【专访】卢伟昊：吾心安处是吾乡｜无界艺术展
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Floating in the City series在当代摄影中，景观摄影是一个备受人们关注的领域，它通过冷静地表现人与社会、再造、城市等景观的独特联系，构建出更深层次的外延和话题。《时间切片》系列作品，不仅呈现了日常观察，更是切割出一道观察社会日常的地景，呈现出相互交错的外在空间，深入挖掘移民城市中人们的精神内核。艺术家卢伟昊此次的分享会主要分为六大部分：从他个人的穿越时光的艺术之旅讲起，解密《时间切片》系列作品中的时间观念、及其符号与意义，作品中的时空呈现，探索摄影创作中的可能性，讲授新一代摄影师在景观摄影中的责任与挑战，寻觅无界与边界的影像表达，进行一个全面系统的梳理和总结。 Floating in the City series《时间切片》（Floating in the City）系列作品主要讲述，随着社会经济和科技的飞速发展，城市与城市之间的边缘界限变得越来越模糊，它们的差异性也日渐减弱，人们可以轻而易举地快速从一个城市移动到另外一个城市。城市中每天都在上演着不一样的舞台剧，卢伟昊试图用摄影的方式记录下这一幕幕的瞬间，通过观看在城市中个体的生活和姿态，去表达城市和人之间的关系，在追逐经济和物质的路上，心灵好像变得越发空虚，不知为何忙碌，他想借此表达移民城市中人们的迷茫和空虚。马文杰：为什么选择摄影专业？是什么促使你对摄影产生浓厚的兴趣？卢伟昊：其实从小学开始我父亲就给我买了一部卡片机，然后在不断的拍摄中我发现摄影是我沟通这个世界的重要方式，我能透过镜头去观看和表达自己内心想要表现的景象，当时网络还没有像现在那么发达，能接触到的摄影内容还是相对少的，最初还是在一位记者师傅的指导下开始正式的摄影学习，但家里对我选择这个专业还是持疑惑的态度，会怕我出来找工作比较困难，但我自己对摄影还是十分热爱的，所以还是说服了家人，上了大学之后开始慢慢接触到了当代摄影这个领域，发现可以用各种不同的形式去进行创作和表达，就一直保持创作至今。
选自《时间切片》系列 Floating in the City series马文杰：看完你的《时间切片》系列作品后，我观察到您的作品是以人和城市之间存在的关系展开的，是什么样的一个契机让你想到创作这组作品?卢伟昊：我的祖籍是东莞，但我生于广州，在广州长大。对东莞的印象特别模糊，只有清明等节日回去。大学时期我就离开了广州，在上海求学，最后定居在深圳。慢慢地自己就会开始思考说那自己到底是哪里人？就此，让我重新思考我的身份认同这一问题。我自己作为新一代移民的视角，开始创作这组作品，其中许多想法是对于自己不断在不同城市和地区间游走的经历后，凝结了所有复杂的情感后产生出来的，是对于自我身份认同的一种探索，在城市中我会观察一些停顿下来休息的人群，他们往往会在那一瞬间变成他们自己本身的状态。当我在拍摄他们的时候，自己也成为了这个戏剧性景象中的一员。
选自《时间切片》系列 Floating in the City series
王文骏：在创作这组系列作品中，你主要使用的是抓拍还是置景为创作手段？卢伟昊：这组《时间切片》系列作品与早期的作品创作方式有所不同，是完全在现实中以抓拍的方式进行拍摄的，我希望观众在观看的我的作品时就像是这个景象在他们面前发生一般，观看着画面中发生的那一幕幕瞬间。马文杰：我感受到您拍摄的画面中，展现的是新一代的移民空虚的心理状态，大部分的人物都是背对着镜头，他是否是一种符号？你在选择拍摄对象时，是否有特定的集体？卢伟昊：我的拍摄对象都不会直视镜头，希望避免他们与观众直视进行交流。我拍摄他们背对或者侧对镜头，是希望模糊他们的身份界限，削弱他们的个体特征，让观众更多地关注到他们的肢体动作和他们处于环境中的状态，增加被摄个体情感中的不确定性和孤独疏离的感觉。而且我拍摄的景别一般都是选择大全景为主，就此可以容纳更多的画面信息，人物在画面中的比例也相对比较小，显得在诺大的城市中个体相对趋于渺小的感觉，就像茫茫人海中的几粒细沙。 Floating in the City series Floating in the City series王文骏：我观察到您的画面中，譬如2016年拍摄的三位大叔躺在板凳的照片，以及2016年拍摄的车祸事故现场的画面。人们的行为和环境之间还是有相当戏剧性。能分享一下你的拍摄技巧吗？卢伟昊：是的，在现实中往往会有许多光怪陆离的场景，我在进行创作的过程中通常都不希望打扰被摄对象，让他们在我镜头前完全进入自己的自然状态，所以我通常会使用腰平取景的方式进行拍摄，因为镜头通常会带有侵入性，这种侵略的感觉是我不希望有的，就如片场里导演往往会要求演员用自然的状态进行表演一样，我与拍摄对象是处于一种完全没有交流的状态，照片中的所有被摄主体都是在自然的状态下完成表现的，在拍摄前和拍摄后我都是一个观看者的角色，但是当我观察和拍摄的时候其实也是在表达我想要表达的主题。 Floating in the City series Floating in the City series
王文骏：此次展览展出了五张摄影作品，题目试图以“时间”来引导观者进入某一片刻。“时间”和空间产生了矛盾，但在你的作品中两者并存。是否谈一谈作品中的“时间”部分？你如何看待本次作品的标题？卢伟昊：时间在戏剧和电影中都承担着非常重要的角色，同样的在创作这组作品时，“时间”也是一个很重要的元素。因为这次的创作时间跨度相对还是比较长的，每一张照片其实承载的是一段时间内发生的事情，就好像一部戏剧或者电影中的一瞬间，因此我把这组作品命名为《时间切片》。关于在命名英文标题（Floating In The City）时,并没有从中文直译到英文，而是想阐述关于对城市有着漂浮的情感。所以，时间这一部分也是在这组作品的核心的元素。
2023无界艺术展展览现场
2023无界艺术展展览现场王文骏：此次参展作品是否达到你的预期，达到了你想表达移民城市中人们的迷茫和空虚的目的？卢伟昊：对我个人而言，是达到预期的。我也深感荣幸，感谢评委们认可我的作品。但是，就是否达到目的而言，我想更多的是留给观众去思考，将这个权利交还给他们。其实这些年来，从读书到工作生活，四处奔波，游走了各个城市，接触了很多不一样的人，这些经历让我也思考了不少。其实，在拍摄的过程中是慢慢地去解决了我内心“到底是哪里的人？”的这一终极问题，这是一种对自我身份认同的探索，并试图寻找一种答案，希望后来在拍摄的过程中慢慢地给予自己一个解答。那今年我家门口贴了一幅对联，其中一联是“吾心安处是吾乡”，我觉得这句话是也是给予我自己的一个解答吧。王文骏：你曾参加国内外的摄影展览，这些参展经历对你的创作有哪些影响？卢伟昊：每次参展我都有很多收获，尤其是本次的布展方式，与2021年《青年视界》展览的布展方式大有不同，当时透过（60x48厘米）的灯箱呈现，让平面的影像增加了层次与深度，依靠影像媒介与时间建立起本质相关联。而本次展览中，我将其中一幅作品放大至（230x184厘米），另外两张作品压在这张大图上面，以连接时空中的不同节点，同时让观众凝视画面中的细节。在本次的无界艺术展中，与策展人、艺术家以及观众之间都有不同交流，我也在交流碰撞中学到很多。譬如本次展览中，我观察到部分艺术家会使用装置和多种形式的布展方式，如艺术家石迪夫的作品，他把石头也放在了摄影作品前，给人以身临其境的感觉，也增加了互动性，又如艺术家黄明辉，他把AI和电子屏幕相结合，当观众点击屏幕时图像会发生变化，观众与作品可以进行零距离交流，还有很多艺术家结合了不同形式的艺术手法，让呈现与输出的影像不局限在于装裱内，这样多种形式的艺术表达方式也让我学习到了很多，可以在日后更好地表达自己的作品和概念。马文杰：我发现你在早期有以置景为创作方式的《D城》系列作品，对您现在创作《时间切片》系列作品有何影响？卢伟昊：在创作《时间切片》系列作品之前，我的很多作品都是置景为主，包括《D城》《消防中队》《苔》系列作品等，这些作品都会运用导演的方式来进行画面上的排布。而《时间切片》这组作品的话并没有用这样的方式进行创作，但我希望给观众在观看的时候有一种刻意安排演员在画面中的感觉，当我在拍摄他们的时候就好像导演在观看监视器一样，我站在远处观看他们在眼前的舞台上进行表演，他们静待我在一个瞬间按下快门，当我创作时都会选择有仪式感或者有戏剧性的场景进行拍摄，希望增加作品中荒诞的感觉。 Floating in D City series Floating in D City series
Floating in Fire Squadron series Floating in Fire Squadron series
Floating in Fire Squadron series
Floating in Fire Squadron series王文骏：你作为新一代的摄影师在景观摄影创作中，会面临哪些困境？你是否认为，当代景观摄影正在发生转变？卢伟昊：“景观摄影”应该来说是源于德国摄影中的“新现实主义”和杜塞尔多夫学派，在2000年左右因为中国的城市化进程加快，所以许多的优秀的中国摄影师开始用这种方式去关注城市的变化，如张晓，骆丹等艺术家对中国的城市化进程进行拍摄创作，他们的作品都很好地反映了中国当下的发展现状，那如今更多的荒诞建筑建筑随着城市化的进程大量出现，而且现在互联网也在不断发展，许多人能够更加容易去寻找到这种奇观，对此就有专门对这个现象进行记录和拍摄的微博作者，故此对艺术家来说会提出更高的要求。我觉得，在未来创作中艺术家会更多关注自身和景观之间的联系，而不一定是客观地对这个现象进行观察，这也需要艺术家使用更多的创作手段去进行表达。王文骏：你认为从事当代摄影创作中，有哪些话题值得去发掘？你有什么建议给想要进入摄影艺术领域的创作者？卢伟昊：我认为，还是要结合自身的经历和状态出发，更多地去关注内心和社会上的问题并有所关联，例如身份认同，环境与人的关系等等。如今科技发展日新月异，作为艺术领域的创作者而言，应不断拥抱最新的技术和潮流，在创作中利用这些媒介去表达内心的想法。对于刚进入艺术领域的创作者而言，其实坚持是很不容易的一件事情，因为艺术创作还是相对比较难以商业化的，到最终可能没有一个商业转换的过程，这样也会容易打击到一些刚进入这个领域的作者。我觉得三影堂的无界艺术展是非常好的一个展现的平台，评委们更多的是从作品的艺术性、思考性和完成度为基础，不局限于摄影，也包括影像、装置、绘画以及数字艺术等多种媒介，不设边界，以非常包容性地接受不同媒介艺术创作者的作品，展出和交流其实对艺术家来说是一个很好的鼓励和激励，以此拓展和促进艺术创作实践和交流。王文骏：可以和我们分享，未来有什么新的计划？是否依然拍摄与社会、人相关的题材？卢伟昊：因为我的身份是一名记者，平时走动的地方比较多，所以业余时间还是会继续进行创作，《时间切片》系列会继续创作下去。同时我也经常与我爱人对创作内容和方式等进行探讨，在未来也会与她共同创作新的主题，比如环境与人之间的关系等等，可能以后会以一个艺术家组合的形式出现，也会尝试加入更多的媒介，譬如视频影像、装置等促使作品的丰富性与多元性。另外，我也依然会关注与自身和社会相关的题材。王文骏：能说一说你喜欢的艺术家吗？他们对你的创作有没有产生过一些影响？卢伟昊：我特别关注杰夫·沃尔（Jeff Wall），还有张克纯等艺术家，其中杰夫·沃尔通常使用置景的方式进行创作，他用一种看似日常抓拍的手法去讽刺社会问题，他对于我的影响还是相对比较大的，这种创作方式也是我非常喜欢的：张克纯的作品更加诗意，他用中国画一样的画面去拍摄中国当代荒诞的画面，而且也把自己置于画面之中，他的作品一般用非常大的尺寸去进行展出和呈现，非常震撼。 Floating in D City series Floating in D City series
文字采访整理：王文骏，毕业于中国传媒大学。马文杰，白俄罗斯国立文化与艺术大学摄影专业研究生。
卢伟昊Lu Weihao
卢伟昊，1994年生于广州，2016年毕业于复旦大学上海视觉艺术学院，现工作生活于深圳。作品曾参加2015年集美·阿尔勒国际摄影季、2015年法国尼斯《多样性-百花齐放》摄影展、2015年法国南锡《日常之下》摄影展、2015年第十五届平遥国际摄影展、2018年《青年视界-深圳市青年美术家协会年展》、2019年《四十再励-深圳青年美术作品展》、2021年《青年视界-深圳青年美术大展》、2023年《无界艺术展》。他的作品主要围绕个人与社会，城市与自然之间的关系进行观察与探讨。
春熙照相馆“摄影学习小组”是线上共同创作平台，致力于生产高水平、多元化的摄影艺术研究内容。依托春熙照相馆的媒体资源，与各方专家、艺术机构携手，共同挖掘影像创作力量，助力当代优秀影像创作更大范围地进入公众视野，拉近大众与艺术之间的距离。
“无界”是三影堂厦门摄影艺术中心于2018年启动的Open Call展览项目，旨在发掘优秀的视觉艺术创作者，为其提供专业的展示平台。希望以此联结艺术爱好者，使“无界”成为一个广阔的展示与交流平台。无界个展持续征集中，期待大家的投稿。
艺术家以“个人姓名+无界展览计划投稿”为邮件和附件主题，发送作品资料至xiamen@threeshadows.cn邮箱投稿。 作品资料包括：200字作品陈述，艺术家简介，图片小样（每个系列作品10-30幅、单张照片大小不大于5M），或视频文件（单个视频限200M，MP4格式）。
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