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陶戏 Slip Tease｜国际当代陶瓷艺术群展

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陶戏 Slip Tease｜国际当代陶瓷艺术群展崇真艺客

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陶戏 Slip Tease‍‍‍

10月26日-12月22日，2023

十大道279号，纽约

完整预览请前往「原文链接」

「陶戏（Slip Tease）」呈现了十六位国际当代艺术家在陶瓷创作上的前沿探索。他们对陶瓷器皿的功能性及其作为雕塑的可能性进行持续探讨，展示出这一艺术形式超越时间的共鸣和源源不断的创造力。

陶衣（Slip，又称化妆土）是一种制陶中使用的黏土浆，广泛应用于陶瓷的铸造、装饰或粘合。正如陶土和釉色在高温烧制过程中的窑变反应，陶衣烧造的结果同样具有不可预测性。

陶瓷制作过程的每一个阶段中，偶然性和艺术技巧的巧妙结合都可能产生令人意想不到的结果。展览中的每一件作品都从材料性或题材的不同角度对此进行了解读。

陶戏 Slip Tease｜国际当代陶瓷艺术群展崇真艺客 Slip Tease展览现场

在这些艺术家多样化的创作实践中，中空的器皿占据着独特的地位。对于其中一些艺术家来说，容器既是一个起点，也是一个用于形式和概念实验的空白画布。对于另一些艺术家来说，这一媒介允许探索容器表面关于叙事传统的漫长历史；它们触及的叙事涵盖了各种主题，从历史和民间传说，到时事、文化评论及个人叙述。

器皿固有的拟人性特征令人着迷，其组成部分的术语——唇、颈、肩、足，也对应着身体的各个部位。展览「陶戏」横跨了表现理论、形式抽象、酷儿文化、移民议题和身体残缺等领域，回应了陶瓷创造之初的传统——器皿既可以成为雕塑，也是我们自身身体的代表。

Shawanda Corbett

1989年生于美国纽约，常驻英国伦敦

Corvi-Mora画廊代理

陶戏 Slip Tease｜国际当代陶瓷艺术群展崇真艺客

Shawanda Corbett

Yellow (From: "Late Night Rehearsal"), 2022

glazed stoneware

20 7/8 x 9 inches
53 x 23 cm

Shawanda Corbett多元化的实践跨越陶瓷、视觉艺术、舞蹈、电影和表演，通过机器人理论质疑什么构成了「完整的身体」。该理论最初由女权主义者和科学理论家Donna Haraway在《机器人宣言（A Cyborg Manifesto）》中提出，颠覆性地挑战了对立的基本概念，打破了有机与合成、人类与动物、物理与非物理之间的区别。机器，如陶轮，在艺术家的生活中占据着重要的地位。Corbett的陶瓷作品指向了一种利用技术颠覆父权制、资本主义和本质化体系的后人类或超人类嵌合体，也言明了一种混合的「赛博格存在」。

Corbett最近的展览包括：伦敦泰特美术馆的「Art Now: Shawanda Corbett 」（2022），加的夫Chapter画廊的「Human Conditions of Clay」（2022），伦敦Two Temple Place的「Body Vessel Clay: Black Women, Ceramics & Contemporary Art」（2022），法兰克福Museum für Moderne Kunst博物馆的「CRIP TIME 」（2022），伦敦The Courtauld Institute of Art的「Both Sides of Here: Artistic Encounters at the Threshold」（2021），以及奥地利林茨Schlossmuseum博物馆「Friends and Friends of Friends」（2021）。她目前正在展出的重要展览包括威尼斯建筑双年展英国馆，以及英国诺丁汉郡Newstead Abbey的「New Areas: Contemporary Ceramics」。Corbett于2022年在牛津大学Ruskin 艺术学院完成了她的博士学位。

Francesca DiMattio

1981年生于美国纽约，常驻纽约

Pippy Houldsworth画廊代理

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Francesca DiMattio

Confection II, 2016-2023

glaze and luster on porcelain and stoneware, epoxy and enamel, with tiled plinth

36 x 26 x 33 inches, sculpture
91.4 x 66 x 83.8 cm
10 1/2 x 34 3/4 x 40 5/8 inches, base
26.7 x 88.3 x 103.2 cm

通过装饰性图案的语言，Francesca DiMattio的作品暗示了女性身体与家庭功能之间的复杂关系。文化和风格的碎片在她充满活力和批判性的作品中结合为一起。DiMattio高大的雕塑以瓷器为主要媒介，打破并重新配置了艺术史、儿童读物、卡通、流行文化和手工艺领域的广泛参考。通过尺度的变化，通常被认为是点缀的元素成为中心——微型雕像变得尺寸过大，花卉图案转变为病毒图案，植物和动物中生出躯干。某些部分可能看起来像是现成品，但实际上组合中的每个元素都是由DiMattio手工精心雕刻和绘制。随着它们向上延伸，艺术家的作品变得更加复杂和多面——每个角度都揭示了陶瓷和釉彩技术看似无穷无尽的实验性。

DiMattio的最近参加的展览包括马萨诸塞州当代艺术博物馆的「Ceramics in the Expanded Field」（2021-23），迈阿密Nina Johnson画廊的「Saint Valentine」（2023），纽约Timothy Taylor画廊的「Dreaming of Eden」（2023），纽约Art Omi艺术中心的「Statues」（2019），纽约Salon 94 Bowery的「Boucherouite」（2018），休斯顿Blaffer Art Museum博物馆的「Francesca DiMattio: Housewares」（2014），以及伦敦Zabludowicz Collection收藏的「Vertical Arrangements」（2013）。

Sharif Farrag

1993年美国加州里西达，常驻洛杉矶

François Ghebaly画廊代理

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Sharif Farrag

Lemon Rumble Jug, 2023

glazed ceramic and glass

17 x 13 x 12 inches
43 x 33 x 30 cm

Sharif Farrag的陶瓷作品源自其深层的个人经验。他的作品中充满了大胆的符号图像，用绘画般的釉彩和错综复杂的怪物和卡通形象来不断推动粘土的表现潜力。这样的混合形式讲述了艺术家作为第二代美国移民的经历，他的叙利亚-埃及血统、他在圣费尔南多谷的成长经历、滑板和涂鸦文化的棱镜折射。Farrag的作品充满了密集的装饰，还经常引用艺术史上的比喻，例如他对花园的描绘——生长和腐烂的时刻、培育和耐心，以及有机体的耐受性。Farrag将某些作品长时间高温烧制，在窑变反应中产生出熔化或漂白的颜色，以此挑战材料的耐受性。在艺术家拟人化的场景中，花朵绽放出面孔，时钟也变得富有生命力。其中某些人物以第二自我的形式出现，为艺术家的天使和恶魔提供了形象和出路。

Farrag去年春天在加州大学洛杉矶分校完成了他的MFA。今年夏天，他的作品被收录在洛杉矶Hammer博物馆的展览「Together in Time」，纽约艺术和设计博物馆的「Funk You Too! Humor and Irreverence in Ceramic Sculpture」，以及Deitch Projects的「Clay Pop Los Angeles」。Farrag于2018年至2020年在加州州立大学长滩当代陶瓷中心驻留，并于2019年获得Skowhegan绘画与雕塑学院的艺术驻留。他曾在洛杉矶的François Ghebaly、洛杉矶的In Lieu、洛杉矶的The Pit以及洛杉矶的 356 Mission举办个展。即将举行的展览包括迈阿密的博物馆Rubell Museum。

Paz G

1989年生于智利Quilpue，常驻美国加州奥克兰

Paz G

La Escalera, 2022

glazed ceramic

16 x 12 x 8 inches
40.6 x 30.5 x 20.3 cm

智利艺术家Paz G是一位自学成才的艺术家，她的作品诉说着家庭生活和血统的故事，将动荡的经历和流离失所的回忆交织在一起。Paz G的作品常呈现出洞穴般的形状，带有孔洞和破裂，其粘土表面上绘有具象的图像和肖像。这些作品的生动表面在隐匿与过度曝光之间摇摆，将那些隐藏的元素引入视野。最近，Paz G的雕塑作品探索了智利和安第斯祖先的抵抗音乐，将歌曲与形体融为一体，与革命性的音景产生共鸣，充满了无声韵律的回响。

Paz G近期参加的展览包括在旧金山Yerba Buena艺术中心的「Bay Area Now 9」（2023），圣何塞San Jose Institute of Contemporary Arts的「Personal Alchemy」（2020），Palo Alto Art Center艺术中心的「Creative Attention: Art and Community Restoration」（2020）。这是他们在纽约的首次展览。

Karin Gulbran

1967年生于美国西雅图，常驻加州洛杉矶

MASIMODECARLO画廊代理

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Karin Gulbran

End of Summer, 2023

ceramic

29 5/8 x 26 3/8 x 26 3/8 inches
75.2 x 67 x 67 cm

Karin Gulbran最初接受的是绘画的训练，在职业生涯的早期阶段，她的兴趣转向了陶瓷。艺术家的作品都以对自然世界永恒的兴趣为基础，将观众带入表现主义的语汇中。Gulbran时而光滑时而粗砺的釉面充满了感性，不规则的瓶或盆形器皿布满着对动植物的质朴描绘。这些变形的画面在奇幻的场景中展开——睁大眼睛的动物，茂密的大自然，充满生命力的水域——让人想起中世纪手稿、神话叙事或是主观世界中的幻想神兽。

Gulbran最近的个人展览包括在布鲁塞尔Pierre Marie Giraud的「 Obscure Mirrors & Totemic Lamps」（2022），伦敦MASSIMODECARLO的「Somnambulist」（2021），White Columns的「Karin Gulbran」（2014）；参与的群展包括洛杉矶David Kordansky画廊由Mai-Thu Perret策划的「These lacustrine homes」（2021），Brand Library & Art Center的「Vision Valley: The Glendale Biennial」（2018），以及由Adam Miller策划在Verge Center for the Arts in Sacramento 举行的「The Brightsiders」（2017）。

Marie Herwald Hermann

1979年生于丹麦哥本哈根，常驻美国芝加哥

Rebecca Camacho画廊代理

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Marie Herwald Hermann

And in passing, us, 2023

porcelain and stoneware

19 x 18 x 7 1/2 inches
48.3 x 45.7 x 19.1 cm

Marie Herwald Hermann的作品重访了人们熟悉的造型，如盘子、器皿和杯子。作品光滑而精巧的部件似乎由看不见的手雕刻而成，构成了更大的装置或环境的组成部分。艺术家偏爱使用色调柔和的材料和釉料，最终的组合雕塑被布置为静物画的构图，让人想起莫兰迪的绘画。Hermann完美无暇的粘土造型探索了日常生活用品与我们之间的关系。这些物体的支撑——从墙上延伸出来的基座也是作品不可或缺的一部分。在她静谧而发人深思的雕塑中，室内场景成为记录的对象被定格下来。

最近举办的个人展览包括巴黎GalerieNeC 的「 And a Haze, lifted, Galerie NeC in Paris」（2022），底特律Reyes | Finn的「And the Walls Became the World Around Us」（2021），芝加哥Paris London Hong Kong的「Bit by bit above the edge of things」（2019），底特律当代艺术博物馆的「inclusions in 99 cents」（2017），纽约Marianne Boesky画廊与Marlborough切尔西合办的「Another Look at Detroit」（2014）。她的作品被收入丹佛艺术博物馆、Cranbrook艺术博物馆以及巴黎Musée des Arts Décoratifs的永久收藏。

Elliott Hundley

1975年生于美国格林斯博罗，常驻加州洛杉矶

纽约卡斯明及洛杉矶Regen Projects代理

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Elliott Hundley

Untitled, 2023

stonewear

14 1/2 x 14 x 14 inches
36.8 x 35.6 x 35.6 cm

艾略特·亨德利（Elliott Hundley）🔗 的绘画作品由层叠交织的材料和工业纺织别针固定的混合媒介材料精心构成，绘画性的笔触让人想起手势抽象的活力。从远处看，颜色和形状层层交叠错综复杂，然而仔细观察会发现，这是一个由细小部件构成的精密的生态系统。对于亨德利来说，陶瓷是他日常艺术实践的重要组成部分，有如绘画的三维形式。

亨德利近期参加的展览包括新奥尔良三年展Prospect.5「Yesterday we said tomorrow」（2021），旧金山现代艺术博物馆SFMOMA的「Between Two Worlds: Art of California」（2017），以及New Tretyakov画廊的「7th Moscow International Biennale of Contemporary Art」（2017）。亨德利的作品的收藏机构包括洛杉矶The Broad Museum博物馆、雅典DESTE Foundation for Contemporary Art当代艺术基金会、洛杉矶Hammer Museum博物馆、丹麦的Louisiana Museum of Modern Art博物馆、纽约现代艺术博物馆MoMA、纽约所罗门·R·古根海姆博物馆、明尼阿波利斯沃克艺术中心，以及纽约惠特尼美国艺术博物馆等。他最近的个展「Everyday, Every Day」🔗于今年秋季在纽约卡斯明画廊举行。

Julia Isídrez

1967年生于巴拉圭中部伊塔，常驻巴拉圭中部伊塔

Gomide & Co画廊代理

陶戏 Slip Tease｜国际当代陶瓷艺术群展崇真艺客 Julia Isidrez

Cántaro premier, 2023

ceramic

16 7/8 x 12 5/8 x 14 5/8 inches
43 x 32 x 37 cm

Julia Isídrez的陶艺技艺从其母亲Juana Marta Rodas（1925-2013）处习得。她的创作实践尊崇一门有着数百年历史的传统技艺，其根源可以追溯到前哥伦布时代。她在祖国乌拉圭生活了一段时期，在此期间将自己的感性融入到作品中，创作出异想天开、俏皮有趣，带有动物的生动气息的作品，这些元素可以追溯到古老的造型传统。Isidrez生活的城市伊塔以瓜拉尼陶瓷制作而闻名，尤其以祭祀用盒子和花瓶而著称。

Isídrez自1976年以来在国际上展出，包括联合国教科文组织UNESCO画廊（巴黎/法国），Museo del Barrio（亚松森/巴拉圭1998，1999），Bienal do Mercosul（阿雷格里港/巴西，1999），ARCO Fair（马德里/西班牙，2007），第35届国际传统手工艺展（圣地亚哥/智利，2008），Triennial of Santiago三年展（智利，2009），卡塞尔文献展（德国，2012），Galeria Millan（圣保罗/巴西，2017），Centro Cultural del Lago（阿雷瓜/巴拉圭，2021年）。自2013年以来，她的部分作品被巴黎卡地亚当代艺术基金会收藏。

Clementine Keith-Roach

1984年于英国伦敦，常驻英国多塞特郡

纽约PPOW 及伦敦Ben Hunter画廊代理

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Clementine Keith-Roach

Urne-Buriall, 2023

terracotta vessel, jesmonite, paint

22 7/8 x 19 3/4 x 18 1/8 inches
58 x 50 x 46 cm

Clementine Keith-Roach的作品融合了物质性、装饰性、历史性及功能性，创造出细致而不可思议的雕塑，模糊了物体和人体之间的界限。她的作品的灵感来自于粘土固有的触感和感性，以及人们在古代陶瓷容器中感受到的身体亲近感及其与生俱来的拟人性。艺术家由此创作出的作品在庆祝女性形态的同时，也为日常用品充满传奇故事的历史注入活力。

Keith-Roach在英国布里斯托尔大学获得艺术史学士学位。她的展出机构包括英国伦敦Ben Hunte画廊、美国加州洛杉矶MOCA、英国伦敦Blue Projects、法国塞特Centre Regional D’art Contemporain当代艺术中心、意大利罗马The Villa Lontana、英国伦敦Open Space Contemporary当代艺术中心、意大利巴勒莫及英国伦敦的Pervilion。她同时是艺术、诗歌、散文杂志《Effects》的编辑。Keith-Roach于2022年6月在P·P·O·W上与Christopher Page一起举办了双人展览「Knots」。她的作品曾出现在《Art in America》2022年9期刊的封面上。2023年，Keith-Roach的作品在英国伦敦Wellcome Collection的展览「Milk」以及在纽约康奈尔大学Johnson Museum of Art美术馆的展览「 Wonder and Wakefulness：The Nature Of Pliny The Elder」中展出。她在Ben Hunter画廊的第三次展览「 Earth Sky Body Ruins」将在伦敦展出至2023年11月10日。

Se Oh

1984年生于韩国仁川，常驻美国洛杉矶

陶戏 Slip Tease｜国际当代陶瓷艺术群展崇真艺客 Se Oh

Self Discovery, 2023

porcelain

5 1/2 x 12 x 12 inches
14 x 30.5 x 30.5 cm

Se Oh最近创作的陶瓷雕塑透过形状、质感和颜色呈现出材料的反光特质，折射出作为亚裔在彷徨中的体验。Se Oh从小被美国南方腹地的家庭从韩国收养，他最早与陶瓷的接触是为了重新构建自己的韩国身份认同。Se Oh最近在Half Gallery举办的个展以「HAN」为题，这个起源于韩国的韩语概念用以表达关于悲伤和怨恨的情感。在日本占领朝鲜并最终导致南北韩分裂的历史时期，这个词相对现代的应用描绘了一种愤怒、悲伤和失落的复杂情绪。焦黑的火山釉与青瓷蓝形成鲜明对比，而粘土雕塑的精致花瓣褶皱则凸显出材料的不稳定性。Se Oh有意将这些矛盾元素融合在一起，唤起了这些作品曾经蕴含的既崇高又令人不安的体验。

最近的展览包括Half Gallery的「 Han」（2023）以及在洛杉矶One Trick Pony Gallery的「Cycle Of A Porcelain Garden」（2022）。

Brian Rochefort

1985年于美国罗德岛州，常驻加州洛杉矶

纽约Van Doren Waxter画廊及MASIMODECARLO米兰/伦敦/香港代理

陶戏 Slip Tease｜国际当代陶瓷艺术群展崇真艺客 Brian Rochefort

Untitled, 2023

ceramic, glaze, glass fragments

6 x 12 1/2 x 13 1/2 inches
15.2 x 31.8 x 34.3 cm

Brian Rochefort以其色泽丰富的多层釉彩和熔化玻璃构成的陶器雕塑闻名，在形式和色彩上爆发出真挚的构图。艺术家的裂纹釉彩表面让人想起火山或陨石等剧烈自然现象造成的裂痕，赋予作品有机的流动感。每件作品都是由陶泥和陶衣层组成，艺术家反复将其破坏、重建并烧制，直到物体无法再加工为止。Rochefort的雕塑在混乱而破碎的同时，又是受控而充满活力的，在向Franz West或德库宁的抽象表现主义作品致敬的同时，更是对远离人类生活的自然现象的致意。

Rochefort最近参加的展览包括在Deitch Projects的「Clay Pop Los Angeles」（2023），摩纳哥蒙特卡洛的Nouveau Musée National de Monaco美术馆的「Stories of Ceramics」 ( 2020），美国加州Crocker Art Museum in Sacramento美术馆的「Cool Clay」（2019），以及纽约Everson Museum of Art美术馆的「From Funk to Punk」（2017）。 2019年，他的首次博物馆个展「Absorption by the Sun」在美国圣巴巴拉当代艺术博物馆举行。

Jennifer Rochlin

1968年生于美国巴尔的摩，常驻加州洛杉矶

The Pit画廊代理

陶戏 Slip Tease｜国际当代陶瓷艺术群展崇真艺客

Jennifer Rochlin

Glassell Park, 2023

glazed ceramic

23 x 17 x 18 inches
58.4 x 43.2 x 45.7 cm

Jennifer Rochlin在接受了绘画训练之后开始从事陶瓷创作，以此来拓展自己在三维尺度上的绘画实践。她使用赤土手工盘泥或泥板搭建，创造出与古老陶器造型相呼应的熟悉形式。Rochlin的器皿表面凹凸起伏，暗示出人体一般的的不可预测的、美丽的变化。她的釉下彩及釉彩运用富有表现力的手势笔触绘成，与她陶瓷上的釉雕刮除技法相映成趣。这些画面描绘出艺术家的生活叙事，同时也指出了我们所生活的当下的历史深度和广度。

Rochlin的个展包括在Greenwich House Pottery的Jane Hartsook的「Clay is Just Thick Paint」（2020），以及洛杉矶The Pit、东京Maki画廊、布鲁塞尔Sorry, We’re Closed画廊、巴黎Lefebvre & Fils画廊。去年夏天，Rochlin参加的展览包括纽约Vito Schnabel画廊的「Brigid Berlin: The Heaviest」，洛杉矶Deitch Projects的「Clay Pop」和芝加哥Mariane Ibrahim 的「Terra Recognita: A Ceramic Story」。她的作品被旧金山现代艺术博物馆SFMOMA以及北卡的The Mint美术馆收藏。

Anders Herwald Ruhwald

1974年生于丹麦兰德斯，常驻美国芝加哥/底特律

Morán Morán洛杉矶/墨西哥城及Volume芝加哥画廊代理

Anders Herwald Ruhwald

Glasurstykke #108, 2022

glazed ceramic

10 1/2 x 11 1/4 x 11 1/4 inches
26.7 x 28.6 x 28.6 cm

Anders Herwald Ruhwald将陶瓷视为身体和心灵的延伸，创造出精致的装置和独特作品。通过重量、比例、构成、表面和颜色的直接表达，这位艺术家致力于探索意识如何通过形式和空间的视觉语言来展现。在Ruhwald的作品中，可以清晰地看到他对陶瓷作为自我意识的媒介的强调，通过这个媒介来记录身体上的动作。他迄今为止最大的永久装置《Unit 1: 3583 Dubois》改造了一座七居室的公寓内部，将其转变成一个沉浸式的装置。与居住环境息息相关，Ruhwald将火看作是引发变革的媒介，与城市、室内空间和亲密感建立了紧密的联系。

Ruhwald的个展包括迈阿密Nina Johnson画廊的「Maybe the sun is tired too」（2023年），墨西哥城Moran Moran画廊的「This is the living vessel: Body」（2022年），印第安纳波利斯美术馆的「Century Garden」（2020年）；克利夫兰的MOCA「Unit 1: 3583 Dubois」（2016年），英国米德尔斯堡现代艺术中心的「You in Between」（2008年），丹麦哥本哈根艺术与设计博物馆的「The State of Things」（2004年）。他参加的众多机构群展包括旧金山Yerba Buena Center for the Arts 艺术中心、Cranbrook Museum of Art 美术馆、法国Fondation d’entreprise Richard基金会、丹佛艺术博物馆和哥本哈根Kunsthal Charlottenborg美术馆。

Adam Silverman

1963年生于美国纽约，常驻加州洛杉矶

陶戏 Slip Tease｜国际当代陶瓷艺术群展崇真艺客

Adam Silverman

Conjoined Triple Tide Jar, 2023

stoneware

11 x 13 x 8 inches
27.9 x 33 x 20.3 cm

Adam Silverman对材料和工艺的实验性反过来影响了并成就了他的雕塑。高强度的个人化烧制，即兴创作的釉彩配方和上釉方法，以及几乎不可能实现的作品形状，共同将他的艺术创作推至新的边缘。同时，Silverman的建筑背景经常在他的雕塑或装置作品中得以体现。在他的大型项目「Common Ground」中，艺术家采集来美国56个州的土壤，包括粘土、水和木灰，用于烧制成石器雕塑。这个项目目前被洛杉矶的艺术机构The Skirball Cultural Center收藏，并正在全美巡回展出。对当地材料的整合一直贯穿于他的作品中，最近的一个例子是他对位于洛杉矶的Frank Lloyd Wright设计的Hollyhock House进行的干预，将庄园内的橄榄树木材与太平洋采集的粘土和废弃物相融合。2019 年，Silverman开始了在洛杉矶艺术博物馆LACMA 的一项为期多年的艺术驻留项目，他收集了该博物馆新建筑Peter Zumthor工地上的土壤，以及拆除的旧建筑的材料。2024 年，Silverman将成为洛杉矶Skirball Cultural Center文化中心的首位驻地艺术家。

Silverman的近期个展包括东京的富士山画廊「Umi No Tsubo」（2023年），洛杉矶日本美国文化社区中心的George J. Doizaki画廊「Common Ground」（2022年，与Sogetsu LA合作），纽约的Friedman Benda画廊「Marks and Markers」（2022年），东京的Curator’s Cube和京都的HIN / Arts & Science「Horizon」（2021年），纽约的库珀联盟「Eight Tide Jars」（2019年），以及拉古纳艺术博物馆的「Clay and Space」（2013年）。他的作品被达拉斯艺术博物馆、普罗维登斯RISD博物馆、洛杉矶斯克尔博尔文化中心、耶路撒冷以色列博物馆、洛杉矶县艺术博物馆、达拉斯纳舍雕塑中心、棕榈泉艺术博物馆、洛杉矶Hollyhock House以及耶鲁大学美术馆等机构收藏。

Krzysztof Strzelecki

1993年生于波兰斯维德尼察，常驻英国伦敦及波兰

Anat Ebgi画廊代理

Krzysztof Strzelecki

Outdoor Exploration, 2023

glazed ceramic

23 1/4 x 9 x 4 3/8 inches
59 x 23 x 11 cm

Krzysztof Strzelecki的作品受到多种元素的广泛影响，包括基督教图像学、正统的西方艺术、个人经历以及同性经验，打造出一个能让他的主人公自由生活的世界。在他的大型陶瓷花瓶系列作品「Cruising Fantasies」中，欲望主题、自然与性的关系，以及对同性天堂的幻想都以生动的形象和丰富的色彩得以呈现。Strzelecki的作品在借鉴历史传统的同时，重塑了自然主义对广泛的性形式的描述。他那迷人的陶瓷作品常常充满了纹理密集的雕刻和绘画装饰。Strzelecki创作的花瓶看似传统，但需要悉心的探索和漫步才能完全领略，这也正是艺术家所认为的游走过程。

最近的个展包括洛杉矶的Anat Ebgi画廊的「Forbidden Fruit」（2022年）和伦敦的Taymour Grahne Projects画廊的「Summer Scenes」（2022年）。Strzelecki的收藏机构包括达拉斯艺术博物馆和Green Family Foundation 家族基金会。

Elif Uras

1972年生于土耳其安卡拉，常驻美国纽约和土耳其伊斯坦布尔

Galerist画廊代理

陶戏 Slip Tease｜国际当代陶瓷艺术群展崇真艺客 Elif Uras

Turquoise Goddess, 2023

underglaze painted stoneware

30 x 18 x 10 inches
76.2 x 45.7 x 25.4 cm

Elif Uras将伊斯兰传统与现代风格相融合，创造出一种既优雅又充满力量的艺术风格，深刻地反映了当代土耳其社会的文化复杂性。Uras的器皿装饰着受传统陶瓷工艺启发的有机和几何形状，这些形状似乎隐喻着丰满的怀孕之腹或肿胀的乳房。艺术家的陶瓷作品在土耳其伊兹尼克制作，这座位于安纳托利亚的古老小镇自奥斯曼帝国时代以来以其瓷砖和陶瓷制作而著名。

Uras于2020年至2021年期间在纽约艺术与设计博物馆担任驻地艺术家。她的作品目前在伊斯坦布尔的Pera博物馆的「Souvenirs of the Future」和The Çinili Hamam的「Healing from Ruins」展览中展出。今年夏天，她参加了在纽约Albertz Benda画廊举办的「People of the Otherworld: Ken Kiff in Dialogue」展览。她的作品曾在伦敦的维多利亚和艾伯特博物馆、康涅狄格州的Aldrich Contemporary Art Museum美术馆、伊斯坦布尔的Galerist画廊、上海的第九届上海双年展以及纽约的MoMA PS1等地展出。她的作品被纽约大都会艺术博物馆和伦敦维多利亚与艾伯特博物馆等机构收藏。

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卡斯明画廊1989年在纽约SoHo成立，三十多年来致力于推动历史语境下知名现代主义艺术家与新兴当代艺术家之间的对话，是国际上最为权威的艺术画廊之一。画廊目前在纽约切尔西区拥有三个空间，呈现一系列饮誉学术界的展览项目，并在全球范围内参加顶级艺术博览会。其全新的展览空间开创性地在画廊屋顶开设户外花园，向公众展现大型雕塑作品。更多艺术收藏中文咨询请加微信（ID: kasminnewyork）