2016 年，严培明为埃贡·席勒（Egon Schiele）、杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）和弗里达·卡洛（Frida Kahlo）等知名文化人物创作了一系列童年肖像画。该系列作品充满纯真和怀旧的气息，与他所擅长的统治者肖像画以及他笔下人物日后所体现出的权威形成鲜明对比。严培明一直对描绘这些主题感兴趣，通过绘画研究图像渗透集体记忆的力量，以及统治者或知名公众人物对社会的影响之间的关联。

在这幅纪念巴勃罗·毕加索逝世 50 周年的作品中，严培明描绘了年轻的毕加索与其妹妹、也是他早期最喜爱的模特之一罗拉在一起的情景。近期作品中，严培明在以往严格统一的色调中加入更多色彩。作品中，渐变的醒目蓝色直接向毕加索的蓝色时期（1901-1904 年）致敬——这是他职业生涯中最具决定性的时期之一。严培明选择以其独特的绘画风格再现这个特殊场景，男孩深蓝色的目光向观者发出挑战，揭示他对肖像画力量的兴趣，以及肖像画揭示画面主角所蕴含的生命和个性。

严培明的作品正在巴黎多雷门宫（Palais de la Porte Dorée）的“10 位中国旅法前卫艺术家”（J’ai une famille. 10 artistes de l’avant-garde chinoise installés en France）装置艺术展中展出，展期持续至 2024 年 2 月 18 日。

乔治·巴塞利兹

Georg Baselitz

《步伐》, 2004年

锈青铜、油彩

159 x 85.7 x 55.1 厘米

乔治·巴塞利兹从1980年开始制作雕塑，他直接用链锯从木材上雕刻出初始形状。然后将其塑形、铸造成青铜，并涂上油彩。脚部的黑色涂层和腿部的红色细节赋予《步伐》（Pace Piece）（2004年）烧焦木材的外观，令人联想到德国表现主义木雕。正如艺术史学家约翰-保罗·斯通纳德（John-Paul Stonard）所写：“巴塞利兹作品的哑光表面显示其最初雕刻时所使用的吸光木材；记忆陷入其中，而非从其中溢出。”

“乔治·巴塞利兹”展览现场，里昂贝耶勒基金会，2018年

脚是巴塞利兹作品中反复出现的主题。1963年，巴塞利兹在德国创作了《P.D. Fuß》系列作品，当时适逢德国的政治局势紧张，抽象前卫艺术与社会主义现实主义的理想主义之间冲突不断。巴塞利兹早期描绘脚部的作品正是对这种紧张关系的回应，穿梭于抽象与具象之间，拒绝理想主义：“肿胀/丰满的脚。不是艺术学校或好莱坞的脚，而是真实、不快乐、单独、没有腿的脚。”艺术家罗斯·怀利（Rose Wylie）在伦敦蛇形画廊举办的巴塞利兹雕塑展的画册中写道，正是这点赋予巴塞利兹笔下的双脚深刻而持久的意义。随着雕塑在艺术家的创作实践中占据一席之地，巴塞利兹将他对脚的独特表现方式带入三维领域，在他的许多雕塑作品中都能看到崎岖不平、有裂缝、块状的脚步形象。

巴塞利兹重复使用脚的意象，旨在象征与大地的触觉联系：这也是他在地面创作绘画时所促进的联系。在2017年接受马丁·施万德（Martin Schwander）的采访时，巴塞利兹坦言，作为一个“阿尔卑斯山以北的人”，他与天堂的联系并不遥远：“地中海人[......]告诉我们天使在天堂。我不相信这些。因此，当我在地面作画时，向下的接触——感受地面以下的东西——是非常重要的。”正如艺术家在 2021 年补充道，以他们自己的大地神话为基础，“生活在阿尔卑斯山以北的人们正在寻找他们自己的故事”。由此，对巴塞利兹而言，双脚已成为一种自画像，是他身份的存在象征，他认为这种身份基于自己根源而非超越它。

今年，为庆祝乔治·巴塞利兹85岁生日，世界各地的美术馆和机构为这位艺术大师举办了众多展览，展示其创作的不同方面。他的雕塑作品展目前正在伦敦蛇形画廊展出，展期至 2024 年 1 月 7 日。他的作品还包括在马拉加毕加索博物馆（Museo Picasso Málaga）举办的”The Echo of Picasso“展览中展出，持续至 2024 年 3 月 31 日。

《消失的树荫》，2022年

油彩、画布

305 x 200 厘米

乔治·巴塞利兹经常回顾自己广泛的创作，以发展对新形式的尝试。他的妻子埃尔克一直是他职业生涯中持续不断的创作主题。在这幅 2022 年的肖像画中，他展示了埃尔克将头靠在手上的姿势，向1969年首次描绘她的作品致敬——该作品现今收藏于纽约大都会艺术博物馆。多年来，围绕埃尔克的画境变得越来越抽象。在最近的肖像画中，艺术家减少色调，将深蓝和黑色与淡雅的色调相结合。巴塞利兹用细薄的线条描绘妻子，她似乎漂浮在不可穿透的背景上，体现艺术家在描绘挚爱人物时的敏感性。

安东尼·葛姆雷

Antony Gormley

《旋转》, 2021年

铸铁，675 千克

190 x 51 x 45 厘米

《循转》(SWIVEL)（2021年）来自安东尼·葛姆雷的多面体作品系列。在这组作品中，有两个形态原则。首先是规则的多边形：我们熟悉的六边形自然形态，如玄武岩岩层或蜂巢中的六边形。其次是泡沫矩阵：这是一种在所有泡沫、骨骼内部结构或芦苇中发现的能够有效约束空间的方式。它可以生成从四面体到菱形十二面体的多面多边形，既有规律又随机。这种几何形态是现有结构原理的一个例子，它不同于解剖学，在这个矗立的多面体中，邀请我们思考自身身体形态与从硅藻到大地穹顶等万物的关系。

安东尼·葛姆雷（Antony Gormley）于10月17日在法国巴黎罗丹博物馆（the musée Rodin）举办个展“临界质量”（Critical Mass），展期持续至 2024 年 3 月 3 日。

罗伯特·劳森伯格

Robert Rauschenberg

《铜头—噬痕 IX / ROCI 智利》, 1985年

丝网版画墨水、丙烯、污渍、铜板

247.7 x 123.8 x 3 厘米

罗伯特·劳森伯格的“铜头-咬噬”（Copperhead-Bites）系列包括 12 幅在薄铜片上创作的画作，标志着艺术家早期尝试使用丝网印刷技术、丙烯颜料和褪色剂直接在金属支架上创作图像。这些作品创作欲劳森伯格海外文化交流（ROCI）项目（1985-90 年）期间，劳森伯格曾为该项目前往美国以外的十个国家，接触当地的文化习俗、艺术传统和材料，从而创作出新的作品。

在 1984 年于智利的研究之旅中，劳森伯格参观了当地的铜矿和铸造厂，并学习如何在金属表面涂抹褪色剂。回到佛罗里达州卡普蒂瓦的工作室后，他利用旅行期间拍摄的黑白照片对这些技术进行重新构思，在《铜头—噬痕 IX / ROCI 智利》（Copperhead-Bite IX / ROCI CHILE）（1985 年）中，将这些照片排列成松散、诗意的组合，促进开放式的解读。通过尺度的变换，不同比例的图像似乎唤起艺术家对智利文化的个人印象——在城市生活的背景下，某些主题在他的记忆中得以突显。

西蒙·汉泰

Simon Hantaï

《圣依纳爵的眼泪》，1958年

布面油画

218.1 x 153 厘米（85.87 x 60.25 英寸

西蒙·汉泰（Simon Han-taï）于20 世纪 50 年代对其艺术实践进行大量的实验性探索，1958–59 年则是其创作的关键时期。在这两年里，他的作品在前几年的高度姿态性与有控制的标记创作之间架起一座桥梁，孕育了他从1960年开始以后所为人熟知的复杂的皱折（pliage）技术。正如多米尼克·福尔卡（Dominique Fourcade）所写，这些作品代表艺术家“全力以赴地总结自己，剥离自己，了解自己”。《圣依纳爵的眼泪》（Les larmes de Saint Ignace）（1958 年）正是其中的典范，处于手势和细微笔触之间，正如福尔卡所写，“欲望和禁欲主义在此合而为一”。

画作体现艺术家发展过程中的关键技术—— 汉泰先在画布上涂上鲜艳的色彩，然后在上面涂画一层浅浅的黑色油彩，接着用工具（一个从闹钟上拿下的金属圆圈）将其刮去。《圣依纳爵的眼泪》既是对材料的剥离，也是对材料的叠加。作品还体现了宗教在艺术家创作中的重要性。在形式上，浅色斑块从深沉的色调中浮现，让人联想到十年前给艺术家留下深刻印象的拉文纳加拉普拉西迪亚陵墓中的拜占庭马赛克天花板。

《圣依纳爵的眼泪》由艺术家最重要的赞助人之一直接从艺术家手中购得，这位赞助人在 20 世纪 50 年代成为收藏汉泰作品的首位藏家，并一直珍藏着这幅作品。此幅画作曾于巴黎蓬皮杜艺术中心（2013 年）和路易威登基金会（2022 年）举办的大型艺术家作品展中展出，凸显这幅作品在汉泰艺术生涯中的重要性。

玛莎·荣格斯

Martha Jungwirth

《无题》，2023 年

油彩、纸本、画布

241.6 x 272 厘米

玛莎·荣格斯思将绘画理解为一种超验的表达形式，存在于“口头语言之前”，“记忆之前”和“物体的突出之前”。她从旅行、媒体、神话和艺术史等丰富的因素中汲取养分，发展出独特的绘画方法。她将绘画领域视为"行动与激情”的”动态空间"，通过手势涂抹颜料综合她的各种参考资料，并因此备受推崇。这幅作品以柔和的黄色和绿色为基调，部分掩盖了她标志性的深粉色和紫色调中富有表现力的线条，将充满活力的颜料层集中在作品中心，仿佛是偶然落在预先存在的支撑物上的事件，突显艺术家所有作品的悬浮特征。

2024 年夏天，毕尔巴鄂古根海姆美术馆将举办玛莎·荣格斯的大型作品回顾展。

托尼·克拉格

Tony Cragg

《事件（向上）》，2022年

不锈钢，80 千克

125 x 32 x 37 厘米

英国知名雕塑家托尼·克拉格的作品探索自然与人造世界之间的复杂关系，由此创造出新颖而独特的雕塑语言。《事件（向上）》（Incident (Upwards) ）创作于 2022 年，由反光不锈钢制成。这种材料赋予作品一种短暂的特质，因为其反射表面会随着周围环境的变化而变得生动。艺术家解释道，这往往是我感兴趣的，关于事物外观的‘物质’。物质是什么？”他问道：“是什么承载了形式和物质的外观？我追随这些形状，并决定保持开放。”雕塑呈现奇异的生物形态，似乎向上伸展，融合未来感与有机感。

里斯本国立当代艺术博物馆将于 2023 年 10 月 26 日至 2024 年 2 月 25 日举办托尼·克拉格的综合作品个展，杜塞尔多夫艺术宫将于 2024 年 2 月至 5 月举办艺术家回顾展。

伊米·科诺贝尔

Imi Knoebel

《很久很久以前 II》, 2022年

丙烯酸树脂、铝板

171.5 x 244.8 x 4.5 厘米

伊米·科诺贝尔的绘画作品以鲜明的色彩和独特的不规则形状为特征。深入探索形式以及绘画和雕塑的基本原理，他的作品在两种艺术类别之间游走，将两者的各个方面结合，进一步加深探索。《很久很久以前 II》（Once upon a time II） (2022年)由铝板制成，这是艺术家自 20 世纪 90 年代以来频繁使用的材料。它具有非均匀的近似圆形形状，其边缘凹凸不平的线条暗示着科诺贝尔的手的姿态。铝制造型向周围空间的延伸凸显作品的雕塑特质，克诺贝尔通过绘画与之平衡，每个笔触都清晰可见。作品采用欢快、坦率的视觉语汇，色彩鲜艳的几何形状增加作品的悬浮感和轻盈感。

罗伯特·隆戈

Robert Longo

《无题（布鲁诺）》，2023 年

炭笔、纸本

165.1 x 114.3 x 9 厘米

罗伯特·隆戈热衷于探讨环境问题和人类对自然的长期影响，并运用炭笔的细腻材质强调所有权力形象背后的脆弱性。在这幅创作于2023 年的《无题（布鲁诺）》中，狼的头占据整个画面，它的眼神冷峻，仿佛紧盯着猎物。然而，细看之下，精心绘制的毛皮的柔软度和目光中令人心动的真诚暴露这种动物的脆弱性，暗示观众实际上可能构成了更大的威胁。

奥利弗· 比尔

Oliver Beer

《共振绘画 (闭上双眼)》，2023年

布面油画

153 x 153 厘米

奥利弗·比尔解释道：“声音具有物质形态：如果你能看到音乐在我们周围振动的空气，你会看到美丽的三维几何形状。每幅画的命名都根据比尔创作时所听的歌曲所命名，《共振绘画 (闭上双眼)》（Resonance Painting (Eyes Closed)）（2023 年）即来自海尔希（Halsey）的单曲《闭上双眼》（Eyes Closed）。该作品通过将扬声器放置在水平方向的画布下方，画布上撒有干燥的粉末颜料而创作。比尔播放的音符会引起画布振动，使颜料移动并形成声波的视觉表现。这些声波以起伏的图案出现在作品表面，随后通过艺术家开发的独特固定技术凝固在原处。通过这种方式，他制作音乐的视觉记录，将无形的媒介凝固在时间和空间中。

汤姆·萨克斯

Tom Sachs

《戴黄色项链的女人》，2023年

合成聚合物、Krink马克笔、画布

152.4 x 121.9 x 5.1 厘米

作为一位不断创新的雕塑家，汤姆·萨克斯以其精心制作的艺术、设计和工程杰作的拼贴再现而闻名。20 世纪 90 年代，他在纽约现代艺术博物馆花费数天时间研究皮特·蒙德里安的画作，并用胶带在胶合板上重新再现其中几幅。正是通过这些早期的探索，他发展出自己的方法论：利用现有的材料重塑自己想要的物品，对文化拜物和追求展开反思。

萨克斯根据毕加索 1946 年的同名画作创作了《戴黄色项链的女人》（Femme Au Collier Jaune）（2023 年）。他用自己独特的绘画语言重新诠释毕加索的作品，以特有的黑色线条擦除并重新绘制轮廓线，留下明显的创作痕迹。通过展示他再现的艺术作品的创作过程，艺术家邀请观众审视自己与艺术史经典之作之间的关系。

大卫·萨利

David Salle

《伙计们》，2022 年

油彩、丙烯、画布

214.3 x 147.5 x 6.7 厘米

大卫·萨利备受赞誉的“生命之树”（Tree of Life）系列绘画始于2019年，这些画作围绕着名为“生命之树”的树展开，树干将画布垂直一分为二，构成画作的构图。在《伙计们》（Guys）（2022 年）中，蓝白相间的树干将两个角色分开，这些角色重新构想自20世纪中期彼得·阿诺（Peter Arno）为《纽约客》杂志绘制的插图。萨利重新呈现阿诺的角色，让模棱两可的互动引发误解和不确定性，邀请观众对图像展开自己的解读。画作下方的地下世界以独特的绘画语言呈现，体现艺术家对拼贴风格的兴趣，这经常促使他分割画布的平面。作品让人联想起中世纪和文艺复兴时期祭坛画底部的画板，也为萨利提供了一个空间，暗示上方场景的潜意识来源。萨利将耐人寻味的人类戏剧与他对绘画传统和艺术史的兴趣并置，将“生命之树”绘画中的不同元素融合，以培养“意义的可塑性”，他认为这是他创作的根本。

朱尔·德·巴兰库尔

Jules de Balincourt

《抵达和出发》，2023 年

油彩、油画棒、木板

76.2 x 86.4 厘米

朱尔·德·巴兰库尔的画作游走于乌托邦和反乌托邦之间，探索着不断变化的物质景观和心理景观。他在绘画之初没有既定的计划，凭直觉通过抽象的形式逐渐转化为可识别的人物形象——他将这个过程形容为 “黑暗中的舞蹈”。他的画作往往在看似温和的构图中隐藏着复杂的社会评论，揭示破坏或复杂化表面叙事的细节。在《抵达和出发》（Arrivals and Departures）（2023 年）中，小路两旁的树木线条以艺术家特有的细腻笔触描绘，在蓝、绿和黄的繁茂色调中，这些线条似乎逐渐消失在阴影中。随着人们在过渡时刻的来来往往，景观的结构似乎在我们面前分崩离析，爆发对想象中的时间和空间的再现，提醒我们也栖息在内心的世界中。

亚历克斯·卡茨

Alex Katz

《秋日 38》，2023 年

油彩、亚麻布

247.8 x 186.3 厘米

亚历克斯·卡茨年轻时曾在缅因州斯考希根绘画和雕塑学校学习，从那时起，他就喜欢以印象派画家的方式在户外写生绘画。回顾他的艺术历史前辈时，艺术家解释道：“正是在斯考希根，我第一次接触到缅因州的光线，它比印象派绘画中的光线更丰富、更昏暗。能够看到缅因州的光线帮助我从欧洲绘画中分离出来，找到自己的视角”。如今，他继续往返于纽约和缅因州之间，定期前往乡村捕捉四季变化的光线。

这幅创作于 2023 年的《秋日 38》（Autumn 38）体现了卡茨在描绘自然世界时对光的力量的持久信念。他运用自己的标志性技法，通过裁剪图像创造出意想不到的构图，在珊瑚红的天空下描绘一棵树的树叶。树叶通过动态涂抹的手势呈现，似乎从树枝中辐射，预示着秋季树叶的脱落。

艺+巴黎

展位｜B16

2023年10月18日—10月22日

开放时间

（当地时间）

贵宾预展

（仅限邀请）

10月18日（周三） 10:00—20:00

10月19日（周四） 10:00—16:00

公众开放

10月20日（周五）11:00—21:00