“滑动”系列（Slides，1979 年）是一组简洁的纸上作品，结合了罗伯特·劳森伯格在 20 世纪 70 年代所关注的主要理念和技术。从70年代中期开始，他重新审视自己对利用转印技术从大众媒体（以及他自己的黑白摄影作品）中组合摄影图像的持续兴趣。在“扩散”（Spreads，1975-83 年）等主要系列中，他创作了表现当代生活喧嚣本质的密集拼贴画，而“霜冻”系列（Hoarfrost，1974-76 年）则标志着他对溶剂转印技术的早期尝试。

《热带保修单（滑动）》，1979 年

纸上溶剂转印和织物

152.4 x 101.6 厘米（60 x 40 英寸）

为了创作“滑动”系列，劳森伯格摒弃常见于其他系列中的木板和画布支撑，转而在纸上创作大量作品。他使用溶剂将杂志和报纸上的图像转印到预先排列好的布条上。这里的“滑动”即是指图像转印完成后，艺术家在将织带固定在纸面之前对其进行的垂直“滑动”。由此，劳森伯格创造出意想不到的构图，将自然世界的图像与商品和工业生产的图像并置，表达他对媒体泛滥时代的当代感知模式的印象，并得出结论：“多重干扰是唯一的恒常”。

唐纳德·贾德

Donald Judd

《无题》，1989 年

彩绘铝

30 x 90 x 30 厘米（11.81 x 35.43 x 11.81 英寸）

唐纳德·贾德在 20 世纪 60 年代初放弃传统的绘画技巧，转而创作“三维作品”，他认为“实际空间在本质上比平面上的颜料更有力、更具体”。创作于 1989 年的《无题》是贾德多彩作品的代表作。这是他在 1984 年发现一种工业工艺后创作的系列作品，这种工艺可以为弯曲的铝薄片裹上珐琅。艺术家在 1993 年写道：“在铝板作品中，我想使用比以前更多、更丰富的鲜艳色彩。” 提到由单独上色的几何形状构成的构图——它们的色调来自劳尔经典色彩图表——他继续说：“我希望所有的颜色都能同时出现。我不希望它们混合。我想要的是一种前所未有的多重性。”

唐纳德·贾德近10年来首次在韩国的个展将于9月4日在Thaddaeus Ropac首尔空间开幕，展期至 2023 年 10 月 20 日。

丹尼尔·里希特

Daniel Richter

《亚伯，亚伯》， 2023年

布面油画

230 x 170 厘米（90.55 x 66.93 英寸）

自 2015 年以来，丹尼尔·里希特一直运用他富有创造力的绘画方法探索身体变形的概念。正如《亚伯，亚伯》（Aber, Aber，2023 年）所反映的，他打破背景与前景、主体与客体之间的构图差异。艺术家在画布上运用各种绘画技巧，既是对线条和色彩的形式实验，也是对形象的研究。作品中，里希特将边缘柔和、色彩丰富的颜料涂抹与轮廓鲜明的橙色、红色、蓝色和白色笔触相结合。在勾勒构图之前，他首先绘制色域，通过色彩的直接使用而非线条来构建画作。里希特解释道：“作品更注重表现系统的问题，而不是把身体描绘成肉体生物。” 《亚伯，亚伯》中的生物形态通过艺术家大胆的色调和动态的笔触迸发出活力，对人类的复杂处境和艺术创作的本质进行有力的反思。

丹尼尔·里希特的新作将于 2023 年 10 月 10 日至 12 月 1 日在Thaddaeus Ropac画廊伦敦空间展出。

乔治·巴塞利兹

Georg Baselitz

《来自迪纳尔的蓝》, 2023年

布面油画

250 x 200 厘米（98.43 x 78.74 英寸）

在这幅创作于2023年的裸体画《来自迪纳尔的蓝》（Blau von Dinard）中，乔治·巴塞利兹采用他近年开发的单色印刷技术。他先将构图绘制在一块未拉伸的画布上，在画布未干时将第二块画布压在上面，形成镜像效果。然后用画笔轻轻勾勒出黑色轮廓。这种转印技术使肉色颜料呈现出富有表现力的空灵质感。艺术评论家格哈德·麦克（Gerhard Mack）评论道：“颜色变得透明”，人物形象“几乎漂浮、多孔”。这种视觉效果体现巴塞利兹在描绘妻子埃尔克时的敏感性——自 1969 年首次描绘她以来，埃尔克一直是他创作的主题。

为庆祝乔治·巴塞利兹的85岁生日，世界各地的众多美术馆和艺术机构于2023年专门为他的广泛创作举办了侧重不同的展览，包括维也纳阿尔伯蒂那博物馆的纸上作品大型个展，展期至2023年9月17日。

亚历克斯·卡茨

Alex Katz

《紫色分裂 7》，2023年

油彩、亚麻布

152.4 x 213.4 厘米 (60 x 84 英寸)

这幅画属于亚历克斯·卡茨的新系列画作“紫色分裂”，既体现了他对重复模式的形式兴趣，也体现了自其最早的肖像画以来一直贯穿其作品的电影特质。我喜欢电影，"卡茨在自传中写道。我喜欢广角银幕的使用方式，喜欢矩形被打破的方式。在《紫色分裂 7》（2023 年）中，剪裁的构图和被放大的女性面部细节借鉴了好莱坞电影中的电影美学。卡茨说：“人们用观看电影和杂志图片训练出来的眼睛观看我的画作，我希望由此改变人们看待事物的方式，这也是构建我的画作的关键。”

在《紫色裂痕》肖像画中，卡兹所画的艾莉尔的脸在每幅画中重复出现两三次，表情总是有微妙的变化。他将自己定义为“即刻的当下”的画家，通过作品的三方构图，他捕捉到了运动中的主题的本质。

亚历克斯·卡兹的大型个展目前正在瓦塞纳尔的福尔林登博物馆（Museum Voorlinden）展出中，展期至 2023 年 10 月 1 日。

安东尼·葛姆雷

Antony Gormley

《春天》, 2022年

铸铁

141.7 x 67 x 60.1 厘米

（55.79 x 26.38 x 23.66 英寸）

铸铁雕塑《春天》创作于 2022 年，来自安东尼·葛姆雷的“绳结作品”系列（Knotworks ，2021-22 年）。“绳结作品”表达他对生活身体体验的浓厚兴趣，艺术家将其描述为“身体空间的三维映射”。在形式上，该系列建立以“铸线”系列（2020-22 年）为基础，后者由多条单独的开放线条构成，类似“探索人体内部体积的伦敦地铁路线图”。“绳结作品”的特点则是将这些线条集中成“结”，艺术家将其理解为“识别头部、心脏、胃部、生殖器和膝盖的张力区域，唤起身体内部时间的感受”。

安东尼·葛姆雷的重要作品将于 2023 年 10 月 17 日至 2024 年 3 月 3 日在巴黎罗丹博物馆展出。艺术家个展“有生之时”正在山东青岛西海美术馆展出，展期至 2023 年 12 月 10 日。

托尼·克拉格

Tony Cragg

《无题》, 2022年

不锈钢

95 x 27 x 27 厘米（37.4 x 10.63 x 10.63 英寸）

托尼·克拉格自诩为“激进的材料主义者”，用他自己的话说，他对“材料的内部结构导致的外观”深感兴趣。克拉格早期的雕塑作品由现成品的堆砌而成，近期的作品则采用更为传统的雕塑材料，如木材、青铜和钢材。《无题》（2022 年）由反光不锈钢制成，其表面因周围环境的变化呈现出瞬息万变的质感。其生物形态似乎违背地心引力，展现充满未来主义的有机外观。艺术家透过作品发问：“物质是什么？是什么承载着材料的形态和外观？我追随着这些形状，决定让它保持开放。”

托尼·克拉格的大型个展目前正在波兰托伦的兹纳基·查苏当代艺术中心举行，展期持续至 2023 年 9 月 10 日；而艺术家首次在挪威举办的重要回顾展则在耶夫纳克的基斯特福斯博物馆展出，展期至2023年10月15日。

李昢

Lee Bul

《遗失 CLXXIX》, 2023年

珍珠母、丙烯酸、木质底板、钢架

160 x 110 x 6 厘米（62.99 x 43.31 x 2.36 英寸）

李昢的“遗失”（Perdu）系列通过每件作品中综合使用的多样材料和参考，将过去、现在和未来的时间性融合。术语“perdu”是一个古老的军事习语，用以描述被派往特别偏远和危险地点的哨兵，也可以在南北朝鲜持续冲突的背景下解读。为了创作“遗失”作品，李昢将深浅不同的丙烯颜料与石粉混合在一起。待干燥后，她用砂纸打磨，以营造大理石效果。底稿清晰的线条使用激光切割的泡沫结构保留在原位，直至作品的基底准备就绪，再用对比色填充沟槽。珍贵的珍珠母贝点缀整个画面，使作品表面在周围光线的照射下呈现出丰富而闪耀的效果。

李昢的个展将于 2023 年 9 月 23 日在坦佩雷的萨拉·希尔登艺术博物馆开幕，展期至 2024 年 1 月 14 日。

曼迪·埃尔-萨耶

Mandy El-Sayegh

《网格研究（热冬 II）》，2023 年

画布、乳胶、丙烯酸和聚合物

165 x 165 厘米（65 x 65 英寸）

曼迪·埃尔-萨耶的绘画习作是她进行实验的场所，也是她开发大型网格绘画特定方面的机会。在这里，她专注于包裹作品的线性结构以及涂抹在画布底层、糊状乳胶混合物之间的材料相互作用。这件作品中并没有通常构成其作品基础的图像和文字片段，因而呈现出非同寻常的抽象质感，凸显极简主义和抽象绘画对其创作的影响。同时，被红色渲染的乳胶具有皮肤般的半透明感，再加上手工丝网印刷网格的瘀伤般的蓝色，形成这幅令人印象深刻而具有身体感的绘画，正如艺术家所说的，“有血有肉”。

埃尔-萨耶的新作个展“内饰”于 2023 年 9 月1日在Thaddaeus Ropac画廊伦敦空间开幕。

汤姆·萨克斯

Tom Sachs

《格尔尼卡研究（马头）》

布面丙烯、Krink墨水

121.9 x 152.4 厘米（48 x 60 英寸）

创作于 2023 年的《格尔尼卡研究（马头）》体现了汤姆·萨克斯对艺术史的持久兴趣，这种兴趣最近促使他重新演绎毕加索的标志性作品。原画现藏于马德里索菲亚王后国家艺术中心博物馆，是毕加索的巨幅油画《格尔尼卡》（1937 年）的习作素描。一匹马向后仰着头，张开嘴巴发出令人心碎的尖叫。萨克斯用自己独特的绘画语言重新构思作品，标注了技术细节，包括作品的尺寸、标题和创作年份，并附上自己的名字和作品的创作日期。这些标记让人们注意到毕加索的画作作为艺术品的性质，而不仅仅是一幅图像，由此，萨克斯希望展示自己艺术作品的构建过程，并邀请观众审视自己与艺术史经典之作的关系。

阿尔瓦罗·巴林顿

Alvaro Barrington

《当鸽子飞行时》

混凝土、铅笔、纸板、橡木框架

180 x 180 x 14 厘米（70.87 x 70.87 x 5.51 英寸）

我一直在思考阿尔布雷希特·丢勒（Albrecht Dürer）。有一天，我听着Prince的《当鸽子哭泣》（When Doves Cry）时，我想到鸽子和它的表亲，它们‘几乎在每个城市都是我们的伴侣’，可以成为一件有趣的艺术品。鸽子已经成为许多事物的象征，从大型企业的清洁品牌到和平的理念。我想创作一幅美丽的画作，涵盖多样的想法，却不明确表达出来。

——阿尔瓦罗·巴林顿

对阿尔瓦罗·巴林顿而言，绘画是他每天的必修课，而鸽子则是他近期作品中反复出现的主题。作为一种跨文化的和平象征，鸽子在艺术史和不同文化中广泛存在。巴灵顿使用的材料也具有深刻的象征意义，他在水泥上用铅笔描绘鸽子——这与他早期的绘画经历密切相关，同时也让他回忆起童年时所见的布鲁克林的城市景观：“混凝土承载着童年的记忆，当街上在铺设人行道时，我们小孩子会把脚放进去，或者到处画画，那是我们最初开始绘画的场所之一。”

阿尔瓦罗·巴林顿的个展将于 2023 年 10 月在Thaddaeus Ropac 画廊巴黎庞坦空间开幕。

丽莎·露

Liza Lou

《网格研究（乘客）》，2023年

丙烯、油彩、拼贴、丝网印刷元素，画布

140 x 88 厘米（55.13 x 34.13 英寸）

丽莎·露的作品《魔鬼的眼泪》（2022 年）由方形珠片组成，上面涂有柔和的粉彩色调。每个方块的大小与普通的抹布相当，艺术家用锤子敲碎珠子，露出将它们连接在一起的错综复杂的线网。在与艺术家凯莉·梅·威姆斯的采访中，她表示：“如今，我正在揭开事物的层层面纱。”这些部件体现露对性别化劳动形式的持续兴趣，正如在早期装置作品《厨房》（1996年）的家庭环境中有所体现，当时她用多色珠子复制了“厨房”。这件作品来自“云”系列，从具象转向抽象，代表艺术家创作实践的重大发展，她从女性主义的视角出发，借鉴现代主义关于抽象的论述。她亦从参与极简主义传统的女艺术家的作品中汲取灵感，包括阿格尼丝·马丁（Agnes Martin）的格栅绘画和乔·贝尔（Jo Baer）以黑色和黄色线条为边框的白色绘画。

玛莎·荣格斯

Martha Jungwirth

《无题（双连画）》

选自 "弗朗西斯科·德·戈雅，沙丁鱼的葬礼”系列，2022 年

纸面油画，双联画

每幅：250.2 x 91 厘米（98.5 x 35.83 英寸）

近年来，玛莎·荣格斯对18 世纪末 19 世纪初西班牙知名画家弗朗西斯科·戈雅的作品备感兴趣。这幅双联画来自一组回应戈雅名画《沙丁鱼葬礼》（The Burial of the Sardine，约 1812-19 年）的作品，原作由马德里的圣费尔南多美术学院收藏。在荣格斯的自由笔触中，身着白裙的狂欢者翩翩起舞，呼应戈雅所描绘的庆典场景中的中心人物。荣格斯的作品介于抽象与具象之间，她捕捉到源图像的能量，并用自己独特的绘画风格和视觉语言对其重新想象。

继 2022 年在杜塞尔多夫美术馆举办大型回顾展之后，玛莎·荣格斯将于 2024 年 6 月在毕尔巴鄂古根海姆美术馆举办回顾展。

大卫·萨利

David Salle

《生命之树：牛仔的哀歌》，2022 年

亚麻布油彩、丙烯

142.2 x 106.7 厘米（56 x 42 英寸）

这幅作品来自大卫·萨利备受赞誉的“生命之树”系列，其中一棵充满活力的树将画面一分为二。该系列作品始于2019年，以彼得·阿诺（Peter Arno）为美国杂志《纽约客》创作的中世纪插图中的单色人物为主角。

萨利重新演绎阿诺的典型人物形象，牛仔和穿着晚礼服的女人的互动模棱两可，误解和不确定性由此而生，体现艺术家所描述的创作核心理念：“意义的延展性”。画面下半部分，树根向下伸展，以独特的绘画语言呈现，为萨利提供独立的空间，以更自由的笔触，将上方描绘的引人入胜的人类戏剧与他对绘画的思考并置。

罗伯特·隆戈

Robert Longo

《无题（喷气男孩）》，2023 年

装裱纸上的炭笔

139.7 x 101.6 厘米（55 x 40 英寸）

《无题（喷气男孩）》体现了罗伯特·隆戈对权力形象的持续探索，重温艺术家“英雄”系列的主题，其中他展示战斗机飞行员头盔的特写。隆戈将头盔的佩戴者匿名化，在深黑色的画面背景下，身体没有任何轮廓。观众的注意力由此被引导至头盔遮阳板上反射出的天空景观。滚动的云层在戏剧性的光线下呈现出波涛汹涌的景象，刻画出大气环境。隆戈采用自己标志性的写实主义风格，充分彰显他所描述的“媒介固有的亲密性” ，“我试图让画面慢下来，以激起观者对其全部力量的体验”。

罗伯特·梅普尔索普

Robert Mapplethorpe

《帕蒂·史密斯》，1979 年

银明胶打印

图像：35 x 35 厘米（13.78 x 13.78 英寸）

纸张：40.6 x 50.8 厘米（15.98 x 20 英寸）

我是他的第一个模特，这让我感到非常自豪。他为我拍摄的照片深深饱含着与影像密不可分的互爱和信任。

——帕蒂·史密斯

这张照片由罗伯特·梅普尔索普拍摄于 1979 年，捕捉到美国歌手、诗人、画家和作家帕蒂·史密斯沉思时的侧影。史密斯在梅普尔索普的镜头前显得轻松自如，传递出一种令人动容的脆弱感，证明两人在长期友谊中建立的亲密关系。史密斯来到纽约的第一天就遇到梅普尔索普，当时她 20 岁，梅普尔索普 21 岁。他们一见如故，很快就搬到知名的切尔西酒店，梅普尔索普也在那里开始摄影创作。史密斯成为他的模特和缪斯女神，他为她1973 年的诗集《维特》（Witt），以及专辑《马群》（Horses，1975 年）和《人生大梦》（Dream of Life，1988 年）拍摄了封面照片。

扎迪·车

Zadie Xa

《共生》，2021年

手工缝制、漂白和染色牛仔布、亚麻布油彩

165.1 x 109.9 厘米（65 x 43.25 英寸）

扎迪·车从她的韩裔加拿大人的背景中汲取灵感，不断探索混合和侨民身份、全球历史和民间传说的议题。作品《共生》（2021 年）刻画了一只九尾狐的形象，这是日本、韩国和中国神话中的一种精灵，已成为艺术家创作中反复出现的主题。九尾狐能变成美丽的女人，诱骗男人并吃掉他们的肝脏或心脏。作品中心的人物形象唤起狐狸的蜕变，其身后则跟着一个阴影般的生物。《共生》采用亚麻布油画的形式，艺术家在其上手工缝制牛仔布剪裁图案，体现典型的纺织品制作技术。这些技术已成为艺术家实践的核心，重新利用艺术史边缘的母系知识传播模式。

科里· 阿肯吉尔

Cory Arcangel

《~3.2022.057~2x1.2~E6》，2022年

阳极氧化金色铝板（BWB-Bausilber 2 E6）

200 x 120 x 0.6 cm (78.74 x 47.24 x 0.24 in)

15 年来，休闲服装的图像符号学一直渗透于科里·阿肯吉尔的作品中，体现他对商品和图像全球流通的思考。在全新壁挂金属作品系列“算术逻辑”（Alus，2022-23 年）中，他使用机器激光切割机，在铝制薄板上切割出从手机拍摄的运动服照片中提取的抽象形状。阿肯吉尔对这些图像的细节进行裁剪和放大，生成一系列线条、曲线和字母，使休闲装品牌的图案变得陌生，将快速时尚的图像转化为抽象绘画的视觉领域。为了向苹果的电脑产品线致敬，该系列作品以3种表面处理呈现：原始铝、粉末涂层铝和金质阳极化铝，后者被艺术家描述为“豪华版本”。

科里·阿肯吉尔的作品正在韩国现当代艺术博物馆的群展“游戏社会”（Game Society）展出，展期至2023年9月10日；以及在蓬皮杜-梅兹艺术中心举办的“世界建设：游戏与数字时代的艺术”（WORLDBUILDING: Gaming and Art in the Digital Age），展期至 2024 年 1 月 15 日。

伊米·科诺贝尔

Imi Knoebel

《爱之子·玛卡玛埃》，2022年

铜面丙烯

50.5 x 58 x 0.2 厘米（19.88 x 22.83 x 0.08 英寸）

“爱之子”（Love Child）系列由彩绘的异形金属作品组成，以伊米·科诺贝尔早期的作品“私生子”（Bastards）为基础，后者作品中他用金箔覆盖金属支撑物。艺术家试图用更具绘画性的语言对这些作品进行再创作，并将“爱之子”一词解释为对他早期标题的诗意演绎。该系列画作以其抽象的构图和非传统的色调为特征，与超验主义、极简艺术和色域绘画的传统相融合。《爱之子·玛卡玛埃》（2022 年）通过将钉子穿过铜质支撑物上的小孔悬挂在墙上，体现出一种自发性，仿佛是钉在软木板上的便签。

韩国展出