现场｜群展「幻影之地」｜佩斯首尔

佩斯首尔

汉南洞Le Beige大楼

「幻影之地」

Illusive Places

2024.05.11 – 2024.06.15

佩斯画廊首尔空间正在展出群展“幻影之地“，呈现托马斯·查普曼（Thomas Chapman）、亚历杭德罗·加门迪亚（Alejandro Garmendia）、路易斯·雅克（Louis Jacquot）、露西·穆利坎（Lucy Mullican）、米尔科·帕夫洛夫（Milko Pavlov）五位艺术家的作品，并持续至6月15日。展览汇集了分别以独特方式共同致力于重塑风景画的艺术家，他们的创作均以风景为出发点，对绘画主题、形式与内容进行了细致处理。

本次展览将自然之景变成了幻影之地，由此提出了对现实世界和生活的新视角。在展览作品中，抽象的空间感让位于不稳定的构图，充满了欲望、幻想，有时甚至是孤独。一系列的心理观点产生了各自的共鸣，并通过每位艺术家对在其作品中呈现独特现实的兴趣联系在一起。乌托邦、噩梦、幻觉和破碎的记忆都在这些幻影之地得到了具象化。

Installation View

Illusive Places

May 11 – June 15, 2024

Pace Gallery, Seoul

Photo: Sangtae Kim, Courtesy of Pace Gallery

托马斯·查普曼

Thomas Chapman

托马斯·查普曼（1975年出生于加利福尼亚州圣迭戈）在尝试了二十余年的异形画布创作之后，重新回归了具象绘画领域，并形成了深受其描绘日常生活的绘画影响的全新风格。与他的“湖画”（Lake Paintings）一样，本次展览中展出的作品也是对闲暇时光的窥视研究。多层叠加的图像营造出浓密的氛围雾气，使这些虚构场景中的人物几乎难以察觉。在他的作品中，现成的织物、拼贴画、借鉴的排版、记号笔、颜料、铅笔印记、胶水和其他大量元素构成了他作品的表面。查普曼早期绘画中一些非传统形状灵感来源于各种主题：天文学、神话和古代历史。查普曼的多元实践的共通之处是采用非传统的绘画方法，广泛利用各种支撑物和多层的、有时相互冲突的视觉信息。

Thomas Chapman

Golden Private, 2022-2023

acrylic, enamel, spray paint, marker and pencil on canvas

179.5 cm × 207 cm

亚历杭德罗·加门迪亚

Alejandro Garmendia

此次展出的亚历杭德罗·加门迪亚（1959—2017，西班牙圣塞巴斯蒂安）的两件作品出自他的“Pinturas Sucias”（脏画）系列。但为什么是“脏”呢？当然与这些画作浑浊混乱的外观有关。这些画的创作过程杂乱无章，色调浑浊，反映出艺术家将偶然和不完美作为创作实践的一部分，展现出他创作这些作品的过程以及与其一致作品的概念基础。风景画“脏”的概念本身就表明，加门迪亚在质疑绘画行为本身的合法性——更具体地说，质疑在当代创作田园风光作品的冲动。这是另一种具有讽刺意味和颠覆性的姿态，表明加门迪亚意识到他所选主题的风险，因为这些作品似乎与前卫倾向和当代艺术的发展路线背道而驰。无论如何，这些作品都是他以他所推崇的超现实主义为背景，并参考其他艺术史资料进行实验的托辞。加门迪亚记录了不存在的事物，创造了物理上不可能的构图，并最终呈现了一种疏离的形而上世界观，唤起了人们的距离感与迷失感。

Alejandro Garmendia

Untitled, 1998-2004

oil and resin on canvas

135 cm × 130 cm

路易·雅克

Louis Jacquot

路易·雅克（1994年出生于法国巴黎）的创作围绕着物体与图像之间的关系展开。艺术家的雕塑绘画将极简主义姿态与图标元素相结合。本次展览展出的两件作品《Blinky》（2022）和《Imi》（2022）将私密空间和家庭物品反转，创造出一种虚幻的视角。在雅克的笔下，私人性的主题超越了画面，涵盖了整幅画。画布的材料——床上用品和形状——就像一本袖珍笔记本，都在诉说着与身体的密切接触。此前，艺术家在巴黎高等美术学院求学期间的工作空间更像是木工车间，而不是画家工作室。他避免使用“自己”的标记，而是使用几乎没有任何图形元素的物品。在少数使用颜料的情况下，雅克选择了可能属于任何人的图像。他以前的作品显示出一种非个人化的语汇，即从街头挪用的通用符号——任何普遍的标志都成为他感兴趣的主题。

Louis Jacquot

Imi, 2023

acrylic and polyurethane on cotton

208.3 cm × 127 cm

露西·穆利坎

Lucy Mullican

露西·穆利坎（1994年出生于纽约）的绘画以地平线为构图手段，在地心引力和人类精神之间营造出一种紧张关系。我们可以在她的作品中追踪到虚无缥缈的世界地图，这些作品最终都是自画像。艺术家经历了精神上的蜕变，这一点从她不再描绘瀑布、岛屿和河流，而是更多地对心灵和器官进行沉思和内省就可见一斑。外部环境与身体形态相融合，创造出拟人化的风景。她在木板上绘制的精致画作由多层矿物颜料和脉动线条组成，形成半透明的表面。在这些作品中，被艺术家称为“口袋”（pockets）或“洞”（holes）的东西就像通道一样，让观众可以在画面之间来回穿梭。天然的水彩颜料渗入木板之中，体现了艺术家对于媒介的理解和她与生俱来的流畅运用技术的能力。穆利坎极具洞察力的幻象超越了表面，揭示了不可见之物，让我们更接近自身的感受。充斥着光线的短暂瞬间体现出艺术家对精神性的表现。

Lucy Mullican

In between, 2022

watercolor on board

50 cm × 50 cm

米尔克·帕夫洛夫

Milko Pavlov

米尔克·帕夫洛夫（1956年出生于保加利亚艾托斯）的画作描绘了一个想象中的自然世界，在这个世界里，岩层、树木、水和其他有机物都变得难以辨认。艺术家将自然主义和抽象主义的表现手法相互结合，以一种不断变化的观看方式，在有限的画面中创造出广阔的构图。在帕夫洛夫的作品中，形式、画面和构图的发展是以绘画本身为主题的。他的黑白拓印作品——一种他现在应用于画布的技术——是他在20世纪90年代初创作于保加利亚的图形作品的延续。艺术家五彩斑斓的用色源于他早期接触的18和19世纪保加利亚圣像画家，这使他的关注点转向了宗教艺术作品，而不是吸收与20世纪70年代保加利亚占主导地位的社会主义现实主义美学相关的形式观念。帕夫洛夫对他的标题感兴趣的是反映不同时间交汇的概念维度。在许多情况下，他的作品标题可能包含多个未来日期，例如本次展览中的《2133-2 МРП 2042》（2024）和《B.V 2099 МРП 2065》（2022）。通过这些对未来时代的引用，帕夫洛夫试图挑战一切事物的预期寿命：包括他自己、观众和绘画本身。艺术家在绘画中组织空间的方式——即构图——如同山脉或风景，这种下意识的手势或许呼应着其祖国多山的特点。

Milko Pavlov

P.F. 2107/14 2065 MPП, 2022

oil on canvas

170 cm × 130 cm

关于策展人

赛·施纳贝尔

Richard Misrach

赛·施纳贝尔（1993年生于纽约），独立策展人、马格达莱纳别墅画廊（Villa Magdalena）创始人和总监。该画廊专注于西班牙当代绘画，并与国际中期和新兴艺术家合作。

2017年，施纳贝尔在墨西哥城的墨西哥西班牙文化中心（CCEMX）担任助理策展人，并首次策划了群展“Horizontes Imaginarios”。2018年，施纳贝尔与他人共同策划了“亚历杭德罗·加门迪亚”（Alejandro Garmendia）遗作回顾展“Paisajes, enigma, y melancolía”。施纳贝尔在位于墨西哥城的马斯科塔画廊（Galeri?a Mascota）举办了两场展览——“Mie Yim: New Works on Paper”（2022）和“Lucy Mullican: Veils”（2023），分别是两位艺术家在墨西哥的首次个展。此外，施纳贝尔与Spazio Amanita合作，策划了“Felicidad Moreno: Form and Formlessness”（迈阿密，2022）和“Cristina Lama: Mu?sica para un murcie?lago”（纽约，2023），这是两位艺术家在美国的首次个展。他还在马拉加艺术中心（CAC Ma?laga）举办的展览“施纳贝尔与西班牙：万物皆可称为绘画的模型”担任作者和联合策展人，该展览展出了他的父亲——朱利安·施纳贝尔（Julian Schnabel）从1997年至今创作的23幅绘画作品，展示了艺术家在西班牙绘画背景下的作品及其在此期间的创作实践。