{{sindex}}/{{bigImglist.length}}

阿那亚艺术中心展览现场｜阿琳娜·查伊德洛夫、阿波斯托洛斯·乔治亚

{{newsData.publisher_name}} {{newsData.update_time}} 浏览：{{newsData.view_count}}

来源 | {{newsData.source}} 作者 | {{newsData.author}}

阿那亚艺术中心荣幸呈现瑞典艺术家阿琳娜·查伊德洛夫（Alina Chaiderov）在中国的首次个展，包括两件全新委任创作的雕塑作品《存在之核（Core of Existence）》和《遁入浩瀚（Into Vastness）》，以及一系列摄影作品。查伊德洛夫总是选择处理最为简单的材料，并在其物理特性和心理意义之间进行互文的游戏。艺术家出生于前苏联，于20世纪80年代末随家人搬至瑞典，她将集体经验、个体经历，尤其是对自我身体和潜意识的体察和感受杂糅在作品中，探讨物质、时间、记忆和空间等基础命题。展览将持续至2023年10月15日。

7根抛光铜管由支架托起，营造出即将起飞的动势。透过标题的提示，激发了观众对“它将飞往何处”的想象。作品中，铜管材料本身被直接地展示并强调出来。铜是查伊德洛夫创作中最常使用的材料之一，对身为威尔森氏症患者的她而言，铜是极其危险甚至致命的元素，她每日必须小心控制含铜食物的摄入，故而这种材质在此被赋予了另一层更加个人化的意义。同时，艺术家认为铜管这种基建材料如血管一般隐藏在城市墙壁和地面之中，为这个更大的“身体”输送着能源。由此，作品以对材料最低限度的处理，从艺术家自己的身体出发，将我们的目光引向了更广泛的社会图景，甚至是对浩瀚宇宙的遐想之中。

构成这件作品的材料极为单纯，玻璃的脆弱性与金属的坚硬感形成对比。不锈钢弧形墙面之后，是一个由金属支架托起的玻璃雕塑，它呈现出精心吹制的环面形态。作为拉雅克·拉康（Jacques Marie Émile Lacan）使用的一个拓扑图形，它在拓扑学、数学和物理学中都有丰富的指向意义，甚至被推测为宇宙的一种可能结构。正如标题所示，它作为“存在之核”指向着物质及能量不断循环流转的本质。弧形墙的高度与查伊德洛夫的身高一致，这也暗示着艺术家身体的在场，正如她大多数作品一样，都有身体可见或不可见的参与。整个作品形态如同一个藏于体内的心脏，换言之，一个藏于表面之后的“内核”。

艺术家于2023年夏天在北京街头拍摄了这件作品，初次来到中国的她对一切新鲜事物充满兴趣，不断举起手机捕捉异国街头能与自身产生连接的元素，例如暴露的管道和杂乱的电缆，这些材料都曾出现在她的创作语汇之中。

此次展出的摄影作品均由手机拍摄，因为艺术家发现手机已经如同器官一般成为了当代身体的延展。她以这种方式敏锐地观察、及时地捕捉日常生活中的细微事物。除此之外，“身体”也从未在她的摄影中缺席，其中一些图像和静物让人联想到人的身体或器官，一些则调动起我们对某种身体感知的记忆，例如触觉和口感。这些作品无一不体现出了艺术家对材料极高的敏感度。

阿那亚艺术中心荣幸呈现希腊艺术家阿波斯托洛斯·乔治亚（Apostolos Georgiou）的同名个展，展出艺术家自2017年至2023年创作的近30件绘画和纸本作品。在如小品般荒诞诙谐的画面舞台之上，乔治亚以粗粝的笔触勾勒出一个个匿名的人物形象。这些人物既脱胎于艺术家自身，也象征着同时代的人类群体。“我就是一个普通人，与大家共享喜怒哀乐、欲望和恐惧”，艺术家解释道。这些人物似乎靠得很近，却又漠不关心彼此，只专注于自己的小世界，或疲惫、或滑稽地应付着生活。艺术家声称自己的作品是“失败的再现”，但这并非悲观主义者的表达，而是与观者分享“我也如此挫败过”。这些极具表演性的人物和画面仿佛是一种象征，揭示了当代人际关系的疏离和个体存在的困境。展览将持续至2023年10月15日。

这件形似屏风的多联绘画，以小岛的乡野景观为中心，周围的画面犹如四格漫画，呈现了一个滑稽人物的动作“分镜图”。家畜和风景，西装革履的男子和跪地的动作，似乎是相互孤立的片段，两种情景之间缺乏明显的逻辑关系，令人费解的同时也引发观众用奇妙的想象将二者联系起来。乔治亚的画作常常通过巧妙的并置手法，创造出小品般的诙谐场景和荒诞的叙事。

艺术家在此定格了一个戏剧性的瞬间，描绘出一个似乎有些慌乱局促的搬家场面，并将其发展为一个可能有些荒诞的故事。画面里的每一个人物，包括衣着正式的男女主人都沉浸在自己的“角色设定”中，即便被模糊了表情，强烈的肢体语言依然充满张力。

画面顶部的黑色背景，呈现出一个抽象的空间，营造出了戏剧化的氛围，让观众猜想这一切可能都是舞台上的置景和表演。乔治亚常常通过描绘日常居住空间中的场景，虚构出诙谐的情节，以此提醒我们现实的荒诞。画作中的情境和行为会随着长久的观看逐渐变得“合理”，我们也得以回想并重新审视自己的日常生活。

礁石、海滩、鱼和捕鱼的人是岛屿生活的常态，也是乔治亚创作中最常出现的元素。他将这些司空见惯的意象视为自己绘画实践的“参与者”以及表达情绪的媒介。但艺术家强调自己的创作并非再现日常生活，而是将日常生活中的“想法”和“浮想”可视化。画面中二人所怀抱的渔获，丰厚得不切实际，将我们再次引入虚构之中，也让人好奇他们对话的内容。艺术家通过这件作品唤了起我们对日常片段的重新关注和想象。

正在阅读和游泳的人物，停在礁石旁的汽车，构成了一幕悠闲静谧的小岛生活片段。整体低饱和度的画面色彩中，天空与海水由同一片没有分界的灰色所表示，汽车与礁石的位置关系也不符合透视常理。脱离现实的画面构图产生了简洁又强烈的对比效果，将观众带入多层次的景象之中。除此之外，人物后方一块神秘的蓝灰色方格尤其容易引起我们的注意。乔治亚的创作内核忠于“抽象”，但他摒弃运用大面积的抽象元素例如图形或线条来表现抽象，而是强调绘画本身的“构成”。对于他来说，每一件绘画都是“抽象”的。

乔治亚十分擅长大面积地使用灰色调，并在其中做出丰富的明暗和色相区分。这幅作品中大面积的灰色衬托出一黄一蓝两幅互为补色的肖像。这两幅“证件照”式的男性肖像画被随意地放置在书架上，他们五官模糊，情绪和身份不明。乔治亚常常在作品中描绘匿名人物，他们如同时代缩影一般，可以指向任何一个普通男性。他也借此赋予了部分观众既是观看者又是描绘对象的双重身份，试图以这种诙谐的方式请观众新审视自我。

“画中画”的结构在这幅作品中创造出特殊的视觉效果，帕特农神庙的形象被巧妙地嵌入其中。乔治亚认为作为当代希腊人，以及一位当代艺术家，面对深远的文化遗产之重时，总是难以把握。他没有直接描绘遗迹，而是借用了一个他创作中的典型角色，使其将一幅再现遗迹的画作挂起，或是拆下。他隐晦地表达出一种态度：向经典发问，并引发我们思考作为当代人应该如何看待并与历史互动。

乔治亚在创作中鲜少创造醒目的颜色对比，他常使用一些低饱和度的黄褐色平涂背景，令人联想到希腊的阳光和土地。正如艺术家本人所说：“希腊的光线如此明亮，以至于在我们的视线中抹去了一些色彩。”

图1-10 - 现场图，“阿琳娜·查伊德洛夫 ”，

阿那亚艺术中心，摄影：孙诗

图11-12，图14-27 - 现场图，“阿波斯托洛斯·乔治亚”，

阿那亚艺术中心，摄影：孙诗

图13 - 摄影：在野，后期：Alessandro Wang

阿那亚艺术中心坐落于黄金海岸社区，由如恩建筑设计研究室[Neri&Hu]主持设计。其岩石般坚韧的外表——厚重的体量、漆黑的立面、不同纹理的混凝土墙砖；流动的内在——连接圆形剧场与展厅而螺旋上升的阶梯，包含着“夏季蔚蓝宁静；冬季凝冰于面”的自然意趣，为观展者提供独特的视觉体验。

内部设计打破了艺术空间与公共空间的固有定义，使得它不仅仅作为艺术的展示，同时成为一个社区分享和聚集的场所。作为海边社区重要的艺术与精神活动地标，阿那亚艺术中心致力于为大家呈现学术性展览、公共项目、艺术沙龙、工坊等前沿艺术文化内容。

作为阿那亚精神建筑之一，也是阿那亚文化艺术内容的重要承载空间。自2019年5月开馆以来，阿那亚艺术中心与国内外知名艺术机构、策展人、艺术家开展紧密合作，持续输出高质量展览。曾举办群展《色彩之后》、《度日》、《练习曲Études》、《目之所及》、《当且仅当，狂风卷起巨浪》以及艺术家Anselm Reyle、刘昕、Sylvie Fleury和陶辉的个展。

自2019年至今，空间及展览访客已超二十万人次。阿那亚艺术中心致力于为阿那亚社区及访客带来优质的内容，营造良好的艺术氛围，为周边城市包括北京带来持续的影响力，打造文化艺术的先锋地标。