常青画廊即将参加2023年ART SHENZHEN艺术深圳 | 展位 A03

劳瑞斯·切克尼（Loris Cecchini）生于1969年的意大利米兰，目前在柏林和米兰生活工作。在劳瑞斯·切克尼的作品中，摄影、绘画、雕塑和装置相结合，形成了统一的美学理念。切克尼的作品既归功于他对多种媒体的专业知识，也归功于他不倦的好奇心。在他的作品中出现的主题包括多种拼贴的和细节化的建筑模型、橡胶中的物体、重塑的大篷车和树屋、结构扭曲的空间以及棱镜、透明的封面和表面。切克尼作品的核心是对空间性的全新解读：物理空间被解释为生物的、有机的，和具有生命力的东西，但同时也是理性结构的、机械生产的、完美人造的，但又被赋予了有机结构的功能。

他的作品一直活跃在国际艺术舞台上，艺术家的众多个展也在多个富有声誉的艺术机构中展出，其中包括《2020》，松美术馆，北京，中国（2020）；《不可言喻的园丁》，常青画廊，圣吉米那诺，意大利（2018）；《水骨》，德国商馆，威尼斯，意大利（2017）；《情感图谱和其他微观逻辑》，莱拉海勒画廊，纽约（2015）；《模块和模型》，阿多诺珀默多罗基金会，米兰，意大利（2014）；《劳瑞斯·切克尼》Saint-Etienne都市现代艺术博物馆，法国（2010）；《点和圈》，路易基佩西当代艺术中心，普拉托，意大利（2009）；《空荡的墙壁，只有门》，东京宫，巴黎，法国（2007）；《万里无云》，纽约现代美术馆PS1当代艺术中心、巴黎东京宫、上海多伦美术馆、北京常青画廊（2006）；《航行者》，Quarter Centro Produzione Arte，佛罗伦萨，意大利（2004）；《演出地点》，海德堡艺术博物馆，德国（2001）；《劳瑞斯·切克尼》，加利西亚当代艺术中心，圣地亚哥德孔波斯特拉，西班牙（2000）等。

劳瑞斯·切克尼也曾参加多个国际重大艺术展会，包括第57，56，51，和 49 届威尼斯双年展；第6和第9届上海双年展；第15和13届罗马四年展；台北的台湾双年展；西班牙的瓦兰西亚双年展；以及第12届卡拉拉国际雕塑双年展。

艺术家劳瑞斯·切克尼也参与全球范围内的群展，这些群展的主办方包括德国科隆的路德维格美术馆，意大利米兰的PAC美术馆，威尼斯芳图尼宫，罗马的Macro Future中心，罗维雷拓的MART，罗马的展览会宫，英国伦敦的黑沃德画廊，俄罗斯莫斯科的当代文化车库中心，法国里昂的当代艺术博物馆，中国上海的MOCA，德国柏林的德意志银行艺术廊等。

艺术家创造了各种固定的和因地点而变的装置作品。这其中最著名的几件作品位于皮斯托亚塞莱尔别墅和位于佛罗伦萨郊区的斯特欧兹宫殿，比利时布鲁塞尔的波哥候塞基金会，以及美国克利夫兰临床艺术和医药学院，法国马赛的Les Terrasses Du Port，和韩国首尔的Shinsegae Hanam Starfield中心。

其公共作品包括：《民主的象征》（La Democracia del Símbolo），这件作品是对布宜诺斯艾利斯市的方尖碑和拉丁美洲艺术博物馆进行的一次联合干预，在2015年吸引了整个城市的眼球；《融化的房子》（Maison Fond）标志着在巴黎召开的联合国气候大会，并在巴黎北站长期展出（巴黎不眠夜，2015年）；著名的装置作品《建筑》（Bâtiment ）已经在全球各地再造并展出（法国、英国、澳大利亚、日本、阿根廷、乌克兰、奥地利）；2018年，受国际奥委会委托创作了《球赛》（Ball Game），以纪念在布宜诺斯艾利斯举办的夏季青年奥林匹克运动会。《反射港湾》（Port of Reflections）曾在韩国首尔国立现代美术馆（2014年）、布宜诺斯艾利斯的特雷斯德费布雷罗国立大学博物馆（2016年）和纽约纽伯格艺术博物馆（2017年）展出。《重写本》（Palimpsest）在日本越后妻有艺术三年展上长期展出（2018年）。

埃利希曾获得诸多奖项，包括罗伊·纽伯格展览奖（纽约，2017年），马塞尔·杜尚奖提名（巴黎，2006年），联合国教科文组织奖（伊斯坦布尔，2001年），莱昂纳多奖（国家艺术博物馆，布宜诺斯艾利斯，2000年），国家艺术基金会奖（布宜诺斯艾利斯，1992年）。

安东尼·葛姆雷不断地尝试与身体和空间之间进行对话。艺术家最初使用石膏模型，通过3D建模，推动和扩大其形状，以此来试验身体形式。凭借更多的几何形状，艺术家向抽象的边缘发展出一个新的方向，尽管大多数时候，一个特定的视角会以一种合成的方法来揭示身体的形状或形式。通过抽象 化身体，雕塑的存在增强了与空间的对话，使无形的东西更加具体，仿佛可以触摸到。

艺术家通过使用自己的与身体相关的视觉语言，其艺术作品在某种程度上就像针灸，他们不占据、占有或控制空间，而是激活空间，使其更有活力。他们的存在不再关于空间物化身体，而是身体代表网格或它周围空间的振动。通过雕塑使无形的空间可视化，而不是基于空间而建立的雕塑。尽管我们无法辨 别它，但身体仍然在这里，通过这样做，为空间表达其感觉领域铺平了道路。

▲ 安东尼·葛姆雷 (Antony Gormley)《细脸》SMALL FACE, 2022, 铸铁, 90.3 x 22.5 x 20 厘米, 版数：独版, ©️艺术家与常青画廊

安尼施 • 卡普尔（Anish Kapoor）1954年出生于印度孟买，是他同代里最具有影响力的雕塑家之一。特纳奖得主的他，结合简单的材料、几何形状和有机形式，创造了优雅的雕塑。在20世纪80年代以石灰石和其他自然材料的生物形态雕塑首次建立起自己的声誉后，卡普尔开始在大型作品中探索 “虚无”的主题，一些作品有明确的内部和外部，另一些则明确划分了空的空间。艺术家的作品在存在和有形，与空缺和无形之间沉淀出一种强有力的对话。它们还表现了卡普尔的极简主义方法，甚至也应用在大型装置中：它们既不是机器制造的，也没有显示出艺术家的笔触，就只是作为一个艺术事实来呈现。

卡普尔的艺术辩证法通过绝妙的艺术作品具化出来，其精神在每个观众身上都能找到微妙不同的本体反应。对卡普尔来说，对某种精神的认知是他创作过程的关键，艺术已经承担了一种几乎宗教性的目的。在一个见证了对传统信仰体系普遍幻灭的时代，安尼施·卡普尔为“空”赋予了特性，并以此创造了具有无限潜能的灵性作品。他的作品像是观众无法回避或逃避的磁铁，亦如同物理学中的黑洞，一旦你遇见卡普尔的作品，你甚至在还未意识到之前，就已沉浸在其艺术的“事件视界”中。

卡普尔举办的重要个展包括：威尼斯美术学院陈列馆，意大利威尼斯（2022)；绘画个展，牛津牛津现代艺术博物馆，英国 (2021)；中央美术学院美术馆 & 太庙美术馆，北京 (2019)；塞拉维斯博物馆个展，葡萄牙波尔图（2018）；“下降”，公共艺术基金，布鲁克林大桥公园码头1号，美国纽约（2017）；“山”，Beelden aan Zee博物馆,荷兰斯海弗宁恩（2016）; "凡尔赛"，凡尔赛宫，法国巴黎（2015）；Regen 项目，美国洛杉矶（2015）; "卡普尔在柏林"，Martin Gropius Bau，德国柏林（2013）；澳大利亚当代美术馆，澳大利亚悉尼（2012）；Leeum三星美术馆个展，韩国首尔（2012）; "升华"，圣乔治马焦雷教堂，意大利威尼斯（2011）; "利维坦，不朽的2011"，大皇宫，法国巴黎（2011）；古根海姆现当代艺术馆个展，西班牙毕尔巴（2010）等。

莫塔兹·纳塞尔（Moataz Nasr）1961年出生于埃及亚历山大港，现于开罗生活和工作。他致力于探索传统和新的全球主义，质疑非洲的地缘政治和社会发展。纳塞尔的艺术实践是一种包含了艺术、社会学、苏非主义和历史的工具和语言，旨在鼓励跨越地理边界的对话。他曾被埃及文化部和埃及最高艺术委员会选中，于 2017 年代表埃及参加了第 57 届威尼斯双年展。

他近期的个展包括：“莫塔兹·纳塞尔/ 隐藏的风景”，挪威奥斯陆阿克斯胡斯堡（2012年）；“长颈鹿之旅”，意大利圣克鲁斯苏拉诺帕奇亚尼别墅展览中心（2013年）；“和声”，意大利比萨SMS现代艺术展览中心（2013）；“神曲：天堂，炼狱与地狱——当代非洲艺术家的重温”，美国华盛顿史密森尼国家非洲美术馆（2015年）；“阈限空间”，意大利蒙特堡（2019）。他最近的群展包括：“所见的是我的土地”，意大利罗马当代艺术博物馆（2013年）；“时间感–非洲视频与影像艺术”，LACMA洛杉矶省立美术馆（2015年），美国华盛顿史密森尼国家非洲艺术博物馆（2016年，2017年）；“大都会–非洲首都”，法国巴黎维莱特（2017）；“意大利再见”，法国巴黎国立移民博物馆（2017年）；“阿布扎比艺术–超越”，阿联酋阿布扎比Al Jahili 堡（2018年）；“幸福的结构”，俄罗斯莫斯科车库当代美术馆（2018）。莫塔兹·纳塞尔赢得了诸多奖项，包括第八届开罗双年展大奖（2001年）和第七届沙迦双年展大奖（2005年）。他在世界各地参加过展览：首尔双年展（2004年）；圣保罗双年展（2004年）；横滨三年展（2005年）；加那利群岛双年展（2008）；卢本巴希双年展（2010）；塞萨洛尼基双年展（2011）；恰纳卡莱双年展（2012）；波哥大双年展（2013年）；第五十届威尼斯双年展（2003）；第25届圣保罗双年展（2004年）和多次达喀尔双年展（2004年，2012年，2016年）。2017年，他被选为代表埃及参加第57届威尼斯双年展的艺术家。在2018年，他受邀参加了中国银川双年展以及亚美尼亚亚里万的国际当代艺术展（ICAE2018）。同年，他还应邀在艾因市的历史景点创作特定场域的作品，这是《2018阿布扎比艺术–超越》的一部分。在2019年，他参加了哈瓦那双年展。

▲ 莫塔兹·纳塞尔 (Moataz Nasr)《光上阴影》Light over Shadows, 2012, 动物皮, 直径：86 厘米, 版数：Ed. 3 + 1 AP, ©️艺术家与常青画廊

乔瓦尼·欧祖拉（Giovanni Ozzola）于1982年出生于意大利佛罗伦萨，现工作和生活于加那利群岛。欧祖拉是一名跨媒介艺术家，以摄影为主要领域，同时也进行影像及雕塑装置创作。欧祖拉的作品表现着光学现象的微妙情绪与物理表征，其主要研究方向为对 “无限”和“探索〞进行概念化呈现——既是地理学层面的，也是自省的。

其艺术生涯始于2001年参加的群展“幸福：艺术和生活的生存指南”，该展于日本东京的森美术馆举行，由大卫·艾略特与皮耶尔·路易吉·塔吉策展；此后欧祖拉开始在全球范围内展出。2017年他的个展包括：在柏林“无题协会”进行的“残骸与有星星的房间”；在意大利比萨San Michele Degli Scalzi教堂当代艺术中心中举办的“视觉系统/现实系统”；在南非开普敦第六区博物馆返乡中心与斯泰伦博斯SMAC画廊举办的“漫无目的”；及同在SMAC画廊举办的“伤痕”。

欧祖拉还曾参与2016年阿布扎比艺术节中由法布里斯·布斯托策展的“重生”，以及由戴维德·费里在意大利弗利马科里尼画廊所策展览“云的理论”。他参与的群展包括还包括“21，39”吉达艺术节展览“地球及其之后”，以及在常青画廊古巴空间举办的“你+我=我们”。其个展包括2011年由路德维科·普拉泰西在意大利佩萨罗Pescheria视觉艺术中心策展的“沉船”，常青画廊圣吉米那诺空间个展“路径与星辰”，2012年意大利巴里Doppelganger画廊个展“沉船供给仓：41° 7’ 31’’ N 16° 52’ 0’’ E——感伤情怀”，以及2013年常青画廊北京空间个展“彗星论”。

米开朗基罗·皮斯特莱托（Michelangelo Pistoletto），1933 年生于意大利比耶拉。自1955 年开始其作品陆续展出，后于1960年在意大利都灵的加拉泰亚画廊举办首场个展，早期实践致力于画像的探索。1961年⾄1962年间，他创作了最早的组“镜画”作品，将观者本⾝与实时现场纳入其中，带回被20世纪前卫艺术所摒弃的文艺复兴透视法，并将其逆转。此作品很快令这位艺术家蜚声国际，并于60年代在欧美重要画廊与博物馆举办诸多个展。“镜画”系列也成为其艺术创作于理论思想的基石。1965年至1966年间，他创作了一组名为《迷你物品》的作品，被视为“贫穷艺术”运动的奠基之作，皮斯特莱托也成为这一运动的核心力量与领军人物。1967年起，他的工作开始跳出传统展览空间，在此后的数十年间，他不断将来自不同领域与社会各界的艺术家聚合到一起进行“创造性合作”。

1975年至1976年，其作品《空间》分为12个连续的展览，在都灵的斯坦画廊进行——这是其一系列为时一年，以“时间大陆”为名之作品的首部曲。该系列还包括《白色之年》（1989年）和《快乐的海龟》（1992年）。1978年，在都灵的一场展览确定了皮斯特莱托未来创作的两个方向：《镜子的划分与倍增》与《艺术承载信仰》。八十年代初期，他完成了一系列硬聚氨酯雕塑创作，并在1984年于佛罗伦萨美景堡所举办的个展中以大理石呈现。1985年至1989年间，皮斯特莱托创作了一系列“黑暗”作品，名为《肮脏的艺术》。

九十年代，通过“公共艺术计划”，以及创建于比耶拉的艺术城市-皮斯特莱托基金会和理念大学，他将艺术与社会各领域积极地联系起来，旨在激起与制造“有责任的社会变化”。2003年，他获得威尼斯双年展金狮奖终生成就奖。2004年，都灵大学授予皮斯特莱托政治学荣誉博士学位。值此时机，他也宣布了自己最新创作阶段，“第三天堂”。2007年，由于“作为一名艺术家、教育家和社会活动家，他将源源不断的创造力贡献给艺术，创造出给世界带来全新理解方式的、划时代的艺术形式”，皮斯特莱托在耶路撒冷获颁沃尔夫艺术奖。2010年，其文章《第三天堂》以意大利语、英语、法语和德语四种语言出版。

2011年，他出任波尔多Evento 2011双年展“艺术与城市再演进”的艺术总监一职。2012年，他开始致力宣传“重生日”，这一首个庆祝重生的日子定为每年的12月21日，迎来世界各地的特别活动。2013年，巴黎卢浮宫举办其个展“米开朗基罗·皮斯特莱托：一年——世间天堂”。同年，他在东京获颁“高松宫殿下纪念世界文化奖”的绘画奖。2014年，在意大利当任欧盟轮值主席国期间，其“第三天堂”的标志符号进入了布鲁塞尔欧盟总部的大厅。2015年5月，他被授予古巴哈瓦那艺术大学的荣誉博士。同年他完成大型装置《重生》，立于联合国驻日内瓦总部万国宫。2016年，位于哈瓦那的古巴国家美术馆举办皮斯特莱托大型回顾展，展出从60年代的绘画，到最新的《第三天堂》，再到完成于2015年的古巴“镜画”，横跨其创作生涯的多个维度。

2017年，其个展“米开朗基罗·皮斯特莱托：壹加壹等于三”作为威尼斯双年展平行项目展，在圣乔治马焦雷教堂亮相。2018 年是值得纪念的一年:皮斯特莱托在整个南美进行了 一次了不起的巡展，在此期间他还在利马和智利圣地亚哥举办了两场重要展览。2019 年 6 月， 南美双年展特别为皮斯特莱托举办了“Circuito Pistoletto”，这场广泛的展览一直持续到2020 年 3 月，涉及意大利使馆、MUNTREF(前移民酒店和当代艺术中心)，贝尼托·昆奎拉博物馆等。2022年11月，阿联酋卢浮宫阿布扎比博物馆于成立5周年之际盛情邀请皮斯特莱托于馆内举办个展。

邱志杰是中国最具影响力的艺术家之一，如今他的地图系列作品受到广泛赞誉，艺术家通过地图探讨了重要的历史和社会议题，这些地图可以将时间转化为地理，并将地理转化为时间。邱志杰经历了过去几十年来中国社会的迅速发展，它向经济和文化全球化敞开了大门。邱志杰借鉴了从书法到手工艺的某些传统，并将这些传统带入当下，它们没有被视为新时代的牺牲者，而是成为兼具艺术家、教师、策展人、知识分子多重身份的邱志杰用于解释当下情形的思维体系。

1994年邱志杰来到北京，并开始了当代艺术家的职业生涯，那时他经常居住在郊区的农村，并举办地下展览。十年前开始主要专注于水墨及书法的创作。虽然邱志杰在国美主要研习的是版画，他自幼接触的却是中国传统绘画与书法，并将笔墨作为其最直接的思考和创作工具。他的水墨画便成为了其装置和策展工作的日志、思维导图和蓝图。邱志杰将当代主题、新的表现手法及展示方式融入到水墨创作之中。他希望能够复兴古代文人的传统，即博学多闻者观察天地万物并通过艺术创作来表达对社会的见解和感受。

邱志杰举办的重要个展包括：《邱志杰》，塔尔博特·莱斯画廊，爱丁堡大学，英国（2022）；《讲演》，北京常青画廊（2020）；《邱志杰——寰宇全图》，尤伦斯当代艺术中心（UCCA），中国北京（2018）；《和时间赛跑》, 常青画廊，圣吉米尼亚诺，意大利（2016）；《上元灯彩图 注解版》，中国美术学院美术馆，中国杭州（2015）；《邱志杰：个展》，汉雅轩画廊，巴塞尔艺术展，瑞士（2014）；《能量》，时代广场，中国香港（2011）；《南京长江大桥自杀现象干预计划之四—偶像的黄昏》，世界文化宫，德国柏林（2009）；《关于新生活》，中央美术学院博物馆，中国杭州（1992）等。

他的重要收藏包括：美国斯坦福大学康特艺术中心，法国巴黎DSL收藏，广州的广东美术馆，纽约的古根海姆美术馆，香港美术馆，西班牙瓦伦西亚现代美术馆，纽约国际摄影中心，美国伯灵顿的明德学院美术馆，英国爱丁堡的苏格兰国立美术馆，新加坡国立美术馆，澳大利亚昆士兰美术馆，美国迈阿密的卢比尔家族收藏，美国芝加哥大学Smart艺术博物馆，北京尤伦斯当代艺术中心，广州美国大使馆等。

纳里·瓦尔德（Nari Ward）于1963年出生于牙买加的圣安德鲁，目前生活和工作于纽约。瓦尔德是美国黑人文化传统最具代表性的发言人之一，他的作品构成了该传统的一部分。在十二岁时，他离开牙买加前往美国，一开始住在布鲁克林，然后是新泽西州，最终是曼哈顿的哈莱姆区。从九十年代初开始，他利用日常材料、废弃品和二手消费品制作大型的装置和雕塑，逐渐发展其艺术实践。

瓦尔德的个展曾在多个机构举办过个展：波士顿当代艺术学院（2017年）；纽约苏格拉底雕塑公园（2017年）；费城巴恩斯基金会（2016年）；美国佐治亚州萨凡纳艺术与设计学院美术馆（2015年）；迈阿密佩雷斯美术馆（2015年）；洛杉矶路易斯安那州立大学美术馆（2014）；美国北亚当斯马萨诸塞州当代美术馆（2011年）；费城布料工作室和博物馆（2011年）；波士顿伊莎贝拉·斯图尔特·加德纳博物馆（2002年）和明尼苏达州沃克艺术中心（2001年，2000年）。他最重要的群展包括：“像我们这样的物件”，康涅狄格州奥尔德里奇当代美术馆（2018年）; “上城区：讨厌的女人/ 坏女人”，纽约Barrio博物馆（2017年）; “伟大的母亲”，米兰Nicola Trussardi基金会（2015年）；“黑色：颜色、材料和概念”，纽约哈莱姆工作室博物馆（2015年）；“自由原则：1965年至今的艺术和音乐实验”，芝加哥当代艺术博物馆（2015年）; “NYC 1993：实验性喷气式飞机、垃圾和没有星星”，纽约新博物馆（2013年）；“思考虚空：古根海姆圆形大厅内的艺术干预”，纽约所罗门R.古根海姆博物馆（2010年）；纽约惠特尼双年展（2006年）; 德国卡塞尔第六届卡塞尔文献展（2003年）。

瓦尔德的作品被众多国际的公共和私人机构收藏，这些机构包括：纽约布鲁克林博物馆；马里兰州巴尔的摩艺术博物馆；伊斯坦布尔现代美术馆；纽约现代美术馆；肯塔基州路易斯维尔速度美术馆；北卡罗来纳州杜克大学纳希尔美术馆；明尼阿波利斯沃克艺术中心；迈阿密佩雷斯美术馆；纽约哈莱姆工作室博物馆和纽约惠特尼美术馆。他曾受联合国和世界卫生组织委托创作作品，也获得了许多荣誉和表彰，如：芝加哥乔伊斯基金会的乔伊斯奖（2015年）、美国罗马学院的罗马奖（2012年），以及来自美国艺术文学院、美国国家艺术基金会、纽约艺术基金会、约翰·西蒙·古根海姆基金会和波洛克-克拉斯纳基金会的奖项。