舞蹈与舞台视觉的融合创新——BDA舞蹈论坛（2023）舞台美术分论坛圆满举办

马路以《舞美视觉与戏剧时空》为题，结合儿童剧《报童》、秦腔《白蛇传》、《只有爱·戏剧幻城》如月剧场、大型驻场演出《金面王朝》等多部作品的场景设计与舞台视觉呈现，探讨了舞美设计对戏剧时空、观演关系的影响，进而阐述了“戏剧是一门综合艺术，观众需要舞美，舞美表现了戏剧，科技进步是舞美发展的动力，创新是舞美前行的根基”的观点。

周立新以《舞蹈与设计1·2·3》为题，结合自身二十多年的教学与实践探索，分享了关于舞台设计教学的三点体会，想成为一名合格的舞蹈作品的舞美设计师，必须要经历三个阶段，即语言、动因与写意。同时，他谈到由于舞蹈作品独特的表现语汇与表现形式，使得为其进行舞美设计的初学者来说的确是难题，所以在以上三个阶段中不能或缺的是“情感”。

于海勃以《舞·场·境》为题，通过古今中外的多个实际案例，分别介绍了古代的舞蹈场地、芭蕾时代的剧场和现代舞的视觉空间。他谈到，舞蹈艺术不仅在视觉空间上有所拓展，在物理空间上也在不断地拓展，并总结到：舞剧的舞台设计是为“赤脚与足尖”服务的，以及舞台设计的关键词为写意、诗化、联想、隐喻。

慕峰以《数字时代的舞蹈之界》为题，以多媒体全息舞剧《十爱·第一滴泪》、多媒体全息音乐剧《丝灵传奇》、数字戏剧《麦克白》等作品为例，从扩展现实、全息多媒体等技术的运用，阐述了当下数字时代的到来使舞台演出的边界变得更为开阔与多维，数字科技所营造的虚拟世界撕开了现实世界的帷幕 , 将我们带到一个虚拟与现实无法分辨的舞台空间中。

孙天卫以《舞台融合 视觉呈现》为题，结合自身的舞剧创作经历，以《红梅赞》、《云南映象》、《我的那片云》等舞蹈作品为例，从舞美形式、舞美个性、舞美符号、舞美参与四个方面切入，分享了自己的创作理念：明确舞台创意、建立美学风格、确立独特形象；创造舞台空间、提供表演支点、增加舞台变化；把控舞台尺寸、巧用机械装置、推进无缝连接。

白文国以《让无生命的灯具有灵魂》为题，介绍了北京舞蹈学院在灯光设计方面的课程设置，他谈到舞台灯光最重要的任务就是让无生命的灯具具有灵魂，这也是灯光设计的使命，因此，在灯光设计专业方向的课程设置上就要为培养出未来的优秀设计师打好基础，为此需要做好三个方面的内容：1、具备良好的绘画基础；2、熟练掌握灯光基础知识；3、具有戏剧灯光设计的素质、能力和审美。

从舞剧编剧的角度出发，阐述了在舞蹈领域，文学创作需要进行相对的调整与改变，舞剧编剧必须具有视觉的想象力，有能力完成对场景和画面的想象。

结合自身导演的多部舞剧作品，从意象、环境营造、叙事、叙情等几个角度，简要解析了舞蹈肢体语言与舞美戏剧语言结合下的情感张力。

与大家分享了多部舞剧舞美设计的创作理念与幕后故事，探讨了舞美设计的边界与出格、限制与突破的关系。在各种限制中如何进行创作并实现创意突破？这是戏剧从业者需要思考的问题。

结合多部舞剧的服装设计，阐述了舞美创作是一种“向死而生”的艺术，所以要有敬畏心。同时，分享了“一直进行创作，就是一种创新”的观点。

所有的舞美创作都遵循着“一剧一格”的原则，一部优秀舞台艺术的呈现，首先要有好的创意和剧本，其次是审美统一的主创团队。

从导演角度阐述了一部优秀舞剧的创作，是所有部门共同创作的成果，这当中没有附属关系。当然最重要的前提是，各个部门视觉美学的追求必须是一致的。

主要与大家分享了现场实践的经验，从艺术项目创作的前期、中期和后期三个阶段分别进行了简要分析与介绍。

从导演的视角出发，结合近期的舞剧作品，分享了自己创作理念与感悟心得。每一部作品都离不开各部门的共同努力，自己也会从团队合作中获得灵感与启发。

作为北京舞蹈学院的教师，很幸运有更多机会带领学生们在实践中去了解舞蹈与服装的关系。同时，每个舞台设计师都应该有宏观的导演意识。