作为一位杰出的现代生活画家，亚历克斯·卡茨从电影、广告牌、音乐、诗歌以及他亲密的朋友和家人汲取灵感。在艺术生涯最初，卡茨在风景画中找到自己的创作方向。他在斯考希根绘画和雕塑学校学习期间，探索了缅因州的湖泊和森林。在那里，他发现以印象派画家的方式进行户外绘画，能带来一种自由。如今，卡茨继续在纽约和缅因州两地生活，定期前往乡间小住，在那里捕捉夏日光线的变化。

在这幅创作于2005 年的缅因州明快风景画中，卡茨描绘了一座白色小屋，拥有独特的红色小门，透过前景朦胧的树叶，可以看到小屋沐浴在温暖的光线中。卡茨自50 年代起在该地区旅居，他几乎每年都会定期到访，因为他在那里发现了特殊的光线。对卡茨而言，对创作最重要的正是这种转瞬即逝的光线，而非色彩。

颜色无关紧要。

只要有光，我就可以改变颜色。

—— 亚历克斯·卡茨

《海运 1》，1999年

亚麻布油画

122.1 x 152.6 厘米

尽管在亚历克斯·卡茨艺术生涯的早期，水一直是其画作中反复出现的元素，但直到 1986 年他在惠特尼美国艺术博物馆举办回顾展时，他才专门绘画水的主题。《海运 1》（1999 年）来自卡茨在墨西哥旅行后创作的系列，这些作品捕捉了明亮的绿色和青绿色调。在他称之为“具环境感”的画作中，艺术家以快速创作的方式，采用湿对湿的技法，即在第一层颜料还未干时就完成整幅作品。由此，他发展出一种快速、跳跃的笔法，彰显他所谓的关于“当下”的短暂印象。正如法国国立艺术史学院院长埃里克•德•沙塞（Éric de Chassey）所描述，其结果是“一种感知和感觉的（化学意义上的）沉淀物”。作品中，艺术家与其说是在描述他所看到的事物，更重在捕捉水的力量和感觉。此幅画作中的浴者是卡茨海景画中罕见的人物形象，但他们的出现并没有削弱他对水的抽象和具象风格渲染，反而增添了一丝叙事性。

罗伯特·劳森伯格

Robert Rauschenberg

《Level Revel / ROCI USA (蜡火)》, 1990年

镜面、铝板、丝印墨水、火蜡

246 x 368 厘米

《Level Revel / ROCI USA (蜡火)》（1990 年）来自罗伯特·劳森伯格的“蜡火”系列。该系列作品是劳森伯格海外文化交流项目（ROCI，1985-90 年）的一部分，劳森伯格曾为此前往美国以外的 10 个国家，接触当地的文化习俗、艺术传统和材料，从而创作出新的作品。1991 年在华盛顿国家美术馆举办的最后一次 ROCI 展览大规模呈献了该计划的作品，每个国际ROCI项目系列的主要作品均在该展览中展出，另外也包括特别为这次最后的终极展览制作的作品，包括《Level Revel / ROCI USA (Wax Fire Works) 》。

1962 年，劳森伯格参观了安迪·沃霍尔在纽约的工作室。了解了沃霍尔的丝网版画后，劳申伯格开始采用这种技术，他最开始使用大众媒体图像创作，后转为使用自己拍摄的相片，这件组品既是如此。“蜡火”系列采用全新开发的技术，即在丝网版画中加入一种特别的漆，劳森伯格称之为“火蜡”。含有颜料的热蜡被绘制或丝网印刷在金属底板上。

Installation view of Level Revel / ROCI USA (Wax Fire Works), 1990

艺术家认为，观者的参与对作品至关重要。通过在《Level Revel / ROCI USA (蜡火)》中使用反光铝，作品周围的环境——包括观者——成为其构成中不可避免、不断变化的一部分。正如艺术家曾说道，“观者将不再是一个’局外人’”，而是同时参与绘画的创作和完成。劳森伯格将他在加拿大和美国拍摄的黑白照片丝网印刷在底板，并赋予多样、鲜艳的色调，描绘出奔放的感觉，或者如标题所示，像一场狂欢。

詹姆斯·罗森奎斯特

James Rosenquist

《数学多元宇宙的入口》，2014年

布面油画

173 x 135 厘米

无论是科学上的定义还是它们与人类的关系，詹姆斯·罗森奎斯特对时间和空间的概念非常着迷。他对爱因斯坦的理论尤其感兴趣，即“空间中的一切都会弯曲，不再有直线，时间也是弯曲的”。在这件作品中，艺术家将观众笼罩于类似银河系的超现实视觉环境中，一切都在流动。前景与背景之间的关系难以捉摸，引人入胜：画的中心似乎向一池生动的红色敞开，暗示着艺术家在作品标题中提到的多元宇宙之一的入口。

大卫·萨利

David Salle

《生命之树 #17》，2021年

丙烯酸颜料画布

208.3 x 325.1 厘米

大卫·萨利备受赞誉的“生命之树”（Tree of Life）系列绘画始于2019年，这些画作围绕着名为“生命之树”的树展开，树干将画布垂直一分为二，构成画作的构图。在这幅作品中，在树干的两侧，他融入彼得·阿诺 (Peter Arno)为《纽约客》(New Yorker) 杂志绘制的插图人物，由此创作了一部耐人寻味的人性戏剧，并对绘画和艺术史展开反思。

树作为创作的主题，贯穿了整个艺术史，包括老卢卡斯·克拉纳赫 (LucasCranach the Elder) 于1528 年所描绘的伊甸园里的树木，或19世纪震教派艺术家汉娜·科洪 (Hannah Cohoon) 的画作。从法国绘画到美国现代艺术，也都有树的踪影——树也是美国绘画中的奠基神话之一。萨利将所有参照物融合在作品中，这些树与集体经验联系起来，而我们都是其中的一部分。

汤姆·萨克斯

Tom Sachs

《雄鸡》，2023 年

合成聚合物、Krink漆、画布

121.9 x 101.6 厘米

作为一位不断创新的雕塑家，汤姆·萨克斯以其精心制作的艺术、设计和工程杰作的拼贴再现而闻名。20 世纪 90 年代，他在纽约现代艺术博物馆花费数天时间研究皮特·蒙德里安的画作，并用胶带在胶合板上重新再现其中几幅。正是通过这些早期的探索，他发展出自己的方法论：利用现有的材料重塑自己想要的物品，对文化拜物和追求展开反思。

萨克斯根据毕加索 1946 年的同名画作创作了《雄鸡》（2023 年）。他用自己独特的绘画语言重新诠释毕加索的作品，以特有的黑色线条擦除并重新绘制轮廓线，留下明显的创作痕迹。通过展示他再现的艺术作品的创作过程，艺术家邀请观众审视自己与艺术史经典之作之间的关系。

汤姆·萨克斯的新作个展将于 2024 年 1 月 17 日在 Thaddaeus Ropac 画廊巴黎玛黑空间开幕。

罗伯特·隆戈

Robert Longo

《无题（台风 X）》, 2023年

炭笔、装裱纸本

235 x 225 厘米

罗伯特·隆戈（Robert Longo）热衷于环境问题，他利用木炭的细腻材质，在数字技术带来的图像洪流进行艺术干预。这幅2023年绘制的台风风眼图画彰显艺术家作品中经常出现的电影特质，体现朗格通过其特有的明暗对比，在静止图像中暗示运动的卓越技巧。当他用炭笔绘画时，隆戈不断对比原始图像，使他能够将其内化，“再加上炭笔固有的亲和力，作品代表一种真诚的尝试，即放慢图像的速度，激起观者对其全部力量的欣赏”。

安东尼·葛姆雷

Antony Gormley

《树林繁茂》, 2023年

铸铁，600kg

185.9 x 51.4 厘米

安东尼·葛姆雷于 2003 年开始创作“砌块作品”（Blockworks）系列。《树林繁茂》（2023 年）来自最近创作的铸块系列，旨在巩固在早期铸块作品中已经变得模糊不清的质量与空间之间的关系。在早期的铸块作品中，矩阵由六个预先确定尺寸的矩形块构建而成。这些作品利用堆叠、悬臂和平衡，以建筑体量取代解剖结构，从而实现一种既稳定又充满张力的结构。越来越多的积木变得更加坚固，延伸到表皮之外，试图唤起特殊的感知。作品面临的挑战正是运用建筑语言，激发人们的共鸣。所有作品都试图将身体视为一种状态：存在，而非行动。

葛姆雷的个展“临界质量”目前正在巴黎罗丹美术馆展出，展期至 2024 年 3 月 3 日。来自葛姆雷创作生涯不同时期的主要作品与罗丹的雕塑展开对话，激活美术馆的各个区域，邀请观者思考两位雕塑家共同感兴趣的话题：作为主体、客体和自省的工具，身体为雕塑提供了什么？

唐纳德·贾德

Donald Judd

《无题（DSS 170）》, 1969年

黄铜、青铜丙烯酸片

15.2 x 68.6 x 61 厘米

唐纳德·贾德在 1964 年写道：“从本质上讲，实际空间比平面上的颜料更有力、更具体”。这件1969年的三维作品透过金属和有机玻璃彰显这个创作原则，而两者也是贾德最知名的材料，其长方形的基本形式强调色彩、材料和“实际空间”的重要性。该作品是贾德“单件堆叠”作品的典范：单件墙面作品，尺寸为6 x 27 x 24英寸。贾德的单件堆叠作品最早可追溯到1964年3月，是艺术家最具代表性的系列之一。实际上，他在1964年创作的第一件工业化生产的作品就是单件堆叠作品。

根据贾德最初的想法，单件堆叠作品应该悬挂在距离地面62英寸的位置，60 年代末则将其提高到62 ¼英寸。贾德通过精心定义装置与其周围环境之间的空间，确保这个负空间成为作品的有形元素。透过半透明的有机玻璃，可以看到空心的内部空间，进一步探索正负空间之间的张力。这种张力也贯穿了贾德的所有创作实践。纽约现代艺术博物馆和华盛顿国家美术馆均有收藏类似的单件作品。

《无题》，1992–93/2020年

四幅木刻版画

镉红、镉黄、镉橙、群青蓝、天青蓝、钴蓝、永久绿、处女绿、黑色和茜草深红，印于韩纸

单幅：60 x 80 厘米

1991 年春，贾德前往韩国参加其三维作品的个展。他应邀创作了一套版画以作纪念，为此他特地选择当地的纸张，即用韩国岩石山坡上原生的桑树内皮制成的韩纸。这套版画使用这种手工韩纸，通过网格和矩形的严谨几何结构，在大胆、绚丽的色调中，对填充和空洞的反转展开演绎。样张由罗伯特·阿伯（Robert Arber）印刷，他是新墨西哥州阿拉米达的罗望子学院版画大师。这是阿伯和贾德的多次印刷合作之一。虽然已经印制了几套，但到 1994 年贾德去世时，整个版本仍未完成。贾德基金会正与阿伯合作完成这些版画，翻新位于马尔法的基金会大楼的慈善版画。

斯特蒂文特

Sturtevan

《斯特拉湖城（小版》，1966年

青铜珐琅、帆布

114.5 x 165.5 厘米（44 x 48 英寸）

斯特蒂文特以通过颠覆性的方式重复其他艺术家的作品而为人熟知。她将自己的创作过程描述为“主要凭借记忆，使用同样的技术，犯同样的错误，从而在同一个地方完成作品”。尽管看似很像，但斯特蒂文特的作品并非复制品。她的作品《斯特拉湖城（小版》（1966 年）与原作之间存在着微妙而关键的差异。弗兰克·斯特拉（Frank Stella）的作品以“所见即所得”而闻名，他将视觉体验描述为一种瞬时感知，作品中简单的几何图案在视觉上给观者留下深刻印象。而“斯特蒂文特的原作”则混淆这种即时识别的过程，证明你的所见会被你所知道的——包括某件作品的作者——所扭曲，并提请人们注意她所说的艺术的“底层结构”。

罗斯玛丽·卡斯托罗

Rosemarie Castoro

《红蓝绿紫》, 1964年

丙烯画布

213.4 x 212.7 厘米

Ed 4 of 5

在《红蓝绿紫》（1964 年）中，不规则形状的物体相互依偎，形成砖块般的图案。微微弯曲的线条使画作充满动感，以舞蹈般的姿态将视线推过画布。这种视觉上的俏皮感是罗斯玛丽·卡斯托罗对极简主义传统进行独特干预的特征。她被艺术评论家露西·R·利帕德（Lucy R. Lippard）赞誉为 “在极简主义中颠覆或推翻极简主义的人物”：卡斯托罗的艺术创作对极简主义不带感情色彩的数学原理提出质疑，她的艺术创作拥有个人和身体体验的质感。

作品是卡斯托罗作品中反复出现无限重复图案的早期范例，在同一时期的其他几幅画作中亦有出现。1966 年，策展人尤金·古森（E.C. Goossen）认为，正是“（她作品）形状的理性让她可以自由探索色彩的感官可能性”。类似这件画作的早期作品也吸引了其他艺术家的注意，弗兰克·斯特拉（Frank Stella）称她是同时代极简主义艺术家中“最好的色彩画家之一”。卡斯托罗从 1964 年开始通过图案探索色彩，也就是创作这件作品的那年；1968 年，她才彻底放弃对色彩的探索。

今年春季，《红蓝绿紫》被收录在纽约贾德基金会举办的卡斯托罗1964至1966年绘画作品展中。

托尼·克拉格

Tony Cragg

《观点》, 2019年

不锈钢，820kg

295 x 74 x 68 厘米

英国知名雕塑家托尼·克拉格的作品探索自然与人工世界之间的复杂关系，发展出创新而独特的雕塑语言。作品《观点》（2019 年）的孪生结构让人联想到自然地质形态，如岩石在风和水的作用下风化，但作品的短暂性破坏任何永恒感——高度抛光的不锈钢表面随着周围环境的变化（包括光线和运动）而变得生动。细腻、起伏的造型让人联想到潺潺流水，仿佛凝固在运动中，同时也暗示人的轮廓，似乎在曲线中忽隐忽现。艺术家自诩为“激进的材料主义者”，他“对材料的内部结构导致的外部外观感兴趣”。他的作品最初受到英国大地艺术和行为艺术的启发，灵感来自大自然中的宏观和微观结构，以及对工业材料和工艺的使用。

2021 年，《观点》和克拉格的一系列重要作品在诺福克郡霍顿庄园的庭院和历史悠久的室内展出。克拉格的大型作品展目前正在里斯本国家当代艺术博物馆展出，展期至 2024 年 2 月 25 日。克拉格作品回顾展将于 2024 年 2 月在杜塞尔多夫艺术宫开幕，随后将于 2024 年 5 月在约克郡霍华德城堡和约克明斯特举办具有重要展览。

乔治·巴塞利兹

Georg Baselitz

《与热门主题背道而驰》, 2007年

布面油画

300 x 250 厘米

《与热门主题背道而驰》（2007 年）是乔治·巴塞利茨“混合”（Remix）系列的一件重要作品。从2005年开始，在对自己的创作来源和影响进行了一段时间的反思后，巴塞利茨重新回到过去的主题和构图，正如策展人帕梅拉·施蒂特（Pamela Sticht）写道，改变“它们的节奏或引入新的参照物”，从而使熟悉的主题呈现出不同的面貌。“再混合”系列被认为是艺术家创作生涯最具决定性的革新时期之一。《与热门主题背道而驰》是巴塞利兹早期作品《热门主题 I》（Sujet Populaire I）（1998 年）的再混合版，原作描绘马塞尔·杜尚与一名侍女的亲密接触。然而，在2007年的作品中，巴塞利兹将杜尚的头放在侍女的肩膀上，他们似乎从画作中心向周围的红绿点区域解体，巧妙地将艺术史反思、情色和荒诞结合。该作品曾参加2008年在那不勒斯当代艺术博物馆举办的巴塞利兹作品展。

玛莎·琼沃斯

Martha Jungwirth

《无题》, 2023年

颜料、纸本、画布

242.2 x 273.5 厘米

玛莎·琼沃斯将绘画理解为一种超验的表达形式，存在于“口头语言之前”，“记忆之前”和“物体的突出之前”。她从旅行、媒体、神话和艺术史等丰富的因素中汲取养分，发展出独特的绘画方法。她将绘画领域视为"行动与激情”的”动态空间"，通过手势涂抹颜料综合她的各种参考资料，并因此备受推崇。这幅作品以黄色和绿色为主色调，周围是富有表现力的白色笔触，将充满活力的颜料层集中在作品中心，仿佛是偶然落在预先存在的支撑物上的事件，突显艺术家所有作品的悬浮特征。

2024 年夏天，毕尔巴鄂古根海姆美术馆将举办玛莎·琼沃斯的大型作品回顾展。

埃米利奥·维多瓦

Emilio Vedova

《自然循环‘56–1（巴西）》, 1956年

布面油画

200 x 90 厘米

《自然循环‘56–1（巴西）》是埃米利奥·维多瓦50 年代最著名的系列之一“自然循环”（Ciclo della natura）中的一幅重要早期作品。维多瓦在该时期进行了密集的绘画实验，他放弃抽象主义的僵硬几何图形，转而采用明暗对比强烈的手势绘画方法。1953-54 年，维多瓦参加了第二届圣保罗双年展。正如他在日记中描述的，巴西陌生风景的体验对他的创作产生了深远影响：“......全新的地理环境，巨大的垂直水平空间。庞大的城市，热带气候。人犹如蚂蚁一般。大自然就像一出戏剧，飓风就像最后的审判，洪水，自然的力量……”。在这幅画中，他狂热的笔触传达这种体验的原始力量。

《自然循环‘56–1（巴西）》于1956年在威尼斯双年展上展出。同年，维多瓦荣获所罗门·R·古根海姆基金会意大利奖，他的作品也首次被纽约现代艺术博物馆收藏。

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朱端丽

DAWN ZHU

（画廊亚洲区总监）