新氧艺O2art｜策展人问答｜孙彦初、吴禹墨、张泽洋平

孙彦初：最近总能看到有着美丽颜色的天空，比如朝霞或“狗狼时光”。所以把这些颜色反应到了新的作品中。

吴禹墨：厦门《回声岛屿》的个展刚刚结束，开始梳理在泉州驻地时的大量素材；同时在计划完成立体雕塑和海洋生物有关的一系列作品思考；期间也在工作室进行着与蓝晒结合的无意识绘画。

张泽洋平：最近在准备作一些空间影像和声音装置的作品。

孙彦初：最近几年，除了每年主动规划的一两次的长途旅行之外，我没有其他方式的流动生活。至于变化，如果不是大的意外，我反而觉得挺好。当下似乎没有什么是固定不变的，一切都处在流变之中。

吴禹墨：我基本长时间过着流动性的生活，持续在不同的城市和国家之间移动、生活、和观察。

张泽洋平：流动性生活对我来说，是一种常态化。我经历过多个城市和国家的生活，每次迁移都伴随着新的文化、语言和社会环境的适应。这种流动性不仅影响了我的日常生活，也深刻地影响了我的艺术创作方式和主题选择。在面对流动性的变化时，保持开放的心态和敏感的观察力是必不可少的。每到一个新的地方，我都会尝试融入当地的文化，与当地人交流，探索和理解这个地方的独特之处。这种跨文化的体验不仅拓宽了我的视野，也为我的艺术创作提供了丰富的灵感和素材。

数字化生活对流动性生活的影响尤为显著。通过互联网和社交媒体，我能够保持与世界各地的艺术家和观众的联系和交流。这不仅使得我可以在物理上不断移动，同时也在虚拟空间中持续地分享我的作品、探讨艺术理念，并与全球的艺术场景保持互动。我尝试以一种平衡的方式去理解和融合不同的文化元素，同时保持对个人身份和根基的认同。流动性的生活教会了我灵活应对变化，同时也激发了我对多样性和全球化的思考，这些都反映在我的作品中。

孙彦初：这两种关系我都曾经历或正在经历，我早期的摄影作品诚实的反应了我那时的生活周遭和现实遭遇，那个阶段整日拿着傻瓜胶片相机在荒野乡间游荡拍摄，乡野即是我的工作室。现在我的作品不用依赖客观现实，便可实现心中思想。所以身处日常生活中、阅读中、或旅行中我收集创作素材、想法，再回到工作室里完成创作。

吴禹墨：作品中的我是自洽、和谐的。并没有因着做作品而变得不真实。我一直用生活里碎片化的时间完成了许多系列作品，一种通过时间一点点积累的状态。我目前每年有半年时间生活在北京，在北京的工作室真真的生活，工作室于我更像是一处放置我在世界各地收集的所有材料的地方。我的大部分作品也并非在工作室产生的，我更喜欢在一个陌生的环境下，移动中去创作和生活。1-3个月集中思考、创作，我更倾向于集中时间来工作。而回到工作室反而更像常规意义上周而复始的生活。

张泽洋平：我的作品和我的生活之间存在密切的关系，它们相辅相成，互相映衬。我相信艺术创作是一种深刻的自我表达和探索过程，既反映了我个人的情感、经历和思考，也探索了我内心深处的复杂性和矛盾性。我的生活方式对我的创作方式有着直接的影响。我尝试保持开放的思维，接纳不同的文化和观念，这种多元化的体验成为我的作品的一个重要元素。我的创作常常涉及到对人类情感、社会议题和哲学思考的探索，这些主题往往源自我生活中的观察、反思和感悟。在创作过程中，我试图通过艺术语言来捕捉和传达那些难以言说的情感和精神体验。这并非简单的照搬生活的场景或事件，而是通过抽象化、符号化或者象征性的方式来呈现，从而赋予作品更深层次的意义和普遍性。

孙彦初：目前我还未涉及到使用社交网络来创作作品，我认为不论是使用社交网络或者人工智能、抑或虚拟世界，只要这些媒介具备强烈的必要性，或辅助创作者真诚而准确的表达，即是成立的。

吴禹墨：我喜欢物理层面上可触碰的、可感受的，互联网、数字化对我的创作影响不大。

张泽洋平：社交网络使艺术创作成为了更加个性化和多样化的公共表达方式。艺术家可以通过自己的社交媒体账号建立个人品牌和身份，展示自己的创作过程、生活理念和背景故事，与观众建立更为密切的情感联系。这种直接的人际互动不仅增强了作品的可接近性，也促进了观众对艺术家及其作品的深入理解和认同。虽然它增加了作品的曝光度，但也可能导致艺术市场的商业化和泛滥，使一些内容和形式的艺术受到更多关注，而其他更深度的作品可能被忽视。社交网络还带来了关于艺术品质、审美标准和创作动机的新的讨论和争议。个人而言，社交网络视为一个重要的创作和交流平台。

吴禹墨：于我个人而言，很笃定内心深入感知的一面，相较于舆论，我认为本质更重要。当下的艺术评论太快、太网感了。我只吸收自己需要的部份即可。

张泽洋平：一方面，互联网促进了艺术评论的全球传播和民主化，允许更多声音参与，并提供即时反馈。这种互动性和多样化视角丰富了艺术讨论。另一方面，社交媒体上的舆论压力亦会掩盖作品的真实价值，信息过载使观者难以筛选有价值的评论，而极端化和炒作的现象，也可能扭曲艺术的真实内容。

孙彦初：微观感受才是我的切身感受，真切的似乎才能使情绪真实。诚实的面对自己，才能处理好微小个体与宏大时代的关系。

吴禹墨：我的创作是基于摄影本体语言的思考，一种主观摄影者的视角，对客观摄影对象本身客观性的一种观察。我观察的是时间感的流逝，希望作品呈现出时间切片，及我所在的自然、社会环境下的人的真实感受，在场性是重要的。即对一切经历过时间而变化的自然之物的观察。我的大部份绘画作品，在潜意识中并不清晰，但脑海中生成了某一些即时画面，所以手才不由自主的产生了游走的绘画。我喜欢画画时独处的感觉，是一场逐渐通透的自愈与修复。

张泽洋平：我在创作过程中的个人微观感受与情绪；孤独感与连接：在一个高度数字化、信息过载的时代，个人可能感到孤独和疏离。这种孤独感与社交媒体上表面上的连接形成了对比。我的作品黑白照片的部分大多是以平静的状态下拍摄的，探索个体在宏大时代背景下的孤独与渴望被理解或是不在乎任何周遭事物的沉寂心境。

焦虑与不安：现代社会的快节奏和不确定性可能导致个体的焦虑感。在宏大的时代背景中，如经济危机、环境变化等，个人的微观感受—如生活的不安、对未来的恐惧。我的部分作品却是反相的平衡，在高速变幻的社会中，寻求一丝稳定和安宁。

希望与梦想：即便在逆境中，个人也会怀有希望和梦想。这种微观的积极情绪可以在宏大的时代背景下显得尤为珍贵，在困境中依然不放弃的勇气和追求。

时代背景的影响：宏大的时代背景，如社会变革、科技进步或政治动荡，往往塑造了个人的生活条件和心理状态。艺术家可能会通过对这些宏大背景的反映，来揭示个体如何在这些外部因素的影响下，经历内心的变化和成长。

孙彦初：哈哈，我在我们村“出名”挺早的。加之我是宿命论者，所以一切刚刚好。

吴禹墨：出名早固然好，但并不能代表什么。反而持续的坚持和遵循计划、步骤去实现更为重要。目前我所处的阶段，并不是艺术圈的核心版块，这使得我在圈内和圈外同时具有了一种交集。每一个行业做到最好，可能都是通向更高维度的一个过程。目前我正有节奏、有计划的，一步一步、有进有退的行走在通往那个维度的路途中。

张泽洋平：早早获得认可和知名度可以为个体带来更多机会和资源。这包括职业发展、资金支持、平台曝光等。对于艺术家、创作者或任何领域的专业人士来说，早期的曝光往往有助于积累经验和建立网络，进而推动职业发展。在某些领域，尤其是艺术、体育等，需要在年轻时就展现才能和潜力，利用身体和创造力的黄金时期。年轻时的出名，可以在未来的职业生涯中建立起坚实的基础。然而，过早的知名度也可能带来风险和压力。年轻时获得巨大的关注，可能会对个人的心理健康、创作自由或职业发展造成压力。个人还可能在经验和成熟度上不足，难以应对随之而来的挑战和期待。我自身对于现阶段的状态，还是平常心占主要位置。

孙彦初：我从拍摄进入创作，同时也喜欢绘画，所以后来一直在运用这两种媒介进行创作，试图将不同媒介材料的特性融合并使其达到一种平衡稳定，探索更多可能性，是其中的趣味所在。我的创作观念是，探究摄影与绘画的更多渗透与延展，即摄影中的绘画性，绘画中有摄影性；我所观察的对象造就了我的作品风格，比如：山川湖海、天文天象、能量景观及动植物。所以在我的最终呈现中会使用木板、金属板、石头等。

我的工作方法比较综合，暗房红灯下，未曝光的进口纯棉基相纸相纸经过充分水浴后，摊平用透明显影液、定影液进行相纸绘画，精确时间的化学作用下，图像逐渐变化显影，直至达成预设，再将相纸定影、冲洗、阴干，整个过程并非物理性的覆盖纸张，期间也并无相机参与，与胶片、胶卷亦无关，仅仅利用摄影暗房洗照片的相纸和药水，每个动作即是绘画；而光的参与、显影过程，带来了“光感”和一部分不可控因素。装裱方面，使用了经典的中国画湿裱法，裱于木板或金属板之上。简而言之，则是纯棉纸基相纸上的药水绘画。

吴禹墨：我的创作目前有完整的三个系列：《自然记录》系列、《自然绘画》、《自然链接》系列。都与我当下的生活紧密链接，作品在自然生长的状态下产生。我的作品会使用蓝晒的方法、也会用胶片相机，但这些仅仅是技术本身。而我的创作核心是对于时间的一种预见性的观察。反过来说，我的创作自身的内在是不以记录或故事性为出发点的。它需要和我的生活体验强关联。我的创作关键词：时间、阳光、空气、自然。

张泽洋平：我的创作中观念和媒介占了很大的比重，创作观念：我关注的主要是探索人类存在、身份认同和社会环境互动等主题。我倾向于通过艺术表达个体在复杂社会背景中的体验和情感，探索人与环境、个体与集体之间的关系、人工物与自然物的对话。我的作品有一部分线索是对身份认同、文化冲突和社会环境变迁的思考。

创作媒介：我在创作中偏好多样化和实验性的媒介，包括绘画、装置艺术和数字艺术、声音、装置等这些媒介能够帮助我更有效地表达和探索复杂的观念和主题，每种媒介都带来独特的视觉语言和表现方式，可以更加完整的表达。

孙彦初：郑州，因着地理位置的缘由，它很包容，也很流动。而在地性也潜移默化在体现在我的作品中，比如历史和古代美术的元素。

吴禹墨：目前我主要生活在北京，北京是一种开放包容的性格。在地性会非常直接的反应到我的作品中。

张泽洋平：现在主要生活在北京，不同城市生活经验的“在地性”会反映在作品中，环境是我创作的很重要的一部分，声音、空间、视觉景观都影响着我的表达。

孙彦初：古代建筑、文物、文学、电影。

吴禹墨：商业领域，我喜欢商业领域的逻辑和效率。一切和商业有关领域我都有兴趣。最近关注比较多的是，艺术酒店版块，如何完善一个完整空间产品是最近在学习和思考的。

张泽洋平：关注声音艺术和建筑领域多一些，我比较喜欢看城市研究和建筑的思考这类的书，音乐的部分会喜欢实验音乐、氛围音乐多一些。

孙彦初：真诚的热爱和创造力。

吴禹墨：专注在建立自己创作系统后，持续积累作品；真实，但也要懂得拒绝，以及如何清晰的表达所思所想，不内耗，轻盈的完成；最重要的是，行动大于设想。

张泽洋平：创造力、自我反省与批判、开放性和好奇心，艺术家更像是一个综合体，拥有基本的品质和素养，最后都是被创作的热情和原动力点燃。

孙彦初：需要接送孩子的时候，按照孩子的时间来工作，比如：早上6:30起床，做早饭送孩子上学，接着到工作室，整理一下思绪，中午进入工作状态，期间持续工作，避难中断，所以中午我基本不做饭，感觉饿了，吃点水果坚果充饥，一直到晚上返城，接孩子放学，周而复始。

吴禹墨：我的工作是周期性的，有时1-2个月不做任何作品。有时集中闭关持续不断的输出。我喜欢将自己置于陌生环境中去大量创作。在北京时，一天可能有2-3小时动手，余下的时间思考、洒扫，生活空间的舒适通透对我而言是很重要的。

张泽洋平：比起创作我日常生活运动的作息时间更为严格，不太喜欢熬夜、聚会、喜欢运动、旅行 听音乐看书；我喜欢在自己的框架空隙中产生创作的节奏，没有一定要完成什么，更希望从环境中生成一种思考与记录。

孙彦初：还行吧，夏日有更多的水果可以充饥，比如西瓜、葡萄、黄瓜、西红柿，而这些都是我工作时的“午饭”。

吴禹墨：我喜欢夏天，因为在我的记忆中夏日总是有和家人一起出游的美好假期。

张泽洋平：比起夏天，我更喜欢冬天，夏天真的很热！但是夏天下雨天还不错，喜欢夏天的雨，冬天的雪。

孙彦初：那肯定是在路上，去看想看的风景、感受人文。

吴禹墨：我会去一个地方，走访有意思的空间，去见有意思的人，和他们交谈，去体验他人建立的美学系统。与具体、美好的事情度过假期。

张泽洋平：如果有一次漫长的假期，我希望随机去一个地方，没有任何目的的发呆整个假期，累了就回家。