与画家和摄影师对话，用画笔和镜头捕捉时间的瞬间 | 国家美术·关注

摄影的出现永远地改变了绘画的进程。在这个独特的展览中，将通过近代一些最具代表性的艺术作品来探索这两种媒介之间的动态关系。

从巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）和保拉·雷戈（Paula Rego）富有表现力的绘画，到杉本博司（Hiroshi Sugimoto）和杰夫·沃尔（Jeff Wall）引人注目的摄影作品，您将看到这两种截然不同的媒介是如何随着时间的推移相互影响的。

您还将发现艺术家如何模糊绘画和摄影之间的界限，创造出令人兴奋的新艺术形式，例如波林·博蒂（Pauline Boty）的波普绘画、安迪·沃霍尔（Andy Warhol）的丝网印刷、格哈德·里希特（Gerhard Richter）的照相写实主义作品或安德烈亚斯·古尔斯基（Andreas Gursky）的大型全景摄影。

在现代最伟大的画家和摄影师之间的开放式对话中，我们将探索如何利用画笔和镜头捕捉时间的瞬间。

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摄影时代的绘画

在整个 20 世纪，绘画准确反映世界的观点因艺术家使用摄影而变得复杂。以镜头为基础的媒体比画布更能令人信服地再现现实。为了应对这一挑战，画家们发展出了新的风格和视角，尤其是在探索人物形象时。

卢西安-弗洛伊德（Lucian Freud）和弗朗西斯-培根（Francis Bacon）利用人物形象来揭示自我的内在真实。弗洛伊德喜欢根据现实生活作画，而培根则从摄影材料中取材。他猛烈地扭曲人形，以揭示他所谓的 "人的脉动"。巴勃罗-毕加索（Pablo Picasso）也曾挑战绘画表现和线性透视的概念，发展出一种被称为立体主义的风格。在这些肖像画中，他将多个视角折叠成一个单一的时间瞬间。

爱丽丝-尼尔（Alice Neel）和多萝西娅-兰格（Dorothea Lange）旨在通过充满情感的肖像画描绘当时的社会现实。妮尔记录了纽约工人阶级社区的日常生活，描绘了人们的真实面貌。兰格通过摄影表现类似的主题，以南加州农场工人的情感肖像记录了美国大萧条时期的生活。

▲ 爱丽丝·尼尔《Puerto Rican Boys on 108th Street》 1955

张力

当摄影师努力研究相机的机械原理时，画家们则继续研究画布的表面和颜料的质地。他们往往希望探索绘画媒介的材料可能性以及绘画图像本身。本展室的艺术家们利用绘画材料和技巧的表现力。他们创造出层层叠叠的构图，将抽象的感觉置于对现实的描绘之上。

在弗朗西斯-培根的作品中，每一笔都饱含情感。他将绘画行为视为对人形的攻击，创造出复杂而痛苦的内心形象。同样，保拉-雷戈（Paula Rego）的绘画技巧也有力地表达了其主题的暴力性。

▲ 2023年伦敦泰特美术馆「捕捉瞬间」展览现场

塞西莉·布朗（Cecily Brown）对人物形象进行了细分，她提出了关于颜料如何传达身体或人物本质的问题。颜料本身的质地能否传递人体的原始和活力？绘画图像能否像培根、马万和乔治-康多所暗示的那样，体现心灵的多重破碎面？格奥尔格-巴塞利茨将画布翻转过来，打破了视觉秩序，他要求我们不要仔细观察人物，而是仔细观察绘画表面。这种物质性的、富有表现力的绘画抵制了机械视觉的精确性，也抵制了日益充斥着摄影图像的世界。

▲ 塞西莉·布朗《Trouble in Paradise》1999

▲ 2023年伦敦泰特美术馆「捕捉瞬间」展览现场 

以画入影

杰夫-沃尔的作品探索真实与虚构、日常生活与幻想之间的界限，挑战摄影忠实记录现实的传统观念。沃尔最初是一名画家，后来对电影产生了浓厚的兴趣，并将安装在灯箱上的大型照片作为自己的标志性媒介。他的作品描绘了当代生活中的风景和场景，吸引观众去解读那些稍纵即逝的瞬间所蕴含的纠缠不清的叙事。

《突如其来的一阵风》捕捉到了仿佛凝固在时间中的瞬间。照片中的四个人物被突然刮起的阵风卷入了空旷的风景中。然而，这张照片是经过精心构思的。构图是根据日本画家兼版画家葛饰北斋（1760-1849 年）的一幅木刻画改编的，沃尔花了一年多的时间，拍摄了一百多个不同的镜头才完成。

在有风的日子里，沃尔在温哥华郊外的一处风景区拍摄演员。然后，他将这些图像元素拼贴在一起并进行数字叠加。在附近的《一阵风（北斋后作）》研究中，这种模拟过程清晰可见。该研究还揭示了吹向空中的纸片的精心摆放。它们是风向的标记，吸引着参观者的视线穿过作品，使场景变得生动。

人物之间没有任何联系，他们似乎存在于不同的时间点。沃尔模糊了动与静之间的界限。他将具象绘画的传统与背光摄影和数字处理技术交织在一起，营造出一种自发的错觉。沃尔经常宣称，他的作品借鉴了历史艺术，尤其是 "tableau "绘画，在这种绘画中，人物的表演具有戏剧性效果。

▲ 杰夫·沃尔《突如其来的一阵风》设计草图 1993

▲ 2023年伦敦泰特美术馆「捕捉瞬间」展览现场 

摄影即绘画

本展厅的艺术家们借鉴了绘画传统，利用摄影图像提出了新的观察方式。他们壮观的大尺幅照片和精确的构图邀请我们深入画面，探索集体经验，质疑表象和真相的社会结构。

Pushpamala N.、Andreas Gursky 和 Louise Lawler 等艺术家以不同的方式处理他们的照片，探索图像制作的建构本质。他们质疑什么是对现实的真实再现。一幅图像能传达全貌吗？坎迪达-霍费尔、路易丝-劳勒和托马斯-斯特鲁特告诉我们，我们呈现和安排图片的方式决定了我们的感知和体验方式。我们在教堂或图书馆中的行为举止如何，因此，我们在这些空间中又是如何体验和理解艺术作品的？当艺术品低调地摆放在地板上等待安装时，它们的意义和价值是否会发生变化？

这个展厅考虑的是 "看 "的行为：看图像、看我们自己、看世界。在 Struth 的摄影作品中，参观者注视着绘画作品，而绘画作品反过来也在注视着我们。他们看到了什么？

▲ 路易丝·劳勒《Splash》2006

▲ 安德烈亚斯·古尔斯基《May Day IV》2000

▲ 2023年伦敦泰特美术馆「捕捉瞬间」展览现场

▲ 2023年伦敦泰特美术馆「捕捉瞬间」展览现场 

时间曝光

杉本的 "海景 "作品捕捉到了无限的景象：世世代代的人们对大海的普遍印象。该系列由 220 幅黑白照片组成，历时 30 年在世界各地拍摄完成。这些作品介于表现与抽象之间，描绘了万里无云的天空下广阔的海景。地平线将作品一分为二，划定了视觉和精神感知的界限。

海景画传达了时间的流逝。杉本将这些作品称为 "时间曝光"，暗指他的长时间曝光技术，即光线逐渐烧入版画以产生图像。杉本的海洋无边无际地延伸到地平线之外，人类与大自然的浩瀚和持久形成了鲜明的对比。用杉本的话说，就是 "在毁灭我们自己之前先想想"。

▲ 杉本博司《海景图》

捕捉历史

在这个展室里，艺术家格哈德-里希特和威廉-萨斯纳尔通过复制照片的绘画作品，与历史、媒体和记忆打交道。在从摄影媒介到绘画画布的转换过程中，媒介之间出现了和谐与矛盾。我们往往认为照片是客观的图像，呈现的是不偏不倚的历史观。但是，摄影镜头的清晰度是否会像它所揭示的那样掩盖和扭曲呢？

里希特在战后的东德长大，他的摄影绘画作品通常关注冲突历史，将个人经历与更广泛的背景融合在一起。他的风景画是根据里希特自己拍摄的照片绘制的。这些作品与 19 世纪德国浪漫主义画家有关，他们将自己视为神圣自然与绘画艺术之间的中介。里希特将 "中介 "这一概念向前推进了一步，画出了已经被捕捉到的瞬间。这种矫揉造作的想法也出现在《两支蜡烛》中，这幅作品采用了静物画中 "死亡纪念"（memento mori）的传统--提醒人们死亡。转瞬即逝的烛光被永远定格在一幅画中。

萨斯纳尔绘画的照片取材于杂志、互联网和日常生活中的蛛丝马迹。与里希特一样，他感兴趣的是绘画如何赋予摄影媒体一种实体存在，从而以某种方式改变原始主题。

▲ 格哈德·里希特《Aunt Marianne》 1965

▲ 2023年伦敦泰特美术馆「捕捉瞬间」展览现场

转换

二十世纪五六十年代，安迪-沃霍尔、罗伯特-劳森伯格、波林-博蒂和理查德-汉密尔顿等艺术家尝试使用绘画媒介。他们将流行文化、大众媒体和广告中的丝网印刷和摄影素材融入自己的作品中。这种将流行图像和机械工艺与高雅艺术相融合的方法受到了全球艺术家的追捧，并被称为 "波普 "艺术。

艺术家们使用丝网印刷技术对摄影材料进行挪用、放大和复制。丝网印刷是一种机械工艺，颠覆了独特性和天才画家的概念，它模仿了在一个日益媒体化的世界中大量涌入的图像和信息。波普艺术作品参考了其他图像--例如，博蒂根据马洛和玛丽莲-梦露的照片或电影片段，绘制了《德里克-马洛与无名女士的肖像》（Portrait of Derek Marlowe with Unknown Ladies）。

在沿着这面墙展示的作品中，沃霍尔、博蒂和汉密尔顿捕捉了他们的世界和环境，探索了对个性的崇拜，并研究了流行视觉文化中的性政治。博蒂揭露了女性被物化的现象；沃霍尔和汉密尔顿则揭露了男性的建构和表演性质。通过倍增和放大现代生活中的视觉噪音，这些作品揭示了图像与自我之间的复杂关系。

Joan Semmel、John Currin、Paulina Olowska、Lisa Brice 和 Njideka Akunyili Crosby 从流行文化中提取摄影图像，以重新认识和再现女性身体。在此过程中，她们将图像制作与自我表述之间的关系复杂化。

在塞梅尔的自画像中，相机就像一个镜头，描绘了她女性身体的真实面貌：原始、脆弱、不理想。Olowska、Currin 和 Brice 将摄影推向幻想，探索图像与真实女性形象之间的关系。他们颠覆了将女性身体描绘成异性恋男性欲望的代表。在一个图像和人都在不断变化的世界里，Akunyili Crosby 探索了图像如何构建一种混合的、文化上复杂的自我意识。

这些作品要求我们共同思考图像如何提供扭曲或真实的女性形象，以及身份是如何通过文化来表达和中介的。

▲ 安迪·沃霍尔《自画像》 1966-1967

▲ Njideka Akunyili Crosby《Predecessors》 2013

▲ 2023年伦敦泰特美术馆「捕捉瞬间」展览现场

▲ 大卫·霍尼克《Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)》 1972

▲ 2023年伦敦泰特美术馆「捕捉瞬间」展览现场

走向数字化

本展厅的艺术家们正在努力探索数字时代绘画在视觉和情感方面的可能性，以及这种媒介如何能够回应我们的当代现实。他们吸收历史及其与图像的关系，提供理解当下的新方法。新媒体、互联网和档案资料与西方绘画传统相碰撞，创造出适时的绘画语言。

洛纳-辛普森（Lorna Simpson）、萨尔曼-托尔（Salman Toor）和克里斯蒂娜-夸尔斯（Christina Quarles）从广播媒体中汲取素材，表现政治斗争：美国持续存在的种族主义和结构性暴力、美国/墨西哥边境的移民危机，以及我们在一个不断受到国际冲突新闻轰炸的世界中的地位。我们充满危机的社会政治环境是如何塑造个人意识的？

托尔和夸尔斯从生活经验出发，将当代人的身体描绘成流动、暧昧和同性恋的，与他人纠缠在一起，栖息在多重世界中。夸尔斯和欧文斯将绘画推向表现的边缘，提出了一种新的标记制作模式。传统意义上的手势绘画与英雄式的阳刚动作有关，而这两位艺术家则利用数字渲染技术创造出精心控制的手势。这些标记不再与艺术家的手相连，而是与信息时代的媒体和图像层相连。

▲ 多萝西娅·兰格《移民母亲》 1936

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