常青画廊即将参加2023年JINGART艺览北京当代艺术博览会 | 展位 A02

其公共作品包括：《民主的象征》（La Democracia del Símbolo），这件作品是对布宜诺斯艾利斯市的方尖碑和拉丁美洲艺术博物馆进行的一次联合干预，在2015年吸引了整个城市的眼球；《融化的房子》（Maison Fond）标志着在巴黎召开的联合国气候大会，并在巴黎北站长期展出（巴黎不眠夜，2015年）；著名的装置作品《建筑》（Bâtiment ）已经在全球各地再造并展出（法国、英国、澳大利亚、日本、阿根廷、乌克兰、奥地利）；2018年，受国际奥委会委托创作了《球赛》（Ball Game），以纪念在布宜诺斯艾利斯举办的夏季青年奥林匹克运动会。《反射港湾》（Port of Reflections）曾在韩国首尔国立现代美术馆（2014年）、布宜诺斯艾利斯的特雷斯德费布雷罗国立大学博物馆（2016年）和纽约纽伯格艺术博物馆（2017年）展出。《重写本》（Palimpsest）在日本越后妻有艺术三年展上长期展出（2018年）。

埃利希曾获得诸多奖项，包括罗伊·纽伯格展览奖（纽约，2017年），马塞尔·杜尚奖提名（巴黎，2006年），联合国教科文组织奖（伊斯坦布尔，2001年），莱昂纳多奖（国家艺术博物馆，布宜诺斯艾利斯，2000年），国家艺术基金会奖（布宜诺斯艾利斯，1992年）。

安东尼·葛姆雷不断地尝试与身体和空间之间进行对话。艺术家最初使用石膏模型，通过3D建模，推动和扩大其形状，以此来试验身体形式。凭借更多的几何形状，艺术家向抽象的边缘发展出一个新的方向，尽管大多数时候，一个特定的视角会以一种合成的方法来揭示身体的形状或形式。通过抽象 化身体，雕塑的存在增强了与空间的对话，使无形的东西更加具体，仿佛可以触摸到。

艺术家通过使用自己的与身体相关的视觉语言，其艺术作品在某种程度上就像针灸，他们不占据、占有或控制空间，而是激活空间，使其更有活力。他们的存在不再关于空间物化身体，而是身体代表网格或它周围空间的振动。通过雕塑使无形的空间可视化，而不是基于空间而建立的雕塑。尽管我们无法辨 别它，但身体仍然在这里，通过这样做，为空间表达其感觉领域铺平了道路。

▲ 安东尼·葛姆雷 (Antony Gormley)《朝后 IV》BACK IV, 2021, 铸铁, 187.1 x 36 x 36.7 厘米, 版数：独版, ©️艺术家与常青画廊

安尼施 • 卡普尔（Anish Kapoor）1954年出生于印度孟买，是他同代里最具有影响力的雕塑家之一。特纳奖得主的他，结合简单的材料、几何形状和有机形式，创造了优雅的雕塑。在20世纪80年代以石灰石和其他自然材料的生物形态雕塑首次建立起自己的声誉后，卡普尔开始在大型作品中探索 “虚无”的主题，一些作品有明确的内部和外部，另一些则明确划分了空的空间。艺术家的作品在存在和有形，与空缺和无形之间沉淀出一种强有力的对话。它们还表现了卡普尔的极简主义方法，甚至也应用在大型装置中：它们既不是机器制造的，也没有显示出艺术家的笔触，就只是作为一个艺术事实来呈现。

卡普尔的艺术辩证法通过绝妙的艺术作品具化出来，其精神在每个观众身上都能找到微妙不同的本体反应。对卡普尔来说，对某种精神的认知是他创作过程的关键，艺术已经承担了一种几乎宗教性的目的。在一个见证了对传统信仰体系普遍幻灭的时代，安尼施·卡普尔为“空”赋予了特性，并以此创造了具有无限潜能的灵性作品。他的作品像是观众无法回避或逃避的磁铁，亦如同物理学中的黑洞，一旦你遇见卡普尔的作品，你甚至在还未意识到之前，就已沉浸在其艺术的“事件视界”中。

卡普尔举办的重要个展包括：威尼斯美术学院陈列馆，意大利威尼斯（2022)；绘画个展，牛津牛津现代艺术博物馆，英国 (2021)；中央美术学院美术馆 & 太庙美术馆，北京 (2019)；塞拉维斯博物馆个展，葡萄牙波尔图（2018）；“下降”，公共艺术基金，布鲁克林大桥公园码头1号，美国纽约（2017）；“山”，Beelden aan Zee博物馆,荷兰斯海弗宁恩（2016）; "凡尔赛"，凡尔赛宫，法国巴黎（2015）；Regen 项目，美国洛杉矶（2015）; "卡普尔在柏林"，Martin Gropius Bau，德国柏林（2013）；澳大利亚当代美术馆，澳大利亚悉尼（2012）；Leeum三星美术馆个展，韩国首尔（2012）; "升华"，圣乔治马焦雷教堂，意大利威尼斯（2011）; "利维坦，不朽的2011"，大皇宫，法国巴黎（2011）；古根海姆现当代艺术馆个展，西班牙毕尔巴（2010）等。

托比亚斯·雷⻉格（Tobias Rehberger）是同时代德国艺术家中最为重要的艺术家之一。雷⻉格1966年出生于德国埃斯林根，在90年代初开始从事艺术家工作之前，曾就读于法兰克福的史泰德艺术学院。艺术家凭借多维度的创作手法将雕塑的可能性延伸至其他领域中：雕塑、工业制成品和手工艺品。他广泛地探索了设计与建筑领域，并在与这些领域的不期而遇间蓬勃发展。转变的概念是他艺术的中心主题。雷⻉格将他的实验聚焦于过程：感知和意识、时间性和瞬间性、间断性和暧昧性、变化和关系，以及客观对象所在现实环境之间的联系。

他的装置作品曾在第50届和第53届威尼斯双年展展出，并在伦敦白教堂画廊、巴塞尔⻉耶勒基金会、米兰普拉达基金会、阿姆斯特丹市立博物馆、科隆路德维希博物馆和斯图加特艺术博物馆举办展览。托比亚斯·雷⻉格将于 2022 年在重庆悦来美术馆举办个展。2009 年，他凭借威尼斯双年展呈现的自助餐厅雕塑装置获得最佳艺术家——金狮奖。他在法兰克福史泰德艺术学院任教，目前工作和生活于法兰克福。

乔瓦尼·欧祖拉（Giovanni Ozzola）于1982年出生于意大利佛罗伦萨，现工作和生活于加那利群岛。欧祖拉是一名跨媒介艺术家，以摄影为主要领域，同时也进行影像及雕塑装置创作。欧祖拉的作品表现着光学现象的微妙情绪与物理表征，其主要研究方向为对 “无限”和“探索〞进行概念化呈现——既是地理学层面的，也是自省的。

其艺术生涯始于2001年参加的群展“幸福：艺术和生活的生存指南”，该展于日本东京的森美术馆举行，由大卫·艾略特与皮耶尔·路易吉·塔吉策展；此后欧祖拉开始在全球范围内展出。2017年他的个展包括：在柏林“无题协会”进行的“残骸与有星星的房间”；在意大利比萨San Michele Degli Scalzi教堂当代艺术中心中举办的“视觉系统/现实系统”；在南非开普敦第六区博物馆返乡中心与斯泰伦博斯SMAC画廊举办的“漫无目的”；及同在SMAC画廊举办的“伤痕”。

欧祖拉还曾参与2016年阿布扎比艺术节中由法布里斯·布斯托策展的“重生”，以及由戴维德·费里在意大利弗利马科里尼画廊所策展览“云的理论”。他参与的群展包括还包括“21，39”吉达艺术节展览“地球及其之后”，以及在常青画廊古巴空间举办的“你+我=我们”。其个展包括2011年由路德维科·普拉泰西在意大利佩萨罗Pescheria视觉艺术中心策展的“沉船”，常青画廊圣吉米那诺空间个展“路径与星辰”，2012年意大利巴里Doppelganger画廊个展“沉船供给仓：41° 7’ 31’’ N 16° 52’ 0’’ E——感伤情怀”，以及2013年常青画廊北京空间个展“彗星论”。

比利时视觉艺术家汉斯·欧普·德·贝克（Hans Op de Beeck）1969年出生在特恩豪特市，当前在布鲁塞尔生活和工作。

他的的作品多种多样，包括巨形雕塑装置、影像、动画影片、雕塑、绘画、摄影、短篇小说、和舞台设计等。他的作品深刻反思了我们身处的复杂社会以及回荡其中有关意义与死亡的宏观问题。艺术家认为人是一种以悲喜交加的方式戏剧化地展现他周围世界的存在，最重要的是，艺术家热衷于刺激观众的感官，并邀请观众去亲历这些图像。他试图创造一种视觉小说，将一个奇迹而又静默的瞬间传达给观众。

他的理念来源于后现代时期里，人们的超脱和自我的迷失，这些在他的大部分作品里都有所体现。艺术家构想和建立了一些虚拟的当代都市场景，偶尔也加入几个让观众感到亲切的人物。布景既包括适合内省的安静区域，也包括偶尔显得笨拙的人群。他的作品反映了我们日常的生活、梦想、志向，以及我们的感知，包括对时间、空间、和两者之间的依存关系。汉斯·欧普·德·贝克的视觉语言是肃静而缄默的，时而严肃，时而讽刺，留下没有答案的疑问。

他举办的个展包括：GEM海牙当代艺术博物馆，海牙，荷兰（2004）；MUHKA当代艺术博物馆，安特卫普，比利时（2006）；中央博物馆，乌特勒支，荷兰（2007年）；博尔盖塞博物馆，罗马，意大利（2009）；赫希洪博物馆和雕塑园，华盛顿特区，美国（2010）；图恩艺术博物馆，图恩，瑞士（2010）；Centro de Arte Caja de Burgos, 布尔戈斯, 西班牙 (2010); Butler Gallery, 基尔肯尼, 爱尔兰 (2012); 汉诺威艺术协会, 汉诺威, 德国 (2012); 坦帕艺术博物馆, 坦帕, 佛罗里达州, 美国 (2013)； 哈恩艺术博物馆，盖恩斯维尔，佛罗里达州，美国（2013）；FRAC Paca，马赛，法国（2013）；MIT List视觉艺术中心，剑桥，波士顿，马萨诸塞州，美国（2014）；MOCA克利夫兰，克利夫兰，俄亥俄州，美国（2014）； Sammlung Goetz, 慕尼黑, 德国 (2014); Screen Space, 墨尔本, 澳大利亚 (2015); 希梅堡，希梅，比利时(2015); Le 104, 巴黎, 法国(2016); 荷兰露天博物馆, 阿纳姆, 荷兰(2016); 沃尔夫斯堡艺术博物馆, 沃尔夫斯堡, 德国(2017); Pino Pascali基金会, 滨海波利尼亚诺, 意大利(2017)； 多恩比恩美术馆，多恩比恩，德国（2017）；莫斯布鲁克博物馆，勒沃库森，德国（2017年）；Scheepvaartmuseum，阿姆斯特丹，荷兰（2018）；Krems艺术馆，多瑙河畔克雷姆斯，奥地利（2019年）；国家冬宫博物馆，圣彼得堡，俄罗斯（2021）；阿莫斯-雷克斯博物馆，赫尔辛基，芬兰（2022）；弗兰德博物馆，卡塞尔，法国（2023）等。

邱志杰是中国最具影响力的艺术家之一，如今他的地图系列作品受到广泛赞誉，艺术家通过地图探讨了重要的历史和社会议题，这些地图可以将时间转化为地理，并将地理转化为时间。邱志杰经历了过去几十年来中国社会的迅速发展，它向经济和文化全球化敞开了大门。邱志杰借鉴了从书法到手工艺的某些传统，并将这些传统带入当下，它们没有被视为新时代的牺牲者，而是成为兼具艺术家、教师、策展人、知识分子多重身份的邱志杰用于解释当下情形的思维体系。

1994年邱志杰来到北京，并开始了当代艺术家的职业生涯，那时他经常居住在郊区的农村，并举办地下展览。十年前开始主要专注于水墨及书法的创作。虽然邱志杰在国美主要研习的是版画，他自幼接触的却是中国传统绘画与书法，并将笔墨作为其最直接的思考和创作工具。他的水墨画便成为了其装置和策展工作的日志、思维导图和蓝图。邱志杰将当代主题、新的表现手法及展示方式融入到水墨创作之中。他希望能够复兴古代文人的传统，即博学多闻者观察天地万物并通过艺术创作来表达对社会的见解和感受。

邱志杰举办的重要个展包括：《邱志杰》，塔尔博特·莱斯画廊，爱丁堡大学，英国（2022）；《讲演》，北京常青画廊（2020）；《邱志杰——寰宇全图》，尤伦斯当代艺术中心（UCCA），中国北京（2018）；《和时间赛跑》, 常青画廊，圣吉米尼亚诺，意大利（2016）；《上元灯彩图 注解版》，中国美术学院美术馆，中国杭州（2015）；《邱志杰：个展》，汉雅轩画廊，巴塞尔艺术展，瑞士（2014）；《能量》，时代广场，中国香港（2011）；《南京长江大桥自杀现象干预计划之四—偶像的黄昏》，世界文化宫，德国柏林（2009）；《关于新生活》，中央美术学院博物馆，中国杭州（1992）等。

他的重要收藏包括：美国斯坦福大学康特艺术中心，法国巴黎DSL收藏，广州的广东美术馆，纽约的古根海姆美术馆，香港美术馆，西班牙瓦伦西亚现代美术馆，纽约国际摄影中心，美国伯灵顿的明德学院美术馆，英国爱丁堡的苏格兰国立美术馆，新加坡国立美术馆，澳大利亚昆士兰美术馆，美国迈阿密的卢比尔家族收藏，美国芝加哥大学Smart艺术博物馆，北京尤伦斯当代艺术中心，广州美国大使馆等。

纳里·瓦尔德（Nari Ward）于1963年出生于牙买加的圣安德鲁，目前生活和工作于纽约。瓦尔德是美国黑人文化传统最具代表性的发言人之一，他的作品构成了该传统的一部分。在十二岁时，他离开牙买加前往美国，一开始住在布鲁克林，然后是新泽西州，最终是曼哈顿的哈莱姆区。从九十年代初开始，他利用日常材料、废弃品和二手消费品制作大型的装置和雕塑，逐渐发展其艺术实践。

瓦尔德的个展曾在多个机构举办过个展：波士顿当代艺术学院（2017年）；纽约苏格拉底雕塑公园（2017年）；费城巴恩斯基金会（2016年）；美国佐治亚州萨凡纳艺术与设计学院美术馆（2015年）；迈阿密佩雷斯美术馆（2015年）；洛杉矶路易斯安那州立大学美术馆（2014）；美国北亚当斯马萨诸塞州当代美术馆（2011年）；费城布料工作室和博物馆（2011年）；波士顿伊莎贝拉·斯图尔特·加德纳博物馆（2002年）和明尼苏达州沃克艺术中心（2001年，2000年）。他最重要的群展包括：“像我们这样的物件”，康涅狄格州奥尔德里奇当代美术馆（2018年）; “上城区：讨厌的女人/ 坏女人”，纽约Barrio博物馆（2017年）; “伟大的母亲”，米兰Nicola Trussardi基金会（2015年）；“黑色：颜色、材料和概念”，纽约哈莱姆工作室博物馆（2015年）；“自由原则：1965年至今的艺术和音乐实验”，芝加哥当代艺术博物馆（2015年）; “NYC 1993：实验性喷气式飞机、垃圾和没有星星”，纽约新博物馆（2013年）；“思考虚空：古根海姆圆形大厅内的艺术干预”，纽约所罗门R.古根海姆博物馆（2010年）；纽约惠特尼双年展（2006年）; 德国卡塞尔第六届卡塞尔文献展（2003年）。

瓦尔德的作品被众多国际的公共和私人机构收藏，这些机构包括：纽约布鲁克林博物馆；马里兰州巴尔的摩艺术博物馆；伊斯坦布尔现代美术馆；纽约现代美术馆；肯塔基州路易斯维尔速度美术馆；北卡罗来纳州杜克大学纳希尔美术馆；明尼阿波利斯沃克艺术中心；迈阿密佩雷斯美术馆；纽约哈莱姆工作室博物馆和纽约惠特尼美术馆。他曾受联合国和世界卫生组织委托创作作品，也获得了许多荣誉和表彰，如：芝加哥乔伊斯基金会的乔伊斯奖（2015年）、美国罗马学院的罗马奖（2012年），以及来自美国艺术文学院、美国国家艺术基金会、纽约艺术基金会、约翰·西蒙·古根海姆基金会和波洛克-克拉斯纳基金会的奖项。