新年新展｜达芙妮重影的幻变

卡斯明画廊欣喜呈现最新展览「达芙妮重影（Shades of Daphne）」，汇聚了十一位跨地域和时代的艺术家的创作，对他们探讨的话题展开恰逢其时的回顾与展望。

展览中的作品涵盖绘画、雕塑、装置及影像，时间跨越1990年代至今。其中多位艺术家为展览特别创作了委任新作或是场域特定的表演和装置，对画廊的建筑空间作出回应。这次展览也是多位参展艺术家在美国的首次亮相。

作为展览的一部分，卡斯明画廊外墙上悬挂的布兰登·费尔南德斯（Brendan Fernandes）的纺织品作品《The Shield》

在古希腊神话中，达芙妮宁芙为逃避阿波罗的追求，甘愿化身为一株月桂树——展览以她的叛逆和反抗精神作为象征性主题，探讨共存在这些作品中不同形体的交融，形态的蜕变，或是处在此转换过程之间的困顿之态。

西芙·伊同纳·韦斯特伯格（Sif Itona Westerberg）展出的组合装置作品

展览中的作品皆与变形与神话有关，将身体的印记加以解构——或是捕捉了身体离去后残余的吉光片羽，或是留存了对有生之物的记忆。

芭芭拉·卡斯滕（Barbara Kasten）跨越二十五年的创作「双耳瓶」及「盾牌」系列作品‍‍

每一件作品都与其所在的建筑空间互为框架，成为不同的游移态之间的入口、开端，或是承载物。同时，这些作品与参与其中的身体及其结构空间形成互文，打开个人或是集体体验中仪式感的可能性。

本展览由独立策展人Stephanie Cristello策划。

作品亮点‍‍‍‍

Diana Al-Hadid

The Long Defeat

2017-2023

mixed media‍

281.9 x 429.3 x 383.5 cm

黛安娜·阿尔-哈迪 🔗（Diana Al-Hadid, b. 1981, 叙利亚阿勒颇）在展厅中的雕塑灵感来自于文艺复兴时期弗拉芒画家汉斯·梅姆林的画作《贞洁寓言（Allegory of Chastity）, c. 1475》。画中，一位女子谦卑地低垂眼帘，双手护在腰间，矗立在火山口环绕的山巅。

阿尔-哈迪对此题材的首次诠释出现在她的大型雕塑《堡垒（Citadel）, 2017-18》中，一个镂空的女子剪影如同盘缠的根系一样延伸向地面，她的面部五官被略去，仅由素描起草一般的十字中线来表示她低垂的目光。与梅姆林原作中的典雅端庄不同，这件作品的磅礴大气让观众不得不与作品中女主角的目光直接对视。

Theodora Allen

Death Mask II

2022

oil on linen

134.6 x 114.3 cm

西奥多拉·艾伦 🔗（Theodora Allen, b. 1985, 美国洛杉矶）的绘画取自于音乐、文学、神话及自然，充满冥思的画面探索了转瞬间乃至于永恒的主题。艾伦在物理世界与内心景观之间开辟出一片净土，与她层叠的的象征性符号融合为一体。

这幅画面中，艾伦在金属切割般凌厉的背景上呈现出泪珠的不同形态，其冷峻与感性形成强烈对比。在精致细腻的门户构图与几何泪珠的共同作用之下，创造出存在于肖像与风景之间的格式塔效应。艾伦严格的作画过程创造出的图像让人回味无穷。她用稀薄的油彩层反复叠加再擦除，直至画布显示出饱经磨砺的织纹基底。

通过删繁就简，画面的层次感和价值被重新建构，使得画面在同时建立与消解的过程中达到圆融。这件作品是来自艺术家近期在丹麦的Huset for Kunst and Design美术馆个展「Gimlet Eye」中的同一系列。

Ali Banisadr

Weighing of the Heart

2023

oil on linen

121.9 x 152.4 cm

阿里·班尼萨德 🔗（Ali Banisadr, b. 1976, 伊朗德黑兰）这幅浓墨重彩的新作以他代表性的激烈笔触绘成，其中令人目不暇接的奇幻人物使得画面在抽象与具象梦境风景之间博弈，让人不禁沉湎于存在主义的遐思之中。嘉年华般的欢腾与冷静的距离感之间达到微妙的平衡，让观者的视觉焦点在其中穿梭、迷失。

班尼萨德的童年在两伊战争中的德黑兰度过，在战火的轰鸣声中他获得了联觉——视觉与听觉在潜意识中发生相互作用，让他得以在绘画中凭直觉创造出焕发动能与活力的复杂画面。

Bianca Bondi

The Ante chamber (Myths of descent and return)

2023

site-specific installation including a bed with pillows and sheeting, saline pond, artificial vegetation, natural vegetation, coins, chest of drawers, circular mirror, glass, swan vase, rusted arrows, copper amphores and salt

variable dimensions

比昂卡·邦迪（Bianca Bondi, b. 1986, 南非）展出的装置作品灵感来自于韩国诗人金惠顺的诗歌《苔原天鹅》。这件作品同时向米莱的《奥菲莉娅（Ophelia）》等经典作品致敬，展示出一个极具女性气质的房间，床的中央是一汪池水，与苔原尽头的一面梳妆台圆镜遥相呼应。

整个装置被盐环绕，代表着保存与复活。盐粒将会在展览过程中与周围环境不断发生侵蚀、结晶等相互作用。艺术家曾在2020年釜山双年展与2021年泰国双年展中呈现这件装置的不同变体，此次展出的是作品的第三篇章。

Brendan Fernandes

Stand Taller III

2023

powder coated steel

274.3 x 91.4 cm

布兰登·费尔南德斯（Brendan Fernandes, b. 1979, 肯尼亚内罗毕）在展厅中以及卡斯明屋顶花园展出了四件大型雕塑和纺织作品，以及一件建筑干预作品。作为本次展览的延伸，这位多学科艺术家以解构的身体印象为框架，对机构批判、种族问题、酷儿文化、移民等群体运动作出回应。

这组作品将由一系列场域特定的表演及委任舞蹈作品激活，将传统芭蕾和即兴舞蹈动作元素与酷儿夜店文化结合在一起，再经由宣言式的政治集体能量展现出来。表演中的性别中性服装由Rad Hourani设计。

Barbara Kasten

6.Amphora-Aegean, 5th Century BC

1996

cyanotype

76.2 x 55.9 cm

芭芭拉·卡斯滕（Barbara Kasten, b. 1936, 美国芝加哥）超过五十载的艺术生涯对抽象艺术进行了先锋性的探索，拓展了光、形式与感知之间的关系。

展览中，艺术家使用蓝晒法创作的近作与其早期的历史性作品首次并肩展出。其中《盾牌（SHIELDS, 2021至今）》从规则的光影纹路逐渐演变成了此起彼伏的波纹——再现性的表现形式皆被光学游戏取而代之；与之形成对比的是她1995-96年创作的「双耳瓶（Amphora）」系列，艺术家在土耳其水下考古博物馆驻留期间，使用古罗马器皿创作了这组作品，每一幅都是在当地的拜占庭神庙庭院中的月光之下用蓝晒法制成。

Lap-See Lam

Dreamers' Quay (Singing Chef Suits): Mother Shirley III

2022

hand folded double-sided inkjet print on washi paper, hanger, stainless steel, brass scale, brass bar

220 x 60 x 0.3 cm

Edition of 1 + 1 AP

林立施（Lap-See Lam, b. 1990, 瑞典斯德哥尔摩）的作品溯源十八世纪广东与瑞典之间开通的航道，从历史之初探索了欧洲与中国文化的混合美学。以传统中国皮影戏在欧洲的演化以及中餐丰富的感官体验为依托，艺术家探讨了图像传播的回音壁效应，及其在移民与殖民想象之下的可能性。

艺术家创作的折纸厨师服采纳了龙舟鳞片的象征性图样，悬挂在展厅的混凝土天顶之下。作品随着空间中的气流轻缓旋转，投下不断变化的影子。材料的轻盈恰恰与其焕发的历史厚重感形成鲜明对比，定下了作品的基调。这一系列作品不久前曾在斯德哥尔摩的Bonniers Konsthall美术馆展出，此次展览也是艺术家自2019年的Performa表演艺术双年展之后首次在美国画廊亮相。

Zoë Paul

Untitled (Terracotta Man/Woman)

2019

ceramic and porcelain beads, brass, silver

each panel: 300 x 120 x 2 cm

佐伊·保罗（Zoë Paul, b. 1987, 英国伦敦）的串珠帘装置将跨越历史的图像生产风格融汇在一起——古代洞穴彩绘，拜占庭圣像画，古典希腊花瓶，直至构成当今虚拟现实的数字像素。她的作品灵感汲取自地中海居所中常见的门帘，联通公共和私人空间，让往来的客人在其间自如流动。

2020年至2021年间，同一装置作品曾在纽约现代艺术美术馆（MoMA）极具影响力的「现代窗口（The Modern Window）」展出，由策展人Jocelyn Miller策划。

Ana Pellicer

Purépecha Rattlesnake

1995

woven copper chain with cast copper pendant

470 x 64 x 20 cm

安娜·佩利彻（Ana Pellicer, b. 1946, 墨西哥墨西哥城）的作品《普雷佩查响尾蛇（Purepecha Rattlesnake, 1995）》是艺术家为纽约自由女神像设计的系列巨型珠宝的一部分，创作于法国向美国赠予这件礼物的100周年之际。艺术家采用了她家乡墨西哥米却肯州超过500年历史的手工金属锤制技术来打造这件作品，通过放大与我们身体相关的尺度，重新审视装饰及偶像崇拜的庆典仪式。

Naama Tsabar

Inversion #4

2021

Voice of Rose Blanshei, sound of BroodX cicadas, wood, varnish, paint, infra-red sensors, Arduino, WAV trigger, wires, cable port, cables, purfling
Coding: Brian Oakes 

243.8 x 157.5 x 41.9 cm

娜玛·瑟巴 🔗（Naama Tsabar, b. 1982, 以色列）创作的装置《反转#4（Inversion #4, 2021）》直接嵌入展厅现有的建筑结构，将墙体间的薄层作为声音腔室，并通过参与者的身体介入来激活作品。

这件作品曾在艺术家2021年美国迈阿密海滩巴斯艺术博物馆（The Bass Museum of Art）的个展中展出。此次同时展出的还有艺术家持续创作的摄影系列作品，其中抽象的肢体刺破背景中的空白空间，是对人为设置的障碍以及身体界限的一个精妙的诘问。瑟巴的作品让观者穿梭在雕塑与乐器、形式与声音之间，在亲密与感性，身体与物质之间探寻过度状态的潜能。

Sif Itona Westerberg

break

2022

aerated concrete

60 x 40 cm

西芙·伊同纳·韦斯特伯格（Sif Itona Westerberg, b. 1985, 丹麦哥本哈根）在这个全新的镀锈青铜和气泡混凝土浮雕系列中重塑了古典和当代美学的意象。韦斯特伯格的作品呈现尤其注重整体布景的组合。在布料的装点之下，植物、动物及人类形象融为一体，介乎于成形与消解之间的临界状态——花卉有着古老而原始的形态，女人有着触角一般的肢体。在大自然导演的这出戏剧中我们恍如置身度外，让生命轮回、欲望与野心在眼前恒久上演。

展览现场