面起伏的几何图案定格于原地。通过这种方式,比尔为音乐制作了视觉记录,并将这种无形的媒介冻结于特定的时间和空间。



朱尔·德·巴兰库尔

Jules de Balincourt


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《伸手向光》, 2022年

油彩、油画棒、画布

177.8 x 152.4 厘米 (70 x 60 英寸)



朱尔·德·巴兰库尔(Jules de Balincourt)在着笔绘画前并没有固定的计划,完全凭直觉通过抽象的形式创作,直到逐渐构建出可识别的人物——他将这一过程描述为“在黑暗中跳舞”。正如他所解释的,“我的绘画始于纯粹抽象的、直观的概念,没有预先设定的图像或想法。它就像一种直观的舞蹈,从潜意识出发,最终演变成可识别的具象空间。我感兴趣的,是在那个十字路口发生了什么,在那里,作品从纯粹抽象开始转变;以及将作品带入具象现实的那些决定。”《伸手向光》(Reaching for the Light,2022)是巴兰库尔创作的一个转折点。虽然在作品起伏的线条中依稀可以看出植被的影子,但人物和空间线索的缺失令这幅画走向了前所未有的抽象领域。艺术家远离具象,皆因他过去几年来日益内省和趋向于存在主义的创作方式的转变。尽管如此,他的作品仍然保留丰富的色彩和精妙的细节。巴兰库尔的新作不再与某个具体的地点或某个特定的社会相联系,而是开辟了一个更普遍的、也许是精神性的维度。



李昢

Lee Bul


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《迷失 CXXII》, 2021年

珍珠母、丙烯颜料、木板、不锈钢框架

三联作 83.3 x 189.5 厘米 (32.8 x 74.61 英寸)



李昢(Lee Bul) “迷失”(Perdu)系列中的每件作品,制作耗时都需两个月。她将各种色调的丙烯酸与石粉混合,层层叠加,待其干燥后,再精心打磨表面,创造出大理石般的效果。底层绘画的清晰线条被激光切割的泡沫结构保留下来,直到作品的基础完成,再填入线条,用具对比的颜色重复分层过程。她在颜料中混合珍珠母,当它们捕捉到周围的光线时,便会带来闪亮的效果。李昢致力于在作品中使用具有矛盾性的参照物和材料。她对珍珠母尤其感兴趣,因为它“与由内而外的生物体有关”。尽管它有坚硬的外表,但这种物质存在于贝类的内部,其存在是为了修复伤口。这种美丽的材料可能是痛苦的结果,这令它同时兼具力量和凄美,而此成为李昢所有作品的基础。




曼迪·埃尔-萨耶

Mandy El-Sayegh


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《编辑别名(安静的乐观主义)》, 2022年

乳胶、油彩、丙烯酸、丝网印刷的画布

168 x 118 厘米 (66.12 x 46.5 英寸)



曼迪·埃尔-萨耶(Mandy El-Sayegh)的作品《编辑别名(安静的乐观主义)》(Editorial Alias Quiet Optimism,2022)通过层层的历史混淆,探讨关于误识(misrecognition)的主题。该作品包括两个不同的视觉标识:奢侈品牌标识“GUCCI”(古驰),和别名“GØUCC”。后者也是艺术家父亲的呼号,作为无线电爱好者,他一生都使用着这个名字。埃尔-萨耶的父亲是一位巴勒斯坦书法家,他生活的时期存在一段被刻意抹去的历史。在这里,艺术家借鉴她所说的“编辑化名”,提出一种质疑:当一个人不被允许拥有符号空间时,如何通过语言来保护自己的身份。从表面看,“GØUCC”会使人联想到对应品牌“GUCCI”,由此失去其历史特性和文化符号意义。通过交替使用两个符号,埃尔-萨耶巧妙运用商品形式的双重现实——通过品牌关联和盗版窃取权力,文化历史和奢侈品亦成为可互换的商品。



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朱端丽

DAWN ZHU

(画廊亚洲区总监)

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ART SG 

展位 BF03 

2023年1月12日—15日


开放时间 


贵宾预览(仅限邀请)

 1月11日(星期三) 14:00—17:00


开幕酒会

 1月11日(星期三)17:00—21:00


贵宾参观(仅限邀请)

 1月12日(星期四)11:00—12:00


公众开放

 1月12日(星期四)12:00—19:00 

1月13日(星期五)12:00—19:00

1月14日(星期六)11:00—19:00

1月15日(星期日)11:00—17:00


地址

新加坡滨海湾金沙会展中心



- 画廊地址 -


伦敦伊利府邸 | LONDON ELY HOUSE
37 Dover Street, London W1S 4NJ 

+44 (0)20 3813 8400


巴黎玛黑 | PARIS MARAIS
7 Rue Debelleyme, 75003 Paris 

+33 (0)1 42 72 99 00


巴黎庞坦 | PARIS PANTIN
69 Avenue du Général Leclerc, 93500 Pantin 

+33 (0)1 55 89 01 10


萨尔茨堡卡斯特别墅 | SALZBURG VILLA KAST 

Mirabellplatz 2, A-5020 Salzburg 

+43 (0) 662 881 3930


萨尔茨堡哈雷 | SALZBURG HALLE 

Vilniusstrasse 13, 5020 Salzburg

+43 (0) 662 876 246


首尔堡垒山 | SEOUL FORT HILL
2F, 122-1 Dokseodang-ro Hannam-dong, 

Yongsan-gu 04420, Seoul

+82 2 6949 1760



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