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Click Ten｜群展《生成主义-追击结果的边界》即将开幕

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/ 生成主义 /

追击结果的边界

/ Enactivism /

Chasing the Boundaries of Outcomes

2024.7.13-2024.8.20

Click Ten Gallery

北京市朝阳区798艺术区内706北路东

706 North Road East, 798 Art Zone, Chaoyang District, Beijing

Click Ten Gallery荣幸地推出群展《生成主义-追击结果的边界》。

Click Ten Gallery is honored to present the group exhibition “Enactivism - Chasing the Boundaries of Outcomes".

这是一个“技术”开始不断渗透进日常生活的时代，不是“润物细无声”式的，而是直接的介入。因此，“技术”慢慢成为我们话语的中心——不是以一种威胁、恐慌的态度，就是过于乐观的方式。这可能是“摩尔定律”所产生的效应：技术发展的周期缩减到肉眼可见的程度，越来越集成化和智能化。这种倾向也在艺术世界中蔓延：它不再是稳定的、不变的、永恒的。“生成”越来越成为艺术与世界展开对话的前提——艺术不是要把这一切知识囊括进来，不断的膨胀；而是要在这些领域中寻得“生成”的空间，扩大经验言说和表达的范围。

我们在此关注并试图定义艺术中的生成主义(Enactivism)是因为对于很多艺术家，特别是在绘画媒介工作的艺术家来说，对于过程的认识和强调都已经成为了他们日常创作的一部分；但可惜的是，大多数上述艺术家因为语言的缺失或模糊，并没有真正将自己对于过程的认识认知为一个有价值的视角。我们在本文中以及在本次展览中强化生成主义(Enactivism)这个概念，即为了将上述认识确定一个语言层面的锚点，并希望通过这些工作为当代艺术的观者和收藏者提供一个新的对此类作品的认知路径。

在艺术的语境中，无论在艺术史中还是在当代，我们都非常习惯性地使用着“作品”和“工作”这两个词，用以描述艺术家所提供的产品，即“（创作）工作的结果”——作品；以及生产作品的过程——工作。“工作——作品”作为一个认知框架，在艺术的认知模型中扮演着底层的，根基性的常识性共识。而正如本文一开始所指出的，这个认知框架绝不是真理式的，相反，它是缺乏理性和逻辑基础的。所以有一些艺术家以休谟的怀疑论作为自己工作中最首要的工具，通过创作，质疑“作品-工作”即“过程-结果”的认知框架，转而强调另一种以“过程为核心”的认知框架——这些艺术家即是本次展览中我们关注的生成主义艺术家。

生成主义艺术家的工作媒介可能是绘画，装置，行为，声音或者观念，但这只是他们工作的一方面。在更深度的对话中，他们会告诉你：他们工作真正的对象不是这些具体的作品，而是生成作品的过程。这种言语往往令人困惑，似乎我们能够听懂但并不能令人信服。本次展览中，我们选择了7位艺术家：何伟，劳大伦，雷鸣，司马源，山本捷平, Stephen Gleadow以及云峰，并将展览的重点设定在关注这些艺术家工作中的观念，工作过程中的结构以及自己如何让随机性和偶发性参与并决定自己最终的结果。同时在展览的写作中，我们使用生成主义的话语详细分析了每一位艺术家的工作，希望唤起一种新的认知其作品的视角，确定一种价值的标准。同时，我们希望即由”生成式”创作本身所构成的文本意义，随着历史语境的不断更迭，得以不断生成新的意义，形成意义的转义与流变。

Enactivism

Chasing the Boundaries of Outcomes

This is an era in which "technology" has begun to permeate our daily lives, not in a "silent" way, but rather a direct one. As a result, "technology" is slowly becoming the center of our discourse - either in a threatening, fearful or overly optimistic manner. This may be an effect of Moore's Law: the cycle of technological development is shrinking to a visible level, becoming more and more integrated and intelligent. This tendency is also spreading in the art world: it is no longer stable, unchanging or eternal, but rather, increasingly, enact has become the premise of art's dialogue with the world - art is not about encompassing all this knowledge and expanding it; rather, it is about finding space of enaction in these fields, expanding the scope of experience, and making it more and more accessible to all. It is not to encompass all this knowledge and expand it; rather, it is to find in these fields a space to enact and to expand the scope of the discourse and expression of experience.

We focus on and try to define enactivism in art by this exhibition because for many artists, especially those who work in the media of painting, the recognition and emphasis on process has become part of their daily creation; yet unfortunately, most of the abovementioned artists, due to the lack or ambiguity of the language, have not really recognized their own understanding of process as a valuable perspective. We reinforce the concept of “enactivism” in this article and in this exhibition in order to establish a linguistic anchor for the above understanding, and hope that through this work we can provide contemporary art viewers and collectors with a new path to perceive such works.

In the context of art, both in art history and in contemporary times, we use the terms " artwork" and "work" very habitually to describe the products offered by artists, i.e. "the result of (creative) work" - the artwork; and the process of producing the artwork - the work. The result of the (creative) work" - the artwork; and the process of producing the artwork - the work. As a cognitive framework, "work-artwork" plays the role of an underlying, fundamental, common-sense consensus in the cognitive model of art. As pointed out at the beginning of this article, this cognitive framework is by no means truthful; on the contrary, it lacks rational and logical foundations. Therefore, some artists use Hume's skepticism as the most important tool in their work, and through their doings, they question the cognitive framework of " artwork-work", i.e. "process-result", and emphasize another cognitive framework which is "process-centered" framework. These artists are the enactivist artists that we are concerned with in this exhibition.

Enactivism artists may work in the media of painting, installation, performance, sound or conceptual, but this is just one aspect of their work. In a deeper dialogue, they will tell you that the real object of their work is not these specific pieces, but the process of generating them. This kind of talk is often confusing, as if we can understand it but it is not convincing. For this exhibition, we have selected seven artists: He Wei, LODTALAD, Lei Ming, Sima Yuan, Shohei Yamamoto, Stephen Gleadow and Yunfeng, and set the focus of the exhibition on the concepts of these artists' work, the structure of the working process, and how they allow randomness and improvisation to participate in and determine their own final results. At the same time, in the writing of the exhibition, we use enactivist discourse to analyze each artist's work in detail, in the hope of evoking a new way of perceiving his or her work, and defining a standard of value. At the same time, we hope that the textual meanings constituted by the enactivist creativity will continue to generate new meanings as the historical context continues to change, resulting in the transmutation and flux of meanings.

何伟，1980年出生于新疆，2005年毕业于四川美术学院油画专业，现生活和工作于北京。

近年展览包括：tone, 回声画廊，北京（2024）；何伟 | 新作，赛森艺术空间，上海（2022）；何伟个展，香格纳M50，上海（2021）；一起做陌生人，Q21博物馆区，维也纳，奥地利（2021）；拼拼凑凑的利维坦，桥项目，洛杉矶（2020）& Luhring Augustine，纽约，美国（2019）；何伟 & 唐茂宏 – 双个展，香格纳北京（2019）；何伟：原色，C-空间，北京（2016）；何伟：矛盾，望远镜艺术家?作室，北京（2015）；何伟：无法触及的地?，季节画廊，北京（2010）；新界面 3：搜索未来，刘海粟美术馆，上海（2007）等。

劳大伦（LODTALAD）是现实与虚拟交融后所得的现实身份，他在充满了偶然性的创世造物假定场景下，依靠自身逻辑开垦了一片想象的疆域，显像于绘画媒介，剥离出事物的基本要素，构建了他所面临的未知世界。“劳”所对应的“LOD”源自一类高效率的渲染运算方式。在LOD的基础图像为，内在图像在清晰的边缘下呈现相对模糊的状态。劳大伦创造了一系列可在此基础上演进的绘画元要素，形成了新的视觉造型意识，从而提炼出虚拟世界特有的美学。它们作为元语言，构建了一系列元图像，处理并关切着复杂的审美问题。劳家辉生于中国广东广州。毕业于中央美术学院版画系。现工作生活于北京、广州。

策划展览：“洛德世界2:敌友大会”（野松画廊，2022），“洛德世界：起航”（海涵艺术空间，2021）。

近年展览包括：“劳大伦：深入浮岛觅神仙”（站台中国，2024），“劳大伦：投入具身世界”（北京保税艺术区，2024），“Birth——劳大伦”（站台中国，2022），“肖像1洛德塔拉德” （fakeproject 2022），“劳大伦 LTLLL”（站台中国-dRoom，2021），“有个叫劳家辉的人开了个虚拟博物馆” （5art space，2019），“玩家的未来“ （C龙口空间，2018）。

雷鸣，1986年生于青岛。2008 年毕业于天津美术学院版画系。2017 年毕业于中央美术学院未来媒体艺术方向，跟随 Jeffery Shaw（邵志飞）学习。作为业余艺术家，他专注与图像及其技术配置的问题。

近年展览包括：不确定，M的房间，北京（2023）；上海，第 40 天，M 的房间，北京（2020）；姑且相信，凹凸空间，北京（2019）；unfreeze，松美术馆，北京（2019）；数据·图像·异轨，gessoisland，沈阳（2018）；现在的未来，杨画廊，798 艺术区，北京（2017）；三联，个展，salt project ，北京（2016）；空间协商，群展，中央美术学院美术馆，北京（2016）；空间计，群展，泛空间，草场地，北京（2015）；我是我非我，群展，中央美术学院美术馆，北京（2014）；凯撒艺术新星，群展，今日美术馆，北京（2013）。

山本捷平（Shohei Yamamoto），1994年出生于日本神奈川县。2019年毕业于京都艺术大学，获美术与应用艺术专业硕士学位；2017毕业于京都艺术大学美术系。曾获奖项奖项“东京丸之内，法国驻日大使馆艺术奖”（2019）。

近年展览包括：替身术，Click Ten Gallery，北京，中国（2024）；方解石神话：希腊美人，银座Tsutaya，东京，日本（2022）；方解石：神话，藤崎律树画廊，东京，日本（2022）；回复：重申，日本东京法语研究所（2022）；什么是“实体”，梅德画廊，树，东京，日本，（2019）。

司马源，具有科学与艺术双重教育背景的艺术家。十年钢琴弹奏经验。水头电台联合创始人。生于北京，先后毕业于南京大学生命科学学院和伦敦艺术大学传媒学院。获理学学士、艺术学硕士。她的作品曾在BITOWER（Voxel元宇宙）、声音艺术博物馆、意大利威尼斯策展研究学院 G21 项目、英国 FORMAT 国际摄影节、挪威卡布索美术馆 (Kabuso Art Museum)、泰达当代艺术博物馆、中华世纪坛、天津美术馆、英国中央圣马丁艺术与设计学院等地展出；曾入选南京大学“万籁计划”艺术与声学跨学科驻地项目；作品涉及声音、实验剧场、影像、绘画、文字、行为、虚拟设计等多种形式。

近年展览包括：“SIMA Yuan-Outside of Art”，NYRCA, 纽约，(2023)；“流水”，SIMULACRA, 北京，（2023）；“艺术家是展览的奴隶”，HIDE OUT，天津，（2022）；“与司马源同名”，Aiyo, 北京（2022）；“Ziyang & Charmian”，南京艺术学院美术馆，南京，（2021）；“获取 I”， TELESCOPE，北京，（2019）；“觉知”，尚8美术馆，北京，（2018）等。

Stephen Gleadow 是一位来自美国的新兴艺术家，在中国北京生活和工作。他的作品包括各种实践模式，包括绘画、雕塑、装置、摄影和电影/视频。他的作品继续参考科学、历史和精神概念的背景，并对发现的物体和文物的材料和配置进行了广泛的实验。在保持与抽象语言更普遍的联系的同时，他的最新作品综合了他作为一名在中国工作的艺术家的物质环境和经历。他活跃于北京的创意界，间歇性地以独立策展人的身份参与各种艺术和设计项目的创意总监。

近年展览包括：LEXICON，塘艺术区, 北京（2023）；二十世纪的遗迹生坑，茶所，北京（2023）；陆柒捌玖·群展，798第零空间，北京（2022）；静止图，ZAP，北京（2021）；复合利维坦，洛杉矶（2020）；信号，草场地，北京（2018）；思想的相似性，望远镜艺术家工作室，北京（2016）；合成，BAC空间，北京（2015）等。

云峰，2016年毕业于中央美术学院实验艺术学院，并获得艺术硕士学位。他的作品曾在北京松美术馆、民生美术馆、北京当代美术馆、盘子空间、上海明当代美术馆、OCAT深圳馆、陌上art、AITE线上艺博会、ON SPACE、西班牙CUVO视频艺术节等展出，还曾获得首届俊安实验艺术学术奖、丹麦EXTRACT-YOUNG艺术奖，并入围影像上海艺术博览会曝光奖。

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林梓，策展人，独立批评人，心理咨询师。致力于艺术批评的生态建设，以及精神分析话语在策展和写作中的实践。

2017年获得美国纽约视觉艺术学院艺术硕士（艺术批评及写作）荣誉学位，同时拥有加拿大阿卡迪亚大学（Acadia University）历史学士和心理学士双学位。从2017年开始，林梓在纽约策划了多场展览，其中比较重要的是于2019年在La Mama Galleria策划的纽约青年艺术家群展《When Black Swallows Red》；近些年的主要展览为2022年8月，郑州市石美术馆和北京仚東堂画廊的合作项目中策划国际国内青年艺术家群展《西郊问路》；2023年在香港巴塞尔期间于保利香港艺术空间策划左岩峰个展《Osteo Indigo》；2023年5月，于温州弘美术馆策划艺术家徐震?个展《训练祖宗》；2023年11月于北京世青学院校园组织大型艺术家社群共创项目“东风艺术学园”等