奥拉维尔·埃利亚松_好奇之旅 | 国家美术·关注

巡回展览 "奥拉维尔·埃利亚松：你的好奇之旅" 是冰岛裔丹麦艺术家奥拉维尔·埃利亚松在东南亚地区举办的首次大型个展。此次巡回展览展出了一系列艺术家标志性作品，这些作品通过不同的媒介，触及了他长达三十年的创作实践中的重要主题：显化、体验、感知以及气候行动的紧迫性和超越人类的视角。在埃利亚松的艺术实践中，他一直渴望将无法把握的材料变得有形。《美》（1993年）、《共生视觉》（2020年）、《通风器》（1997年）和《漂流指南针》（2019年）等标志性作品利用光、风、雾和水等瞬息性的材料，幻化出瞬息万变的现象：闪烁的彩虹、旋转的薄雾、喷泉瞬间的雕塑形态或使我们周围环境中看不见的元素（如空气或磁场）成为可体验的事物。其他作品，如 "立方体结构演变项目"（2004年），则邀请参观者合作创造共同体验，构建一个共享世界。

▲《奥拉维尔·埃利亚松：你的好奇之旅》展览现场

展览中一组作品的核心内容是这系列作品在三年时间内前往各地的旅程：安装在板条箱中的绘画装置将绘制抽象图画，“描绘作品”乘坐卡车、火车或轮船前往目的地的漫长旅程。这些视觉痕迹将在 "你的奇妙旅程 "的每一站展出，将展览旅程背后的全球故事带入展览。

▲《奥拉维尔·埃利亚松：你的好奇之旅》展览现场

埃利亚松密切关注我们感知周围世界的不同方式。他在作品中对物理进行了有趣的实验，探索了表象和体验之间的差距。这些作品不仅仅是艺术品，还可以被视为视觉悖论、科学实验。

▲《美》聚光灯、水、喷嘴、木材、软管、泵 尺寸可变 1993

一层薄薄的薄雾让人联想到细雨，在黑暗的空间中被一盏独特的聚光灯照亮。当以恰到好处的角度观看时，棱镜般的光线反射就会显现出来——一道发光的彩虹，也证明了它的名字：美。虽然水在不断流动，但这个幽灵的外观取决于我们相对于艺术品的位置。由于光线在水滴上的折射和反射方式不同，同一时刻没有两个观众看到相同的彩虹。因此，《美》的主题既是光又是观者，这就引出了一个问题：彩虹是独立存在的，还是因为我们感知它而存在？《美》所促成的这种反身性，与作品中暴露的装置相结合，增强了我们对感知行为和观看体验的意识。

▲《Object defined by activity (then)》水、不锈钢、泡沫塑料、塑料、泵、喷嘴、频闪灯 2009

这个作品由位于漆黑房间中的水景组成。它旺盛的水流仅由频闪灯照亮，频闪灯以激进的节奏不停地闪烁。每次被照亮的时间只有几分之一秒，我们几乎无法记录下水令人着迷、有机和不断变化的形式的每一张逃逸图像。虽然持续不断的流水声让我们实时接地，但作品的速度、高调的灯光和对壮观图像的无情、频闪的围攻将这个正在进行的过程碎片化并冻结在时间上的众多微裂缝中。既是一个动态的物理装置，又是一系列静止的、转瞬即逝的框架。

▲《共生视觉》激光器（青色、黄色）、烟雾机、通风系统、音频 2020

在《共生视觉》中，一个房间的天花板似乎同时栖息着三种物质状态。乍一看，它可能看起来平坦而坚固。然而，仔细观察后，这个天花板发现自己是一层液体皮肤，带有微小的漩涡和漩涡涟漪。这些效果是彩色激光与周期性释放的雾气融合的结果。通过结合短暂的材料，作品似乎占据了物理状态之间的阈限空间，并成为个人和社区展开的沉思运动的有机环境。

▲《立方体结构演变项目》白色乐高积木（各种尺寸），木头，镜子 2004

长桌上散落着成堆的白色乐高积木，在高耸的摩天大楼和富有想象力的建筑群中。这些建筑物可以根据坐在桌子周围的人的心血来潮同时建造和解构。通过邀请我们添加自己的建筑杰作，埃利亚松创造了一个自由发挥和创造力的温馨空间。这件作品是一件没有最终形式的艺术品，它通过我们热情的参与而变得完整。

▲《黄色走廊》单频灯 1997

一排单频黄色灯光照亮了两个展厅之间的通道。在最集中的时候，光线会使接触到的一切都变成深浅不一的灰色，从而将我们的视觉光谱限制在大多数人都不习惯的狭小范围内。在走廊的尽头，刺目的黄色灯光被从美术馆窗户射进 来的日光所调和，让我们从被切换的感官体验中缓缓过渡至原本的状态。

▲《星际谐振器》棱柱形玻璃环，彩色滤光玻璃（黄色），LED灯，镇流器，不锈钢，黄铜，油漆（白色），电缆98.5×98.5×75厘米 2018

在星际谐振器中，光穿过棱柱状透镜表面，然后分裂成从中心点辐射的多个环。它借鉴了菲涅尔透镜的原理，菲涅尔透镜是一种玻璃，可捕获来自单一光源的外围光束以产生增强的光束。菲涅尔透镜用于灯塔，将光线传输到公海更远的船只，并引导它们到达安全港。星际谐振器的光带是一种不同的信标，将本发明的科学特性扩展到实际应用之外，并将它们调整为审美体验。

▲《Life is lived along lines》不锈钢、黄铜、铜、电机、投影屏、木材、HMI灯具 2009

走进“Life is lived along lines”装置空间，我们首先看到的是投影屏幕的背面，阴影沿着水平线投射在上面。这些阴影暗示了背后的东西。埃利亚松展示了他的制作方法，让我们在屏幕上走来走去，发现将三维形式扁平化为二维轮廓的装置——五个物体模型、一组百叶窗和一个聚光灯。当对象模型沿中心轴缓慢旋转时，它们的阴影也会随之旋转。这种共享的运动在图像和物体之间创造了同步性，提醒我们它们只是同一枚硬币的两面。

▲《The seismographic testimony of distance》木材、纸张、墨水 2024

绘图机在埃利亚松的实践中占有重要地位，包括“The seismographic testimony of distance”系列。尽管碳排放量较高，但为了方便起见，货物通常通过空运运输，艺术品也不例外。考虑到展览的碳足迹，艺术家选择将《你的好奇之旅》中展出的大部分艺术品通过海路运送到新加坡。为了记录他们穿越陆地和海洋的旅程，这批货物中包括了六台基本的绘图机。圆珠笔设置在空白纸上，每个机械臂上都装有圆珠笔，并允许自由运行，标记板条箱的每一个颠簸和转弯，从而产生一系列独特的地震草图。

▲《最后七天的冰川》青铜，玻璃球，不锈钢，铝 2024

大冰川对气候波动的敏感性在《冰川的最后七天》中得到了强调。最初在冰岛南部的钻石海滩上发现的一块冰块，在其融化的各个阶段被可视化。每个舞台都以青铜铸造，唤起了一种永恒的表象。每个铸件都与一个透明的玻璃球配对——这是流失的水的体积表示。作为一项可以被描述为挽歌数据可视化的练习，冰川冰的最后七天促使我们考虑稳定的退化过程，以及在此过程中损失的总和。

▲《苔藓墙》驯鹿苔藓，木头，铁丝 1994

这件作品是一幅由驯鹿杯苔藓 (Cladonia rangiferina) 组成的有机垂直地毯，俗称“驯鹿苔” 的驯鹿杯苔藓， 是由至少一种真菌和一种藻类组成的共生体，覆盖了北部苔原和针叶林生态系统的大片区域。在这里，苔藓颠覆了原本同质的美术馆空间，打破了室内和室外的界限，将大自然其中一个 伟大奇景，直接带到了访客面前，让访客与一堵活生生、会呼吸的墙面对面。

▲《奥拉维尔·埃利亚松：你的好奇之旅》展览现场

埃利亚松在他的绘画、雕塑和装置作品中捕捉到了这些超客体的踪迹， 从而与无法把握的事物进行了短暂而微弱的接触。

_关于艺术家

奥拉维尔·埃利亚松于1967年出生于丹麦首都哥本哈根的一个普通家庭，他的父亲是一位厨师，同时也是一位业余艺术家，他的母亲是一位裁缝。在父母离异后，埃利亚松跟随热爱艺术的父亲搬到冰岛生活。那里的星辰、极光和无尽漫长的黑夜，都成为他创作灵感的底色，同时，与自然的亲近也让埃利亚松在今后的艺术创作道路上获得诸多灵感。风、光、水、雾、冰、气等一系列现象，都成为他创作的材料。气象学、物理学、光学和建筑学也成为他艺术表现的基石。1989到1995年，他曾在丹麦皇家美术学院学习。1995年，他移居柏林，创立工作室。他喜欢跨界合作，是一位涉猎广泛的视觉艺术家，他擅长运用装置、绘画、雕塑、摄影和电影等媒介创作。从1997年至今，他在世界各地的重要博物馆举办个展。